# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il fatto è che a scuola a volte ci si annoia.

È per questo motivo -credo- che sono alla perenne ricerca di qualcosa di innovativo, di curioso, di accattivante, che mi tenga viva, interessata, attiva.

E in questa ricerca ci perdo le ore. Specie in rete. Su Facebook, su Pinterest, su Prezi, sui Blog dei colleghi... affascinata dalle idee strabilianti che qualcuno ha avuto prima di me e meglio di me.

Eppure no, non sono un'esaltata. Non credo che le nuove tecnologie e la rete possano rappresentare l'unica ancora di salvezza per la scuola. Non appartengo alla schiera degli entusiasti, senza "se" né "ma".

Anzi, se c'è qualcosa che ho riscoperto proprio in questi ultimi anni di contatto intenso e ravvicinato con il mio pc, è il valore della manualità, della concretezza, della laboratorialità, della creatività.

Dello studio legato alla realtà e all'attualità.

Se con la storia e la geografia, ciò mi è sempre risultato abbastanza semplice da fare coi ragazzi in classe, con l'italiano un po' meno.

Desideravo trovare il modo di rendere meno noiose le mie lezioni. Per i miei alunni, certo, ma anche per me.

Come spesso succede, le idee non si trovano mai (o quasi) dove si pensa di trovarle.

Un giorno, navigavo di blog in blog alla ricerca di un lavoretto da fare con la mia bimba di tre anni. Sapete quando piove in autunno? Ecco. Pastapane, cartapesta, origami... roba di quel genere.

Partiamo dall'etimologia. La parola deriva dal francese caviar, caviale, e potrebbe essere tradotta come "cavialeggiare", cioè, all'incirca "annerire". Annerire le parole che non servono, per mettere in evidenza invece quelle prescelte, che, insieme, andranno a formare una frase, un pensiero, un componimento poetico. Tale tecnica è anche conosciuta, in inglese, come Found Poetry.

Si procede in questo modo:

1. Si strappa una pagina a caso da un libro... e già questa per i ragazzi è una bella soddisfazione!! Hihihi! (Oppure si possono usare una fotocopia, una pagina stampata etc.)

2. Si scorre il testo, alla ricerca delle parole o delle frasi che più colpiscono, per poi metterle insieme, fino a creare una poesia.

3. Per dare un tocco artistico al componimento, lo si decora a piacere: con semplice annerimento, con disegni, con collage, usando le tecniche e gli strumenti che si preferiscono (pennarelli, matite, acquarelli, tempere...).

Per la decorazione, si può prendere spunto da altri (in rete c'è l'imbarazzo della scelta!) o lasciare libera la propria fantasia.

A mio parere, il bello di questa tecnica è quello che l'alunno si sente libero e stimolato nella sua creatività.
E libero di scegliere le parole che più gli sono congeniali, quelle che gli suonano meglio, quelle per lui più significative, e di combinarle allo scopo di creare un pensiero che parla di sè.

Il Caviardage infatti, oltre alla composizione della poesia, offre la possibilità di arricchire la pagina con disegni, collage etc... oppure -per i meno estrosi- con il classico "annerimento".

Dico la verità: se alle volte i risultati sono un pochino deludenti, alle volte invece sono a dir poco sorprendenti. Nella loro ingenuità e nella loro freschezza, i ragazzi sono in grado di creare dei pensieri poetici stupefacenti, illuminanti. Rivelatori.

Consigli che mi sento di dare:

Alcuni alunni, davanti alla pagina strappata, si bloccano e non sanno cosa fare, come scegliere, come procedere. Vanno solo incoraggiati e rassicurati rispetto al fatto che il loro lavoro non sarà inferiore a quello degli altri. Che quello che produrranno non sarà o giusto o sbagliato, ma semplicemente sarà opera loro, frutto dell'ispirazione del momento, del proprio vissuto personale, dell'estro specifico di ognuno, e anche del caso (la pagina che è toccata).

E quindi, consiglio n°2: non far MAI sembrare banale o sciocco il lavoro di un alunno! Semmai guidarlo nel correggere o sviluppare meglio il suo pensiero.

Qualche alunno invece si scoraggia perché non sa disegnare bene. Dite che non importa! Certo che la decorazione della poesia può essere fatta con una tecnica pittorica o grafica di un certo livello, ma può essere anche molto semplice. E' per questo che io ricordo agli alunni la possibilità di annerire solamente, oppure propongo gli scarabocchi zen (anche questa idea è tratta da http://tinafesta.wordpress.com/scarabocchi-zen/ Vedi anche gruppo fb https://www.facebook.com/groups/267797881275/?ref=ts&fref=ts)

Un'idea, che non ho ancora sperimentato ma che proporrò alle mie classi nel corso del mese di maggio di quest'anno, è quella di proporre un tema, un argomento, attorno al quale devono ruotare i componimenti.

Se volete dare un occhio ad alcune poesie realizzate col Caviardage, potete anche guardare sulla mia pagina Pinterest, dove ho raccolto:

Concludo con uno slogan che gira molto in rete ultimamente:

"Praticate gentilezza a casaccio e atti di bellezza privi di senso"

Mi illudo che qualche componimento dei miei ragazzi possa essere proprio questo: un atto di bellezza. Magari senza senso. Ma che importa?

Leggi il mio articolo per Metadidattica Il Caviardage ovvero trova la tua poesia.

Come si legge sul sito Mettere dei libri in modo che i titoli si concatenino fino a formare dei versi. Questo è fare "poesia dorsale". Si chiama così perché nasce dai www.poesiadorsale.it, la poesia dorsale consiste nel " uno sopra l'altro dorsi dei libri , non dai titoli. La differenza è solo visiva; infatti l'ha inventata un graphic designer e fotografo, Silvano Belloni. Che non ha avuto l'ispirazione pensandoci su, ma fissando uno scaffale con dei libri ammucchiati. La giornalista Antonella Ottolina si è innamorata dell'idea e le ha dato vita componendo le poesie dorsali".

Vedi spunti sulla Bacheca Pinterest di "Poesia dorsale,book-spine poetry"

Guardate questa poesia dorsale, fatta da ben 78 libri!

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SFOGLIA LE POESIE FUTURISTE !

(idea tratta da http://goccediarmonia.blogspot.it/ )

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Il fatto è che a scuola a volte ci si annoia. È per questo motivo -credo- che sono alla perenne ricerca di qualcosa di innovativo, di curioso, di accattivante, che mi tenga viva, interessata, attiva. E in questa ricerca ci perdo le ore. Specie in rete.

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di Tom Phillips

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Artist page for Tom Phillips (born 1937)

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Davvero divertente da creare, il calligramma (o carme figurato) è una poesia fatta per essere guardato e contemplata oltre che per essere letta. Anziché scriverle in un normale testo, il poeta usa le parole per formare un disegno che rappresenta il soggetto della poesia. Si tratta di un'antica forma d'arte in grado di ispirare in un solo gesto sia l'artista che lo scrittore che è in te.

Passaggi

1. 1

Scegli un soggetto, preferibilmente un nome. Il tuo poema dovrà assumere la forma dell'oggetto prescelto. Una forma semplice è una buona idea, perché potrebbe essere difficile riuscire a disegnare un soggetto intricato usando solo le parole.

2. 2

Disegna sul foglio la forma del soggetto scelto. Lascia una quantità di spazio adeguata in cui scrivere la poesia. Traccia i contorni a matita, e con un tratto leggero, per poterli cancellare con facilità dopo aver aggiunto le parole.

3. 3

Inizia a scrivere. Con questo tipo di poemi, non è necessario scrivere in rima, o prestare particolare attenzione alla struttura della frase. Limitati a scrivere del tema scelto, e rispetta gli spazi. Dopo aver riempito l'intera forma, potrai interrompere il flusso di parole!

4. 4

Cancella le linee guida e ammira il tuo capolavoro.

Consigli

Come per qualsiasi altro componimento è meglio scegliere un soggetto che ti interessa. Le parole usciranno con maggior facilità e direttamente dal cuore.

Esegui una ricerca e contempla altri componimenti. Un calligramma di Shel Silverstein dedicato ad una mela ripete semplicemente un'unica parola più e più volte riempiendo ogni parte del frutto.

Cose che ti Serviranno

Matita

Penna

Foglio di carta

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Davvero divertente da creare, il calligramma (o carme figurato) è una poesia fatta per essere guardato e contemplata oltre che per essere letta. Anziché scriverle in un normale testo, il poeta usa le parole per formare un disegno che...

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L'arte dell'illustrazione, quando le immagini comunicano

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Avete presente le istruzioni per il montaggio di un mobile Ikea? Quelle che vi permettono di montare anche una casa intera o la Torre Eiffel con una sola brugola? Scherzi a parte, la cosa interessante è che sono istruzioni puramente grafiche. Non c'è una sola riga di testo.

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Comic@school il fumetto come strumento didattico

Comic@school è il progetto che porta tra i banchi di scuola il fumetto come nuovo strumento didattico.

Il fumetto è uno strumento valido, originale e coinvolgente che può essere utilizzato per facilitare l’apprendimento ed è vicino ai modelli comunicativi dei giovani.

La capacità letteraria e le potenzialità linguistico-pedagogiche dei comic sono da sempre state sottovalutate, considerandoli come genere ludico di puro intrattenimento, un linguaggio per bambini. Il fumetto come strumento didattico trova sostegno nella comunità scientifica e si presta per diverse materie e attività scolastiche.

Il progetto mira a stimolare nei ragazzi la curiosità di apprendere attraverso i comic le discipline studiate a scuola. Sfruttando le potenzialità intrinseche nella nona arte è possibile mostrare il suo utilizzo come strumento didattico per migliorare l’apprendimento, coinvolgere e motivare gli studenti. Il fumetto non è utilizzato solo come mero strumento didattico ed educativo, ma come vera e propria fonte di ispirazione per grandi e piccini.

LA DIDATTICA DEL FUMETTO

Balloon

È il progetto che mira alla creazione di un fumetto in lingua inglese per migliorare la propria conoscenza e competenza nella lingua straniera, utilizzando un approccio pratico e divertente. Gli studenti dovranno occuparsi di tutto: dall’invenzione della storia, all’ideazione dei personaggi e dell’ambientazione, all’impaginazione del fumetto, fino all’inserimento dei disegni e dei dialoghi. ll fumetto costituisce un ottimo ausilio per migliorare l’inglese in particolare perché si utilizza un linguaggio semplice e colloquiale ed in genere ci sono battute brevi, e inoltre la presenza delle immagini facilita la memorizzazione di nuovi vocaboli.

Justice…in time

Da sempre fumetto è sinonimo di lotta tra bene e male, tra eroi ed antagonisti, tra giustizia e disonestà. Il protagonista dei fumetti è in genere un eroe, una persona dai sani principi morali che conosce i problemi della propria città e si adopera per risolverli. Da qui nasce “Justice…in time” che utilizza il fumetto per conoscere, raccontare e sensibilizzare gli studenti ai problemi e le ingiustizie sociali. Le tematiche trattate potranno riguardare fenomeni d’attualità come bullismo e cyberbullismo, cittadinanza attiva, educazione alla legalità, integrazione con coloro che hanno origini e culture diverse dalla propria, rispetto per l’ambiente e problematiche adolescenziali.

ComiCity

Il progetto ha lo scopo di far riscoprire le ricchezze del proprio territorio da ogni punto di vista, partendo dai percorsi enogastronomici a quelli di interesse storico, artistico e culturale. Gli alunni potranno quindi scrivere e disegnare un proprio fumetto che avrà ad oggetto il proprio territorio. A seguito di ricerche e di visite ai siti di interesse storico-culturale verranno creati dei comic ambientati nella propria città che mettono in risalto la storia, le tradizioni o i monumenti del proprio territorio.

Ciak Cartoon

Il legame che intercorre tra il cinema e il fumetto è fortissimo. Basti pensare alla parola inquadratura e sceneggiatura che le due arti usano in comune per capire come i due linguaggi, per quanto diversi tra loro, hanno dei punti di contatto che rendono impossibile all’una non subire il fascino dell’altra. È da questo presupposto che nasce il progetto Ciak Cartoon con lo scopo di avvicinare i giovani al mondo del cinema con la creazione di un cortometraggio ispirato ad un fumetto già esistente o ad un fumetto realizzato dagli stessi alunni.

FumettiAMO l’Europa

Il progetto ha lo scopo di far conoscere agli studenti la storia, la cultura e le norme che hanno caratterizzano la nascita della Comunità Europea. Partendo dalla lettura di fumetti legati a questa tematica, gli studenti realizzeranno un comic dove esprimeranno la loro Europa, attraverso i balloon.

IL FUMETTO NELLA DIDATTICA

La nona arte

Si pone come obiettivo quello di avvicinare i giovani alla lettura e di stimolarne l’immaginazione. Leggere è fonte di arricchimento non solo personale, ma anche culturale, morale e sociale. La lettura, infatti, aiuta a costruire la propria visione del mondo e della realtà, a cambiare una parte di noi stessi. Al fumetto viene riconosciuto il titolo di letteratura disegnata, dove le descrizioni sono sostituite dall’espressione dei volti, dalle pose e dall’ambientazione. Il suo impiego deve anzitutto significare la rima scoperta o riscoperta del piacere di leggere, la prima fase di una strategia graduale di educazione alla lettura e di acquisizione del gusto della lettura.

Studiare a fumetti

Il modulo consente di riprodurre, attraverso il fumetto, un argomento studiato in aula. Durante il percorso gli studenti si cimenteranno nella creazione di un fumetto, dove la storia è tratta dalla didattica, apprenderanno così le tecniche che consentono di adattare una storia in un dialogo a fumetti, fino ad arrivare alla costruzione delle tavole.

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Comic@school: il fumetto nella didattica e la didattica del fumetto

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Comic@school è il progetto che porta a scuola il fumetto e lo utilizza come strumento didattico.Possiamo creare un fumetto per approfondire un tema di storia,di scienze,di letteratura,di inglese, etc...Noi lo abbiamo utilizzato anche per avvicinare i giovani alla lettura, per fare marketing territor…

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Cari alunni,
lavoreremo insieme utilizzando  questo Padlet. Si tratta di una  bacheca virtuale  condivisa che vi offre la possibilità di avere sempre a disposizione il materiale necessario per lo svolgimento delle varie attività, ampliandolo ulteriormente con l'aggiunta di contributi personali al fine di realizzare dei prodotti collaborativi. I vari post proposti contengono link ad articoli suggeriti, o risorse online per approfondire i temi affrontati.

Seguite le indicazioni fornite lasciando commenti in coda, dopo aver svolto le  varie attività proposte.
Se non siete iscritti, aggiungete il vostro nome e cognome!

Buon divertimento!

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Maneggiare con cura...
Contiene sogni...

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Conosci Mentimeter? Prova ad utilizzarlo e a rispondere al sondaggio.
Collegati a menti.com e inserisci il codice 94 36 91 oppure clicca sull'immagine.

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Cos'è per la tristezza...

inserisci tre parole significative

Cos'è per la tristezza...

25

25

25

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i vostri meravigliosi risultati...

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Nello storyboard, lo studio della composizione delle vignette, i disegni non sono ancora definiti, ma sono abbozzati.

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STORYBOARD TOPOLINO

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FUMETTI EDUCATIVI...

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Pixton è uno strumento di narrazione grafica, che permette di realizzare fumetti in modo facile e intuitivo. C'è la possibilità di scegliere tra numerosi layout, personaggi e sfondi. Questo tool è molto utile dal punto di vista didattico perché permette agli studenti di imparare divertendosi e anche di utilizzare le proprie conoscenze in modo creativo. L'utilizzo della funzione educativa del fumetto e la grafica accattivante renderanno l'apprendimento più leggero ed originale. Ne esistono 2 versioni: quella classica e quella aggiornata.

Versione gratuita e a pagamento

Pixton nella versione moderna prevede una variante gratuita limitata, i cui contenuti disponibili sono unicamente quelli inclusi nell'attività che ci viene proposta dopo la registrazione, e poi delle opzioni a pagamento:

Monthly pack: 9,99$ al mese per un nuovo pacchetto di contenuti al mese.

Access everything: 24,99$ al mese, accesso illimitato a tutti i contenuti per docente e studenti fino a quando si mantiene l'abbonamento.

School or District: abbonamento annuale su misura ad un prezzo speciale, accesso illimitato a tutti i contenuti per docente e studenti fino a quando si mantiene l'abbonamento.

C'è però la possibilità di usufruire di un periodo gratuito di prova di 15 giorni (cliccando su questo link) utilizzando la versione classica, disponibile anche in italiano e leggermente diversa rispetto a quella attuale, che è stata resa graficamente più accattivante; la modalità di realizzazione dei fumetti però resta la stessa.

Registrazione versione classica

Innanzitutto potremo scegliere di accedere per lavoro, come insegnanti, come studenti o per divertimento.

Questo tutorial è pensato principalmente per utilizzare Pixton come strumento didattico, quindi ci iscriveremo come docenti. In questo caso ci verrà richiesto di inserire alcune informazioni come, ad esempio, la scuola in cui si insegna e la propria materia. Poi dovremo selezionare un'attività da far svolgere ai nostri studenti. Nella versione italiana è possibile solo creare il compito da assegnare ex novo, scegliendone il titolo, le istruzioni e la data di consegna, mentre in quella inglese è possibile scegliere se utilizzare l'attività di default oppure se scaricare delle vere e proprie lezioni. Verranno proposte quelle inerenti alla materia che abbiamo inserito in fase di registrazione, che potranno essere importate o stampate.

Poi bisognerà aggiungere gli studenti e creare il proprio avatar. Cliccando su questo link gli studenti avranno la possibilità di inserire il codice fornitogli dall'insegnante e di scegliere nome utente e password per effettuare l'accesso.

Creiamo un fumetto

Ora possiamo iniziare a creare i nostri fumetti, cliccando in alto a destra su "I miei fumetti" e poi su "Crea un fumetto ora!".

Si dovrà poi scegliere il formato e lo sfondo tra quelli proposti.

Una volta inserito il numero di personaggi che faranno parte della nostra storia, potremo cambiarne la direzione con il primo pulsante azzurro in basso, il colore della pelle con il secondo, scegliere una posa con il terzo, e l'espressione del viso con il quarto. L'ultimo pulsante invece serve per eliminare gli elementi che compongono il nostro fumetto. Cliccando sul balloon in alto a sinistra potremo inserire anche dei testi.

Cliccando sul volto in alto a sinistra potremo modificare e aggiungere i personaggi, mentre il secondo pulsante serve a modificare lo sfondo. Una volta terminata la nostra prima vignetta basta cliccare sulla "V" in basso e poi sul "+" per aggiungerne una nuova.

Versione avanzata

Possiamo creare il nostro fumetto utilizzando una versione per principianti oppure una avanzata che permette di svolgere più azioni, come ad esempio ruotare alcune parti del corpo, aggiungere balloon di forme differenti. Come possiamo vedere nell'immagine ci sono molte più funzioni, rappresentate dai pulsanti gialli.

Salvataggio e condivisione

Una volta terminato il nostro fumetto dobbiamo cliccare su "Salva e continua" in basso a destra. Basterà inserire un titolo, la lingua che abbiamo utilizzato, e poi scegliere se permettere agli altri utenti di remixarlo, cioè di modificarlo e di aggiungere degli altri contenuti, ma la nostra versione non subirà cambiamenti.

Versione gratuita

Come abbiamo detto precedentemente, è possibile accedere gratuitamente a Pixton, ma si avrà a disposizione un solo contenuto. Se ne potranno acquistarne altri dallo shop, oppure si potrà passare ad una versione a pagamento. Vediamo come funziona questa versione più "moderna".

Registrazione

Per prima cosa bisogna scegliere se utilizzare Pixton come educatore, come studente o come azienda, ovviamente noi selezioneremo la prima opzione. Poi dobbiamo registrarci cliccando su "Sign up" in alto a destra.
I docenti potranno accedere tramite un account Google, Microsoft o tramite Facebook. Una volta fatto ciò, dovranno inserire il nome della classe e il grado scolastico.

A questo punto dovranno decidere come far accedere i propri studenti, facendoli registrare al sito oppure fornendogli un link, che verrà utilizzato solo per quella classe, e che gli alunni dovranno aprire per poi inserire gli username che gli sono stati assegnati. Gli alunni non sono tenuti a registrarsi se vogliono utilizzare il programma autonomamente e non come attività scolastica.

Creiamo gli avatar

Gli insegnanti dovranno creare il proprio avatar, selezionando il colore degli occhi e dei capelli, la statura, l'espressione facciale, l'outfit e molto altro. L'avatar del docente, insieme a quelli realizzati dagli studenti, sarà automaticamente visibile nella "foto di classe".

Terminata la realizzazione dell'avatar verrà proposta una simpatica attività, che ha come protagonisti i dinosauri, da far svolgere agli studenti per farli familiarizzare con il tool. Poi si dovranno inserire i nomi degli alunni e infine verrà generato il link che essi dovranno utilizzare per poter accedere alla classe virtuale.

Schermata principale

La schermata principale ci darà accesso:

Alla classe che abbiamo creato: cliccando su "View class" potremo vedere tutti i profili degli studenti che avevamo aggiunto in precedenza e i loro progressi, o anche aggiungere nuovi alunni. Cliccando sui nomi degli alunni compariranno anche i fumetti da loro realizzati. Inoltre potremo rivedere la foto di classe cliccando su "Class photo" e avremo accesso alla voce "Printables" di cui ci occuperemo a breve.

My comics: una raccolta di tutti i fumetti che abbiamo realizzato.

My content packs: una serie di contenuti acquistabili e scaricabili, anche cliccando sulla voce "Shop" in alto.

Printables: contenuti stampabili come ad esempio il proprio avatar, vari balloon, regole da rispettare ecc.

Creare un fumetto

Per creare un fumetto basta cliccare sulla voce "My comics" presente nella dashboard e poi su "New comic". Poi bisogna scegliere un titolo e dare spazio alla creatività. La schermata principale ci permette di scegliere lo sfondo, i personaggi da inserire, come posizionarli, le loro espressioni, vari effetti e inoltre di inserire il testo. Quando abbiamo terminato clicchiamo su "Done" in alto a sinistra per salvare il nostro progetto.

Paidea utilizza il fumetto come strumento didattico in molti corsi dedicati agli studenti di istituti di ogni ordine e grado. Per saperne di più clicca sul link.

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Pixton è uno strumento di narrazione grafica, che permette di realizzare fumetti in modo facile e intuitivo. C'è la possibilità di scegliere tra numerosi layout, personaggi e sfondi. Questo tool è molto utile dal punto di vista didattico perché permette agli studenti di imparare divertendosi e anche di utilizzare le proprie conoscenze in modo creativo.

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https://www.wikihow.it/Creare-un-Fumetto

http://www.reckewegcomics.com/tutorial-fumetto/lo-storyboard-del-fumetto/

https://design.tutsplus.com/it/tutorials/create-a-comic-how-to-plan-and-lay-out-your-comic--cms-24179

https://nonsolocultura.studenti.it/come-scrivere-sceneggiature-per-fumetti-161113.html#steps_6    VIDEO

https://www.youtube.com/watch?v=b1wO6ll7r5Q  SCRIVERE SCENEGGIATURA

https://ilmiolibro.kataweb.it/articolo/scrivere/10792/5-storyboard-e-bozzetti-preparatori/

http://tutorialkinart.blogspot.it/2009/02/sceneggiatura-punti-di-vista-2.html
http://www.diegozilla.com/2011/05/diegozilla-lab-fase-3-sceneggiare-fumetti_-lezione-2/

http://www.reckewegcomics.com/tutorial-fumetto/sceneggiatura-di-un-fumetto/

https://ilmiolibro.kataweb.it/articolo/scrivere/10790/3-soggetto-e-sceneggiatura/

http://www.luciano.gatto.name/EditoreDISNEY/Animatore/animatore3.htm

http://angoloarte.altervista.org/FUMETTO.htm

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modificare le immagini:Photopea

scontornare: Photoscissors

creare combinazioni cromatiche: Adobe Color Wheel

estrarre la tavolozza da un'immagine: ColorSnap

creare un museo virtuale navigabile: Instamuseum

fare il morphing facciale: Webmorph

creare gif animate: GIF maker

disegnare in 3D: Tinkercad

creare una tassellatura: Tessellations

creare uno storyboard: Storyboard creator

creare un'infografica: Easel

creare una mappa concettuale: Coggle

creare mappe geografiche interattive: MyHistro

creare una linea del tempo: Sutori

creare una linea del tempo: Tiki-Toki

creare una linea del tempo: TimeToast

creare presentazioni: Canva

creare una nuvola di parole (tagcloud): WordArt

creare il cartoon del proprio volto: Cartoonify

creare app per mobile: Mobincube

generare testi con ogni tipo di font: Font Meme

generare un QRcode: QRcode generator

comprimere e decomprimere file: Online Archiver

estrarre screenshot da un video: YouTubescreenshot

fare la ricerca inversa per immagini: TinEye

convertire immagini raster in vettoriali: Vector Magic

convertire il formato di immagini, video, testi: Online-convert

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Venticinque applicazioni online per lavorare con creatività

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modificare le immagini:Photopea scontornare: Photoscissors creare combinazioni cromatiche: Adobe Color Wheel estrarre la tavolozza da un'immagine: ColorSnap creare un museo virtuale navigabile: Instamuseum fare il morphing facciale: Webmorph creare gif animate: GIF maker disegnare in 3D: Tinkercad creare una tassellatura: Tessellations creare uno storyboard: Storyboard creator creare un'infografica: Easel creare

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su fumettologica

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Qual è il modo migliore per passare il tempo, in questi giorni in cui siamo tutti costretti in casa, se non leggendo fumetti? Se poi sono anche gratuiti, la soddisfazione è ancora maggiore. Proprio per questo abbiamo pensato di ricordarvi che, nel corso dei nostri 7 anni di vita, anche qui su Fumettologica abbiamo avuto modo di pubblicare alcuni fumetti completi: inediti realizzati appositamente per noi, chicche rare o storie in anteprima da antologie varie.

Un elenco che comprende importanti autori italiani contemporanei come Manuele Fior, Marco Corona e Ratigher, ma anche autori internazionali come Philippe Druillet, Robert Crumb e Shintaro Kago. Ve li riproponiamo tutti in un unico post, sperando di alleviare almeno un po' la vostra permanenza forzata a casa.

Gita di classe, di Manuele Fior

Acconciatura, di Shin'ichi Abe

Usagi Yojimbo - Immagini di un giorno d'inverno, di Stan Sakai

The Artist, di Anna Haifisch

Don Camillo - La carne e il Diavolo, di Davide Barzi e Werner Maresta

Senzombra - Un lavoro tranquillo, di Michele Monteleone e Marco Matrone

Lone Sloane - Il trono del dio nero, di Druillet

Il processo degli scheletri, di Marco Corona

Un certo Daneri, di Carlos Trillo e Alberto Breccia

La terza zona di sopravvivenza, di Leiji Matsumoto

La nausea, di Robert Crumb

I Ronfi - Il fuggiasco, di Adriano Carnevali

Melmo - I bonbon magici, di Osamu Tezuka

La collina dei pioppi, di Murubutu e Ernesto Andele

Un sussurro nella penombra, di Chris Reynolds

Storiemigranti, di Sio e Nicola Bernardi

Divertimento nell'antica Roma, di Shintaro Kago

La notte del Mocambo, di Serge Clerc

Come ho conosciuto Tuono Pettinato, di Ratigher

Il sud della California, di Conxita Herrero

Pezzi da esposizione, di Roberto Dal Prà e Attilio Micheluzzi

Il sogno del vecchio musicista, di Alfredo Castelli

Self Service, di Giuseppe Ferrandino e Bruno Brindisi

Due disgraziati, di Charles Bukowski e Matthias Schultheiss

Tippy Tuesday, di Tuono Pettinato (rubrica a fumetti pubblicata su Fumettologica dal 2013 al 2016)

La contea di Colbrino, di Adriano Carnevali (10 episodi)

L-Tiers - Stagione 2, di Walter Baiamonte (8 episodi)

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I fumetti che si possono leggere gratis su Fumettologica - Fumettologica

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Qual è il modo migliore per passare il tempo, in questi giorni in cui siamo tutti costretti in casa, se non leggendo fumetti? Se poi sono anche gratuiti, la soddisfazione è ancora maggiore.

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Identificate già da ed altri scienziati introducendo il concetto di Charles Darwin che ne parlò nel suo "L'espressione delle emozioni nell'uomo e negli altri animali" (1872) le emozioni primarie sono state recentemente ampliate da microespressione e aggiungendo l'espressione del disprezzo ... (come avevano potuto dimenticarlo? È talmente diffuso!).

Basta un soppracciglio un po' più sollevato o un angolo della bocca leggermente abbassato per passare dal sospetto alla riprovazione, dal sollievo alla noia, dal sarcasmo all'espressione furbetta...

Eppure, nonostante si tratti di con possibili varianti legate alla espressioni istintive ed universali cultura di un popolo, l'arte non ha mostrato da subito interesse per questo aspetto del volto umano.

Insomma, enigmatica e orgogliosa come solo la Gioconda di Leonardo duemilaottocento anni dopo...

Naturalmente il motivo non stava nell'incapacità di raffigurare le altre espressioni del viso quanto nel fatto che per i soggetti rappresentati da quelle civiltà (divinità e regnanti, soprattutto) era inopportuno evidenziare emozioni legate alla fragilità umana. Una dea spaventata o un faraone disgustato non ce li vedo proprio!

Per osservare delle espressioni un po' più forti occorre guardare al teatro greco e alle sue maschere. Ma in quel caso era necessario enfatizzare ed esagerare le varie emozioni della tragedia o della commedia per caratterizzare i personaggi e renderne riconoscibile l'atteggiamento.

Nella scultura ufficiale, i primi "cedimenti" all'indifferente sguardo degli dei dell'Olimpo appaiono con i guerrieri di Skopas (420-330 a.C.): l'arcata sopracciliare si fa profonda ed implorante, gli occhi incavati e languidi.

Per la prima volta si parla di pathos, la manifestazione dell'interiorità, dell'irrazionalità umana, della sofferenza o dell' abbandono ai sensi, opposto al logos, il pensiero razionale e filosofico.

Eppure questo resterà sostanzialmente un caso isolato. Nell'arte romana, ad esempio, sebbene i tratti siano meno idealizzati e il volto tendenzialmente realistico, le espressioni torneranno ad essere serie o meditabonde, senza grandi manifestazioni delle emozioni più intime.

È ammesso un leggero corrugamento della fronte come indice di profondità di pensiero e superiorità morale.

Prima che la sofferenza possa manifestarsi nuovamente con l' enfasi di Laocoonte bisognerà aspettare oltre milletrecento anni.

E, come in tanti altri aspetti dell'arte, è con Giotto che si recuperano le emozioni (insieme alla riscoperta del volto di profilo, dello scorcio dei corpi, della vera forma delle nuvole, dei , del chiaroscuro che crea il volume e della prospettiva che crea lo spazio...).

Nel Compianto sul Cristo morto della Cappella degli Scrovegni (1303-1305) sembra quasi di poter sentire le urla disperate degli angeli che echeggiano nell'aria: si strappano i capelli, si asciugano le lacrime, si contorcono per il dolore!

Nel Rinascimento è di nuovo abbastanza raro trovare espressioni forti. Le eccezioni sono davvero poche.

... i Dannati all'Inferno (1499-1503) di Luca Signorelli ...

... e quelli del Giudizio Universale (1535-1541) di Michelangelo.

Avvicinandoci al Seicento, l'età del Barocco, è tutto un germogliare di espressioni disperate e pathos a bizzeffe. Non più associate alla passione di Cristo o al tormento dei peccatori, le emozioni si manifestano nei personaggi più vari.

In Caravaggio (1571-1610) c'è una Medusa terrorizzata, una Giuditta che trattiene il disgusto, un bambino spaventato, un ragazzo colto di sorpresa... insomma ogni sfumatura delle emozioni umane è di sicuro presente in uno dei suoi quadri.

Sono espressioni che l'artista contemporaneo Bill Viola ha esplorato attimo per attimo con i suoi video al rallentatore. Si può cogliere così ogni contrazione muscolare, ogni impercettibile deformazione di un volto pieno di dolore.

Ma restando al Barocco non è da meno Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), capace di fissare sul marmo lo sforzo di David, il deliquio di Santa Teresa o l'urlo di un dannato.

Della prima metà dell'Ottocento sono, invece, le opere di Louis-Léopold Boilly (1761-1845) nelle quali il pittore cerca di cogliere le espressioni più diverse.

I suoi stessi autoritratti sono una piccola galleria di emozioni...

I suoi personaggi, accalcati in un loggione in un giorno di spettacolo gratuito, rivelano un'umanità grottesca dalle espressioni più estreme.

Ma il suo capolavoro sono quelle "Trentasei espressioni del viso" del 1822, esasperazione di tutti gli stati d'animo e le smorfie possibili!

Intanto, con la nascita di fumetti e cartoni animati, l'interesse per le emozioni impresse nel volto è cresciuto enormemente.

I disegnatori si esercitano su una gran quantità di espressioni lavorando essenzialmente su tre elementi: occhi, sopracciglia e bocca. Piccole variazioni dell'una o dell'altra parte del viso possono determinare, infatti, sfumature psicologiche molto differenti.

Se disegnare o scolpire può risultare troppo difficile può essere altrettanto interessante provare ad assumere alcune espressioni legate a particolari stati d'animo e fare degli autoscatti.

È un esercizio utile per comprendere le possibilità espressive del proprio volto ... non a caso, un po' per vanità, un po' per allenarsi, è una tipica attività delle attrici di tutti i tempi!

Noi ci abbiamo provato anche a scuola. Ne sono venuti fuori dei selfie davvero interessanti!

Non so voi... ma io ho già uno specchietto in mano e mi guardo mentre cerco di fare la faccia arrabbiata, quella felice, quella terrorizzata, quella disgustata eccetera eccetera eccetera.

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Quello che dice il volto: le espressioni nell'arte

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Identificate già da ed altri scienziati introducendo il concetto di Charles Darwin che ne parlò nel suo "L'espressione delle emozioni nell'uomo e negli altri animali" (1872) le emozioni primarie sono state recentemente ampliate da microespressione e aggiungendo l'espressione del disprezzo ... (come avevano potuto dimenticarlo? È talmente diffuso!).

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È come un arcobaleno a forma di anello. Un tondo con i colori della luce. Una circonferenza iridata... No, non è un indovinello. Sto solo provando a dare una definizione 'poetica' al cerchio cromatico!

Ma non essendo portata per la poesia torno alle mie abitudini teutoniche e vado con ordine e con un po' di scienza.

Pare che il primo cerchio cromatico moderno (cioè la rappresentazione dei colori dello spettro della luce disposti radialmente dentro un cerchio) sia opera di Isaac Newton (1642-1727). Sì, proprio quello della mela e della gravità!

Prima di arrivare alla rappresentazione circolare Newton individuò la relazione tra colore e luce partendo da alcuni esperimenti con un prisma condotti intorno al 1665.

Sarà solo nel 1704, con il trattato di Ottica, che Newton presenterà per la prima volta il cerchio cromatico, una sorta di diagramma a torta in cui ad ogni fetta corrisponde un colore.

La cosa curiosa è che l'ampiezza dei settori si basa sulle proporzioni di un'intera ottava della scala musicale. Le lettere maiuscole sul bordo esterno del cerchio non sono altro che i nomi delle note secondo la codifica anglosassone (A = la, B = si, C = do etc.)

Insomma, duecento anni prima di erano già emerse le corrispondenze scientifiche tra suono e colore!

Ma torniamo al cerchio di Newton. Andando verso il centro i colori sono sempre meno saturi, cioè non puri (tecnicamente non-spettrali). Fino al bianco, la somma di tutti i colori della luce. E proprio con un disco simile Newton ha fatto l'esperimento inverso a quello del prisma: facendo ruotare un cerchio con i sette colori dello spettro (anche ripetuti più volte in piccoli spicchi), questi si fondono fino a dare l'effetto del bianco.

Questa proprietà è quella della sintesi additiva dei colori, cioè la somma dei colori come luce, non quella dei colori come pigmenti. In quel caso la mescolanza di tutti i colori darà il nero come abbiamo già visto parlando del colore .

Ma torniamo al cerchio. Per certi versi è una forzatura, perché lo spettro della luce ha più senso se viene rappresentato attraverso una linea, su un grafico cartesiano nel quale si trovino alle ascisse le lunghezza d'onda e alle ordinate i valori d'irradianza spettrale (scusate i tecnicismi e guardate il diagramma, le immagini spiegano più delle parole...).

Di contro, la rappresentazione circolare nella quale il viola si congiunge al rosso, consente di scoprire delle relazioni reciproche tra i colori altrimenti non rilevabili come la definizione dei colori primari e dei secondari.

È del 1708 una pubblicazione a firma di un misterioso C.B. nella quale sembrano già evidenti queste considerazioni anche se i due cerchi non sono molto coerenti tra loro presentando il primo 7 e il secondo 12 colori.

Molto più preciso è il cerchio di Moses Harris del 1766. Qui appaiono già i tre colori considerati a quel tempo i primari nella sintesi sottrattiva (cioè i colori-pigmento): rosso, giallo e blu. Al centro, infatti, è il nero come somma di tutti i colori.

Di qualche anno successivo è quello che trovate in cima al testo, nel libro aperto. È di un naturalista austriaco, tale Ignaz Schiffermüller, che lo elaborò nel 1775 per classificare i colori necessari a definire le tinte degli insetti.

Del 1810 è l'altro caposaldo nella storia del cerchio cromatico. Stranamente non è opera di uno scienziato ma di un poeta e scrittore. Parlo di Johann Wolfgang von Goethe e della sua Teoria dei Colori.

In contrasto con le idee di Newton, Goethe sosteneva che i colori dipendessero dall'oscurità piuttosto che dalla luce. "Il colore è, come tale, un valore d'ombra ", scrisse in proposito.

Per questi aspetti, di tipo più filosofico che scientifico, il suo testo non ebbe grande eco tra gli studiosi. Ma alcune intuizioni sono state di fondamentale importanza nella storia della pittura contemporanea. Parlo della scoperta dei ma anche delle colori complementari (che sul cerchio cromatico sono quelli diametralmente opposti), dell'intuizione delle ombre colorate, del contrasto simultaneo sensazioni psicologiche prodotte dai colori.

Già pochi anni dopo William Turner dipinge un quadro dedicato al "Mattino dopo il diluvio universale" (1843) esplicitamente ispirato alla teoria di Goethe, persino nella forma circolare della disposizione dei colori.

Negli stessi anni . Il suo cerchio cromatico a 72 colori, elaborato nel 1861, influenzerà direttamente gli artisti post-impressionisti e in particolare Michel Eugène Chevreul, un chimico francese, cominciò a studiare in modo scientifico la teoria del contrasto simultaneo, cioè dell'influenza reciproca che hanno due colori accostati Georges Seurat.

La più importante tappa successiva nell'evoluzione del cerchio cromatico è opera di Johannes Itten, pittore e designer svizzero tra i primi ad insegnare al Bauhaus, la scuola tedesca di arte e architettura attiva dal 1919 al 1933.

Del 1921 è la sua stella a dodici punte in sette gradazioni luminose.

Nel suo celebre testo " L'arte del colore " del 1961, una vera bibbia in fatto di accostamenti cromatici, inserisce anche un'altra versione, forse la più nota, del cerchio cromatico.

Dal punto di vista della colorimetria, però, nemmeno questo è il cerchio cromatico definitivo. Perché riporta come primari (parliamo sempre di sintesi sottrattiva), il giallo, il rosso e il blu.

I veri primari, invece, sono il giallo, il magenta e il ciano. Solo questi colori possono dare i terziari corretti. Non è un caso che per le vostre stampanti comprate toner di questi colori (a cui si aggiunge il nero perché la mescolanza dei tre primari dà un grigio e non un nero profondo).

Cosa possiamo osservare da questo cerchio cromatico? Per esempio che il rosso è un secondario (cioè si crea mescolando i primari giallo e magenta) e l'arancione è un terziario (un secondario + un primario) e che i complementari sono sempre i colori diametralmente opposti (il verde lo è del magenta, il blu del giallo, il rosso del ciano, etc. etc.).

Ma in realtà non volevo parlarvi di tutto questo (se l'ho fatto è perché ogni tanto sono un po' perfida). Volevo solo fare una 'breve' introduzione ad un esercizio di creatività fatto con i ragazzi di quinta dopo aver lavorato sul cerchio di Chevreul e su quello contemporaneo.

No, niente tempere e ciotoline per mescolare i colori. Una cosa ancora più divertente! Ho detto loro: "Create il vostro cerchio con oggetti che avete in casa. Anche diversi tra loro. Fate una foto e mandatemela".

Risposta: silenzio totale e sguardi sconvolti...

Allora ho fatto vedere loro qualche esempio. Giusto per capire di cosa diavolo stessi blaterando.

Quello è il momento in cui succede qualcosa di magico. Lo sguardo a forma di punto interrogativo si illumina. Se facessero meno baccano si potrebbero sentire addirittura le rotelline nella loro testa che cominciano a mettersi in moto.

È anche un momento difficile perché dare un esempio è sempre rischioso: da un lato può sbloccare la creatività, far capire che possono osare; dall'altro può imbrigliarla perché si è portati a pensare che quella sia l'unica ' risposta giusta'. Ma non ci sono soluzioni corrette in questo lavoro. C'è solo da osservare il mondo con occhio meno distratto...

Ecco cosa hanno prodotto.

Niente male, vero?

Io, invece, mi sono divertita, come sempre, a setacciare il web in cerca dei cerchi cromatici più originali. E questo è ciò che ho trovato.

Scommetto che vi state chiedendo se pure io lo abbia fatto (e se non ve lo state chiedendo, peggio per voi!). Nel primo caso eccovi accontentati.

È molto da prof. di storia dell'arte, ma che ci volete fare? Ormai ho subito questa mutazione genetica e le cose mi escono tutte così!

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Il cerchio cromatico tra scienza e creatività

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È come un arcobaleno a forma di anello. Un tondo con i colori della luce. Una circonferenza iridata... No, non è un indovinello. Sto solo provando a dare una definizione 'poetica' al cerchio cromatico! Ma non essendo portata per la poesia torno alle mie abitudini teutoniche e vado con ordine e con un po' di scienza.

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Tutto comincia con la luce del Sole (quando il sole tramonta il cielo ci appare nero, dunque il Sole c'entra!): la sua luce è composta da lunghezze d'onda che vanno dai 380 nm (cioè milionesimi di millimetro) ai 780 nm, in pratica le onde elettromagnetiche relative ai colori compresi tra il violetto (con lunghezze d'onda molto corte) e il rosso (lunghezze d'onda molto lunghe) passando per tutti i colori dell' arcobaleno.

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È stato studiando Annibale Carracci (1560-1609) che mi è venuta l'idea di confrontare le tavolozze dei suoi dipinti. Le sue opere, infatti, mostrano un'evoluzione cromatica sorprendente, quasi si trattasse di autori diversi, e volevo vederci più chiaro.

Allora ho estratto dei campioni di colore caratteristici dei vari dipinti. Nulla di scientifico, solo una selezione fatta a occhio, con il contagocce di Photoshop. Ma alla fine davvero illuminante. Valutate voi.

Se con il Mangiafagioli Annibale si muove tra colori terrosi, caldi, poco saturi, con le opere della maturità si lancia su tinte sempre più sgargianti accostate con forti contrasti.

Avevo già fatto una ricerca simile con la Deposizione di Pontormo (1494-1557). Non per studiare i progressivi cambiamenti di tavolozza ma per estrapolare le coppie di colori adiacenti. Scelte inusuali e a volte stridenti, degne di un moderno color designer.

E così, quando sono stata invitata, come ogni anno, a tenere un , ho pensato di proporre agli studenti di Didattica dell'arte proprio il tema della workshop all'Accademia di Belle Arti di Palermo tavolozza d'artista. In pratica analizzare l'opera d'arte concentrando l'attenzione sui colori utilizzati (ma tutti gli altri , ovviamente, vanno conosciuti, altrimenti i colori non ci racconteranno nulla).

Ho mostrato loro diversi casi. Ad esempio queste tabelle comparative sui colori di interi periodi artistici. A colpo d'occhio danno già l'idea di un Rinascimento di colori sereni, un Barocco di tinte cupe e accese e un Impressionismo di toni freschi e luminosi.

Ho mostrato anche le tavolozze ricavate dai singoli dipinti, come queste di Degas...

... o queste di Michelangelo e Caravaggio.

Abbiamo visto come questo esercizio di estrapolazione cromatica venga fatto anche sulle foto, per creare delle palette utili ai grafici nelle loro creazioni. Le più belle sono sicuramente quelle di DesignSeeds.

Più "professionali" sono gli studi proposti dal sito dove la tavolozza è più estesa e ogni colore è accompagnato dal relativo valore nella scala cromatica HTML.

La visualizzazione della tavolozza in genere è una tabella di colori con quadrati o rettangoli. Ricorda un po' certe palette di ombretti...

Ma esistono anche altri modi per graficizzare i colori di un dipinto. , ad esempio, li ha raccolti in Arthur Buxton diagrammi a torta, in modo da indicare anche la percentuale di ogni colore.
Naturalmente senza il dipinto di riferimento non sono particolarmente utili, ma se usati per confrontare tra loro gli autori, possono comunque servire a farsi un'idea dello stile e del carattere dell'artista.

Un concetto simile ai diagrammi a torta è quello di Year of color, un'applicazione online che permette di scoprire i colori prevalenti nelle foto dell'ultimo anno del proprio profilo . Ecco alcuni dei miei scatti...

Ed ecco il diagramma dei colori. Pare che io abbia una preferenza per toni neutri, tinte poco sature e una scala cromatica fatta di beige e marroni, con qualche azzurro e pochi rossi.

A questo punto ho dato il "compito". Tre ore di tempo per un lavoro di gruppo da presentare alla fine del pomeriggio agli altri partecipanti.

Eccoli tutti al lavoro, mentre scelgono l'artista e le opere da analizzare.

Nel frattempo mi sono messa a cercare sistemi automatici di estrazione delle palette, con applicazioni online o per smartphone. E ne ho trovate tante!
Ad esempioColor Viewfinder, un'app che consente di scegliere quanti campioni di colore visualizzare, dove disporli e anche se mostrarli con rettangoli tutti uguali o secondo la proporzione presente nell'immagine. Unico limite: la figura viene ritagliata in formato quadrato e i tasselli ne coprono una parte.

Come applicazioni da usare online su browser ho trovato invece Color Palette FX, un pratico sito dove basta caricare l'immagine da analizzare per ottenere un'ampia tavolozza di colori.

Ma esiste anche , che dà meno colori (manca il verde della tovaglia di Marat!) ma li descrive meglio.

È chiaro che ci sono molti Il primo di tutti è il fatto che lavoriamo su immagini trovate sul web la cui Il secondo è che in ogni dipinto ci sono, in realtà, migliaia di colori tra tinte di base e sfumature: selezionarne una decina è una limiti in questo esercizio. fedeltà cromatica all'originale è spesso discutibile. forzatura che può risultare arbitraria.

Ma allora perché lo facciamo?
Perché comunque, pur con tutte le riserve del caso, ci permette di mettere a fuoco un aspetto difficile da estrapolare osservando l'intero dipinto. Là ogni colore viene percepito in relazione a quelli adiacenti, mentre se abbiamo modo di osservarlo separatamente ne possiamo ricavare informazioni molto utili, scoprendo addirittura tinte inaspettate.

Ecco alcuni momenti della presentazione finale.

L'esercizio ha funzionato. I gruppi sono riusciti a raccontare il percorso artistico di tanti pittori osservandone con attenzione la tavolozza e attribuendo a quei colori un senso di volta in volta, artistico, storico, concettuale, simbolico. Ecco, ad esempio, l'evoluzione di Malevič dall'Impressionismo all'assoluto dei toni di bianco.

E poi, come sempre, l'esercizio ha stimolato l'osservazione. Dettagli, sfumature, sfondi. Nulla è passato inosservato nell'operazione di scandaglio su ogni pennellata del dipinto.
Perché a guardare siamo tutti capaci, ma a vedere si impara.

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È stato studiando Annibale Carracci (1560-1609) che mi è venuta l'idea di confrontare le tavolozze dei suoi dipinti. Le sue opere, infatti, mostrano un'evoluzione cromatica sorprendente, quasi si trattasse di autori diversi, e volevo vederci più chiaro. Allora ho estratto dei campioni di colore caratteristici dei vari dipinti.

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Torna a: Comprensione e incomprensione - Comunicazione verbale e non verbale

Una delle modalità non verbali più universali sembra essere l' espressione facciale delle emozioni. Uno studio classico di Ekman e Friesen (1971) ha mostrato che le persone provenienti dalla Nuova Guinea che non erano mai entrate in contatto con la cultura americana erano in grado di assegnare foto con emozioni rappresentate attraverso espressioni facciali a storie che affrontavano le rispettive emozioni.

Scopri di più sulla ricerca sulle espressioni facciali nel video qui sotto.

Esploriamo le espressioni facciali

È possibile attivare i sottotitoli cliccando sul pulsante

simbolo dell'ingranaggio nel lettore video.

Anche se molti aspetti delle espressioni facciali delle emozioni di base sembrano essere universali, ci sono ancora alcune influenze culturali. Per esempio in Giappone non è per niente ben visto mostrare le emozioni negative.

Un esperimento di Friesen (1972) ha mostrato che i giapponesi controllano la loro espressione facciale quando non sono soli. Studenti giapponesi e americani dovevano guardare un filmato di un intervento chirurgico. Quando hanno guardato il film da soli, tutti gli studenti hanno mostrato espressioni facciali di disgusto, mentre in presenza di altri gli studenti giapponesi non hanno mostrato alcuna reazione negativa. La maggior parte di loro sorrideva. Le espressioni facciali degli studenti americani invece erano le stesse in entrambi gli scenari.

L'esperimento indica che anche le espressioni emotive di base possono essere influenzate e controllate dagli standard culturali.

Invito alla riflessione

Quali emozioni mostri di solito in pubblico? Quali emozioni mostri in situazioni molto private? E quali emozioni eviti di mostrare da qualche parte?

Avanzamento

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Torna a: Comprensione e incomprensione - Comunicazione verbale e non verbale Una delle modalità non verbali più universali sembra essere l' espressione facciale delle emozioni. Uno studio classico di Ekman e Friesen (1971) ha mostrato che le persone provenienti dalla Nuova Guinea che non erano mai entrate in contatto con la cultura americana erano in grado di assegnare foto con emozioni rappresentate attraverso espressioni facciali a storie che affrontavano le rispettive emozioni.

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Conosciamo tutti le simpatiche faccine gialle e le usiamo quasi ogni giorno: ci facilitano la comunicazione, sostituiscono parole intere e rendono le nostre chat o e-mail più colorate. Ma qual è il loro nome corretto? I termini emoji ed emoticon sono usati principalmente come sinonimi, ma ci sono delle differenze tra i termini.

Che cos'è un'emoticon? :-D

Il termine emoticon è formato dalle parole inglesi "emotion" (emozione, sentimento) e "icon" (simbolo).
Brevi sequenze di simboli, lettere o numeri hanno lo scopo di rappresentare determinate espressioni facciali e posture. Le emoticon possono vivacizzare il testo e trasmettere stati d'animo o stati emotivi.
:-D significa ridere o simboleggia un gran sorriso, per indicare sorpresa usiamo :-O, mentre <3 rappresenta il cuore e i sentimenti.

L'archetipo dell'emoticon è la faccia della figura umana stilizzata. Nel 1982, uno scherzo frainteso tra fisici portò alla questione di come l'ironia potesse essere raffigurata nella comunicazione scritta. Scott Fohlman propose allora la combinazione:-), con la raccomandazione di leggere inclinando la testa.

Che cos'è uno smiley? :-D

Il termine deriva dall'inglese "to smile", che significa sorridere. Lo smiley è la rappresentazione grafica di un'espressione facciale: nella comunicazione scritta, chi lo usa vuole indicare che è felice o che sta scherzando.

Negli anni '60, il grafico pubblicitario Harvey Ball disegnò una faccia sorridente con un cerchio, due punti e una linea curva: nacque così il simbolo del buon umore. Il disegno divenne immediatamente popolare, ma purtroppo Ball dimenticò di depositarne i diritti d'autore. Il viso sorridente, originariamente giallo, divenne un'espressione della cultura rave. Nel corso degli anni sono state effettuate una moltitudine di aggiunte e variazioni per esprimere sentimenti diversi.

Che cos'è un emoji? 😊

Il passaggio dalla faccina disegnata all'immagine è avvenuto in Giappone. Il termine è composto da una "e", che sta per immagine, e dalla parola "moji", che indica i caratteri. Negli anni '90, mentre lavorava su un servizio cercapersone per un operatore di telefonia giapponese e volendo promuovere la commercializzazione tra i giovani, l'ingegnere del software Shigetaka Kurita sviluppò 176 emoji ispirandosi al mondo dei manga.

Gli emoji sono immagini o pittogrammi: la mimica e la gestualità vengono rappresentate mediante volti e personaggi al fine di dare grande intensità espressiva alla comunicazione. Oggetti, cibo, attività, animali, piante, luoghi e altre associazioni possono anche essere rappresentati. Le emoticon vengono ora convertite automaticamente in emoji grazie a programmi di elaborazione testi o servizi online: per visualizzare l'emoji, l'unicode viene trasformato in un elemento grafico. Gli emoji sono disponibili sui nostri telefoni cellulari dal 2010.

A differenza delle emoticon, gli emoji offrono una maggiore varietà di espressioni facciali e differenti opzioni di adattamento, come per esempio il colore dei capelli. Inoltre, non rendono più necessaria la rotazione del display di 90 °. Gli emoji sono molto popolari e vengono utilizzati regolarmente dal 92 % degli utenti di Internet.

Nel 2015 la popolarità degli emoji ha portato l'Oxford Dictionary a eleggere come parola dell'anno proprio un emoji. Come conseguenza del superamento delle barriere linguistiche, la faccina con lacrime di gioia 😂 è stata scelta come emoji più usato. Il 17 luglio si celebra ufficiosamente la Giornata mondiale degli emoji.

Uso ed effetto di emoji, emoticon e smiley

La comunicazione con il nostro interlocutore non si basa esclusivamente sulle parole pronunciate. Comunichiamo infatti anche in maniera non verbale, cioè senza usare la lingua, attraverso le nostre espressioni facciali, i nostri gesti, il linguaggio del nostro corpo e il tono della nostra voce. Guardiamo di lato quando siamo imbarazzati, strabuzziamo gli occhi per la sorpresa, alziamo le mani per lo spavento o storciamo il naso per il dispiacere.

La nostra comunicazione è sempre più digitale: scriviamo e-mail e chattiamo su WhatsApp, Facebook o Snapchat. Ciò che siamo in grado di esprimere a parole o non verbalmente nella vita reale possiamo trasmetterlo nella comunicazione in tempo reale in testi piuttosto brevi attraverso gli emoji. Questi aggiungono un livello emotivo al testo e possono evitare incomprensioni. La maggior parte degli uomini e delle donne afferma di poter esprimere le emozioni meglio attraverso gli emoji che con le parole.

Oltre alle varie espressioni e gesti facciali, ci sono anche emoji che raffigurano oggetti. Questi possono aiutare l'interlocutore a capire meglio il contesto in cui si trova al momento.
Una valigetta 💼 rappresenta il lavoro, il pallone da calcio ⚽ simboleggia il tempo libero e la palma 🌴 le vacanze.

Il numero degli emoji è in costante aumento. Possiamo scegliere il colore dei capelli 👩‍🦰 👩‍🦳, la variante maschile 👨‍⚕️ o femminile 👩‍⚕️ degli emoji delle varie professioni e tra cibo italiano 🍝 o giapponese 🍣.

Gli emoji più utilizzati

Più della metà degli emoji inviati sono faccine, seguite da emoji affettuosi o romantici e dai gesti delle mani. La maggior parte degli emoji utilizzati in tutto il mondo sono positivi.

Le 5 categorie di emoji più popolari in tutto il mondo sono:

1. Faccine felici (compresi occhiolino 😉, baci 😘, viso con occhi a forma di cuore 😍, sorriso 😀)

2. Faccine tristi (incluse emoji dispiaciute e arrabbiate)

3. Cuoricini (vi sono inclusi tutti i colori e gli emoji a cuore spezzato)

4. Gesti delle mani (compresi pollice in su, mani che applaudono, segno della pace, ecc.)

5. Romantiche (inclusi segno del bacio, lettera d'amore, baci di coppia)

Tra gli emoji positivi, la faccina con lacrime di gioia 😂 è di gran lunga il più popolare in Italiano. Seguono la faccina che manda un bacio 😘, la faccina sorridente con gli occhi a forma di cuore 😍 e la faccina che sorride con gli occhi ridenti 😊.

L'emoji negativo più comunemente usato in Italiano è la faccina che piange 😭, seguito dalla faccina pensierosa 😔, la faccina congelata dalla paura 😱 e la faccina scontenta 😒.

Di solito manteniamo brevi le comunicazioni in tempo reale. Nella forma scritta, i fraintendimenti sono più facili perché manca la comunicazione non verbale: l'interlocutore potrebbe prendere sul serio quello che si intende ironicamente, scherzi o giochi di parole potrebbero essere fraintesi o non essere colti, è possibile che non ci si capisca l'un l'altro. Ma le insidie non si nascondono solo nella comunicazione.

Non è stato pensato per questo!

Gli emoji completano la comunicazione non verbale nei testi: usiamo lo smiley che piange dalle risate quando vogliamo prenderci gioco di qualcuno o qualcosa o l'emoji ammiccante per sdrammatizzare una dichiarazione. O ancora, grazie a un emoji, facciamo capire che arrossiamo per un complimento o cerchiamo di evitare eventuali malintesi sull'interpretazione di un messaggio.

Il significato degli emoji offre molte interpretazioni. Alcuni sono facili da riconoscere, altri difficili da interpretare se non se ne conosce il significato originale. Questo può portare ad ambiguità o incomprensioni, dal momento che gli emoji possono anche sostituire le parole normali nel testo. Anche l'uso eccessivo di emoji può creare confusione.

Le opzioni di espressione dipendono anche dagli emoji disponibili: se manca l'emoji giusto, bisogna improvvisare. A volte anche gli emoji vengono snaturati e utilizzati in modo completamente diverso da quello previsto dal produttore. Ad esempio, le zucchine o le melanzane vengono utilizzate come simbolo di fallo anziché in connessione con l'orto o il cibo.

Differenze culturali nel significato degli emoji

Gli emoji offrono molto spazio all'interpretazione e possono essere tradotti in diversi modi. A causa delle diverse culture, infatti, le possibilità di interpretazione sono in aumento poiché il significato di facce o gesti divertenti non è lo stesso in tutto il mondo. Per esempio, nei Paesi occidentali il segno OK 👌 simboleggia che va tutto bene, mentre in Giappone questo gesto viene usato per rappresentare il denaro.

La faccina che sbuffa vapore dal naso 😤 viene usata da europei e americani per esprimere rabbia o sdegno, ma in Giappone, al contrario, rappresenta il trionfo.

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Tutti gli emoticon su WhatsApp con significato!

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Cerchi il significato degli emoticon WhatsApp? Ecco una lista completa di tutti gli emoji Whatsapp con significati. 👍 Scopri subito il colorato mondo degli smiley! 🌈

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La rappresentazione del viso umano nella storia dell'arte è un argomento complesso ma affascinante. Uno di quelli che si possono affrontare in maniera filosofica e dotta oppure in modo più intuitivo e sensoriale.

Se volete approfondire la materia secondo il primo approccio non posso che consigliarvi la lettura dei numerosi testi di Flavio Caroli dedicati alle varie declinazioni del volto umano: dalla fisiognomica al viso di Cristo, dal rapporto volto-anima alla storia del ritratto dal Rinascimento ad oggi...

In questo post voglio provare, naturalmente, con il secondo approccio, quello che ritengo più utile dal punto di vista dell'efficacia didattica. Allora cominciamo subito con un video: una delle "analisi" più stupefacenti è, infatti, quella che Philip Scott Johnson, digital artist americano, ha realizzato montando in un unica sequenza "Cinquecento anni di ritratti femminili nell'arte occidentale".

Nel video "Visages d'art", invece, epoche e culture si mescolano sapientemente per un risultato ancora più spettacolare!

E se volete vedere dal vero una splendida carrellata di ritratti, avete ancora tre giorni per visitare la mostra ai Musei Capitolini di Roma dal titolo "Ritratti. Le tante facce del potere" riguardante il ritratto scultoreo in età romana e la sua funzione celebrativa.

Nell'ottica del learning by doing, però, non basta lasciarsi stupire dalle immagini ma produrne di proprie. Ecco allora l' esercizio grafico per eccellenza: il ridisegno del volto e delle espressioni. Per fare ciò ci vengono incontro decine e decine di siti e blog con utili suggerimenti per principianti.

Non si diventa, probabilmente, bravi come Leonardo da Vinci (suoi sono i disegni che vedete qui sotto), ma si imparerà a riconoscere le proporzioni e l'armonia dei volti.

È un esercizio istruttivo anche per chi avesse intenzione di produrre volti stilizzati o deformati ispirandosi a Modigliani, all'arte cicladica, a quella africana o medievale...

È evidente come, nella storia dell'arte, la raffigurazione del volto (maschile o femminile che sia) mostri un' alternanza di fasi che passano essenzialmente dal realismo all' idealizzazione, dalla stilizzazione dei tratti alla loro deformazione espressionistica.

Per comprendere meglio questo percorso ho realizzato un'infografica basata sulla linea del tempo. A sinistra le date, al centro le opere, a destra le didascalie. Andando dall'alto verso il basso si può andare avanti nel tempo e, se vi interessa scaricare l'immagine in alta risoluzione, basta cliccare su di essa. Buona visione!

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Il volto nell'arte tra realismo, idealizzazione, stilizzazione ed espressionismo - Didatticarte

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La rappresentazione del viso umano nella storia dell'arte è un argomento complesso ma affascinante. Uno di quelli che si possono affrontare in maniera filosofica e dotta oppure in modo più intuitivo e sensoriale.

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Ho già spiegato ampiamente l'importanza didattica del disegno, il suo profondo legame con la storia dell'arte e la sua utilità nell'apprendimento.

Oggi voglio perciò approfondire l'argomento esplorando tutte le potenzialità espressive della linea, il segno più semplice, più elementare che l'arte conosca.

La linea è innanzitutto contorno delle cose, margine tra ciò che è e ciò che non è. Dunque tracciare una linea significa rappresentare visivamente un ragionamento astratto, filosofico. Nulla possiede una linea di contorno e definirne una diventa un atto altamente creativo.

Non potendo disegnare efficacemente le parti sporgenti del corpo (come il naso o i piedi) utilizzando un'unica spessa linea, risolsero la questione rappresentando queste parti di profilo ma lasciando le spalle in vista frontale (altrimenti la spalla di profilo sarebbe diventata una nuova sporgenza). Il risultato? Figure umane completamente piatte.

Praticamente è la stessa linea di contorno che con Osvaldo Cavandoli si anima e diventa personaggio! 😉

Ma torniamo al passato... con i Greci la linea, da semplice contorno delle figure (che restano fondamentalmente bidimensionali), inizia progressivamente a diventare volume, modellato.

E la cosa è ancora più evidente nel passaggio intorno al 530 a.C. dalla ceramica a figure nere, nella quale i dettagli vengono ottenuti graffiando con una punta metallica la vernice scura e producendo solo linee di uguale spessore ed un effetto molto "grafico" e bidimensionale, alla ceramica a figure rosse che richiede, invece, l' uso del pennello dando la possibilità di variare lo spessore e la densità del tratto, conferendo con ciò alle figure un maggiore realismo e una notevole tridimensionalità .

La linea greca, dunque, si fa volume nel momento in cui abbandona il profilo esterno delle figure per penetrare al loro interno, interrompendo il percorso della linea vicina. In tal modo si crea un "davanti" e un "dietro", termini che denotano distanze, dunque spazio e volume.

Non troppo diversa dalla linea greca è quella, recente, di Alexander Calder e dei suoi lavori in fil di ferro. Anche se sviluppati nello spazio si tratta sempre di disegni nei quali la linea suggerisce alcune parti della figura lasciando alla nostra percezione il compito di completarne la forma.

A questi esperimenti sono ispirate tante altre esperienze simili: volumi creati col filo metallico che descrive nello spazio un disegno tridimensionale.

Ma torniamo al passato: anche quando l'arte acquisì l'uso del chiaroscuro pittorico, alcuni artisti continueranno a circondare le loro figure con una evidente linea di contorno proprio allo scopo di renderne la leggerezza, suggerendone quasi la bidimensionalità (come fa Botticelli) o, al contrario, ottenendo un vigoroso stacco dallo sfondo che enfatizza la plasticità dei corpi (come fa Michelangelo).

Mentre nella tradizione fiorentina, e soprattutto per Leon Battista Alberti, la linea di contorno era "circumscriptione", ossia un segno che individua l'oggetto, lo definisce e lo razionalizza, per Leonardo, da fine osservatore del mondo reale e dei suoi fenomeni, la linea è strumento di progetto, metodo di rilievo dell'esistente ma mai margine e delimitazione delle figure dipinte!

La Gioconda, anzi, sembra essere un tutt'uno con il paesaggio che la circonda avvolgendola. Ed anche nei disegni la linea di Leonardo non è mai netta e continua ma tende a suggerire, a far vibrare, a dare un' immagine pulsante delle forme naturali che vediamo intorno a noi.

Sulla stessa lunghezza d'onda saranno gli Impressionisti che sull'abolizione della linea di contorno hanno costruito un nuovo linguaggio fatto di forme indistinte eppure vitali e verosimili.

Torniamo, adesso, agli artisti che prediligono la linea. Come dicevo all'inizio è difficile rendere la tridimensionalità di una figura solo attraverso l'uso di linee.

Eppure si può creare il volume e il chiaroscuro anche utilizzando solo linee e tratteggi incrociati, metodo utilizzato da tutte quelle tecniche come l' inchiostro o l' incisione nelle quali non sono realizzabili forme di velature o di sfumato.

Ecco come prendono volume un paio di brocche in un'incisione di Morandi del 1959.

Avvicinare ed allontanare linee curve produce, in effetti, delle sensazioni molto plastiche come si può osservare nelle immagini qui sotto.

Osservate quella di destra: è un pavimento perfettamente piano ma la forza percettiva delle linee deformate è tale da dare la netta impressione che la superficie sia tutta ondulata!

Questi effetti sono stati portati all'esasperazione in tanti esempi di op-art nei quali l'effetto dinamico è tale da produrre vibrazioni quasi fastidiose!

Questi fenomeni di interferenza possono essere creati anche attraverso il cosiddetto effetto Moiré. Due retini rigati sovrapposti generano, muovendosi l'uno sull'altro, delle vibrazioni dinamiche davvero particolari. Guardate in cosa consiste.

Questo accadeva in genere con i graffiti rupestri nei quali, per la semplificazione delle figure, bastava un singolo tratto a delineare il corpo e gli arti di un uomo. Non mancano, naturalmente, anche esempi molto recenti nei quali la linea-oggetto è stata utilizzata con la stessa identica finalità!

Fin qui abbiamo visto linee funzionali al disegno di figure umane, oggetti o altro. Insomma, la linea come strumento figurativo.

E che strumento!

Guardate come gioca con le linee Picasso passando da un disegno all'altro...

Ecco come Kandinsky descrive la linea che vedete qui sotto a sinistra (e che poi diventa la base di numerose opere grafiche, come quella a destra): " Linea curva, liberamente ondulata. Dopo una prima ascesa in direzione di sinistra, tensione risoluta, immediata e grandiosa verso l'alto e la destra. Rilassamento circolare verso sinistra. Quattro onde sono subordinate energicamente a una direzione da sinistra in basso a destra in alto".

Dunque la linea può comunicare sensazioni e movimento: la linea verticale può esprimere elevazione, tensione spirituale; quella orizzontale è la quiete; quella obliqua può indicare ascesa e caduta, tensione e dinamismo.

Le linee ondulate esprimono armonia, fluidità mentre le spezzate asprezza ed energia. Ecco come le utilizza l'artista in un eccezionale video che lo vede all'opera.

Anche per Paul Klee la linea contiene una grande potenza espressiva.

Il consiglio che dava ai suoi studenti della Bauhaus era "prendete una linea e portatela a fare una passeggiata". E, in effetti, le sue opere partono sempre da una linea o una figura geometrica, ne rivelano il potenziale evocativo e poi proseguono in direzioni totalmente imprevedibili.

Nello stesso ambito concettuale si muove anche l'italiano Piero Manzoni (quello della merda d'artista, per intenderci).

Eppure anche negli achrome le pieghe del tessuto generano linee. Sono alternanza di luci ed ombre ma sempre linee...

Come sono linee quelle che crea Lucio Fontana quanto taglia le sue tele. Sono assenze di materia, spazi vuoti tra un lembo ed un altro, ma, anche in questo caso, sempre linee.

Dopo tanta astrazione vi rivelo un segreto: io amo di più la linea che disegna, quella che, ridotta al minimo assoluto, senza ombre, senza volumi, riesce comunque a raccontare un mondo.

Se devo pensare ad una linea che ha vita propria, penso a Saul Steinberg, uno dei più grandi disegnatori del Novecento, colui che disse: "Il disegno, come esperienza e occupazione letteraria, mi libera dal bisogno di parlare e di scrivere".

E per me il senso della linea è proprio questo: un linguaggio alternativo capace di arrivare all'essenza delle cose.

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Ho già spiegato ampiamente l'importanza didattica del disegno , il suo profondo legame con la storia dell'arte e la sua utilità nell'apprendimento . Oggi voglio perciò approfondire l'argomento esplorando tutte le potenzialità espressive della linea, il segno più semplice, più elementare che l'arte conosca.

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Mi sento un artigiano del fotogramma. Vi piace? Devo precisare che ho un'ottima opinione dell'artigiano-artista. Deve lavorare con la testa, con le mani, con tutto. Chi fa del cinema dal vero, cioè regia, in fondo prende cose che ci sono già, sceglie personaggi, inquadrature, storie eccetera. Magari può permettersi un attore come Robert De Niro o Bernard Blier al quale dà tutte le dritte e che poi va per conto suo. Chi fa il mio lavoro deve far tutto tesserina per tesserina, crea qualcosa che prima non c'era e lo fa vivere. Ecco cosa intendo per artigiano del fotogramma.

Inizia la sua carriera come "intercalatore", cioè il disegnatore addetto a disegnare i passaggi tra un fotogramma chiave e l'altro, all'interno della casa di produzione (1949). Successivamente decide di mettersi in proprio e apre insieme all'amico Ugo Gelsi lo studio Pagot Film, dove imparerà il mestiere e lavorerà alla realizzazione del primo lungometraggio animato italiano: I fratelli dinamite Pupilandia, specializzato in pubblicità con i pupazzi animati che venivano proiettate al cinema prima dell'inizio dei film. È proprio nella realizzazione di questi corti con la tecnica del passo uno che Cavandoli esprime tutto il suo estro creativo, il suo inimitabile umorismo e la sua versatilità: sceneggiatore e regista, crea a mano anche tutte le scenografie, i costumi di scena e gli stessi personaggi, con perizia artigianale e cura per i dettagli.

La sua creatura più famosa è certamente l'omino della Linea, buffo personaggio composto da un unico tratto che ha fatto la sua comparsa sulla televisione italiana per la prima volta nel 1969 nella réclame della ditta di pentole Lagostina, e che da allora si è trasformato nel compagno di una vita. Mr. Linea (o Mr. Mark, il nome è cambiato più volte nel corso degli anni) è ancora ricordato con grande affetto da quella generazione che è cresciuta con gli spot di Carosello prima di coricarsi ma, dopo la chiusura del programma televisivo, per questioni di immagine e di copyright mai completamente chiarificate, La Linea è stata bandita per sempre dal servizio pubblico italiano.

Assistiamo quindi al curioso caso per cui, tra le nuove generazioni, sono più spesso i giovani stranieri a riconoscere e ad amare Mr. Linea, con le sue disavventure e gli irriverenti sberleffi, piuttosto che gli italiani. All'estero, in particolare in Francia, Germania, Est-Europa, ma anche in Israele, Turchia, Sudafrica, Israele e Giappone, dove il personaggio non è in alcun modo legato al brand Lagostina e non esiste il veto della Rai, gli spassosi cortometraggi di Cavandoli godono tuttora di grande notorietà. I (più) giovani italiani che invece possono dire di avere visto La Linea in televisione lo devono alla TV svizzera o, in tempi più recenti, ai canali privati di Sky.

Oggi la critica considera all'unanimità Cavandoli un'eccellenza italiana nel mondo e, ancora più nello specifico, un'eccellenza milanese. Alcuni autori hanno infatti voluto leggere nel suo metodo di lavoro e nella sua capacità di unire spirito imprenditoriale e creatività alcuni tratti tipicamente ambrosiani.

Eppure non appena questo rapporto diventa palese, come nel caso di un' "arte" prestata alla pubblicità, si alza un muro. L'oggetto d'arte diventa prodotto, l'artista diventa un avido capitalista o, peggio, uno svenduto. Questa è anche la retorica che porta molti giovani artisti o, in senso più ampio, persone che vogliono lavorare nel mondo dell'arte a farlo gratuitamente, a farsi sfruttare da ricchi imprenditori senza che non solo non si rendano conto dell'ingiustizia, ma sentendosi addirittura attorniati da una sorta di aura di eroismo.

Questo stigma è anche il fattore che ha impedito ai prodotti della cultura popolare o bassa si entrare a fare parte del discorso artistico accademico fino a tempi recentissimi. Fumetti, film d'animazione, videogiochi erano considerati prodotti commerciali, fatti in serie per trarne profitto e, per questo motivo, privi di valore artistico. Come se gli artisti che lavoravano nelle botteghe medievali e rinascimentali avessero dipinto le migliaia di Madonne tutte uguali che riempiono i musei italiani per pura passione e sentimento religioso. Solo negli ultimi anni si è iniziato a ragionare seriamente sul valore culturale di questi media considerati inferiori e anche sulle loro qualità artistiche distintive. Un esempio per tutti è la trilogia di saggi a fumetto sui fumetti di Scott McCloud: Capire, Fare e Reinventare il fumetto .

Nell'antichità le arti erano incarnate nelle nove muse: Storia, Poesia lirica, Commedia, Tragedia, Danza, Poesia amorosa, Pantomima e Astronomia. Il mondo medievale aveva sette "arti liberali": Grammatica, Retorica, Dialettica, Aritmetica, Geometrica, Musica e Astronomia, che si distinguevano dai mestieri o "arti meccaniche" per la necessità di uno sforzo più intellettuale che manuale.

Le arti del mondo contemporaneo, quelle che ci sono più famigliari, sono sei: Architettura, Musica, Pittura, Scultura, Poesia, Danza, cui si aggiunge alla fine dell'Ottocento la famosa settima arte, il Cinema. Poi arriva il Novecento, un secolo "breve" ma molto incasinato. L'ottava arte è considerata la Fotografia, la nona il Fumetto. Alcuni hanno proposta la Radio come decima arte e la Televisione come undicesima, ma è un'idea che fa molto teoria dei media di metà secolo scorso. E come dovremmo ordinare tutte le altre "arti", esplose dal secondo dopoguerra in poi e oggi studiate in tutte le università: la Moda, il Design, il Film d'Animazione, il Videogioco...? Come se non bastasse, poi, le arti hanno iniziato a contaminarsi tra loro, diventando indistinguibili. Gli artisti hanno cominciato a scivolare fluidamente da un medium all'altro e a crearne addirittura di nuovi, fino a rendere impossibile qualunque rigida categorizzazione.

Del resto, in latino la parola ars artis può avere diversi significati. Il primo significato, il più comune, è quello di "mestiere", "professione", il secondo è quello di "capacità", "abilità", talento", il terzo si riferisce ad "arte" nel senso di "teoria", "disciplina", "scienza". È solo il quarto significato del mitico dizionario di latino Il che riporta ad una traduzione più vicina all'arte come la intendiamo noi: , al plurale, può valere infatti come "opera d'arte", ovvero il capolavoro di un grande maestro. Una nota abbastanza curiosa: il quinto significato dato dal vocabolario è quello di "artificio" nel senso di "inganno", "raggiro". artes

Ma è anche la radice di un'altra parola della lingua italiana che forse esprime in maniera più chiara, e certamente più concreta, ciò che molti di noi hanno in mente quando si parla del processo creativo che porta alla nascita di un'opera d'arte: " ars artigiano". L'artigiano unisce conoscenze tecniche e manuali approfondite e esperienza empirica per creare un oggetto unico, fatto a mano, ma riproducibile. L'artigiano non si sofferma a riflettere sul valore artistico o intellettuale di ciò che sta facendo, utilizza gli strumenti migliori e i materiali più disparati unicamente per creare qualcosa che prima non c'era. L'artigiano lavora con passione, ma si aspetta di essere retribuito per ciò che fa. Per questo Osvaldo Cavandoli preferiva chiamarsi artigiano piuttosto che artista. Per questo forse non è stato sempre capito, ma ha continuato a fare ciò che amava fino all'ultimo giorno.

Se ne volete sapere di più su Osvaldo Cavandoli, sulla sua storia e sul suo lavoro, esiste una mostra virtuale a lui dedicata: un sito in cui sono raccolti fotografie d'epoca, interviste e alcuni filmati della Linea e delle pubblicità con i pupazzi animati, molti dei quali inediti. Il sito, realizzato dal sottoscritto, anche se richiederebbe parecchie migliorie, soprattutto dal punto di vista grafico, rimane al momento la raccolta digitale più ampia sulla vita e l'opera di Osvaldo Cavandoli.

Nato a Milano, ha studiato Lettere Moderne e Comunicazione tra Italia e Germania. Appassionato di cinema e letteratura, ma anche di arti visive, anime, meme, giochi da tavolo... In questo momento è particolarmente affascinato da quei punti di contatto tra vecchie forme espressive e nuove tecnologie.

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Osvaldo Cavandoli: L'artigiano, non artista, del fotogramma

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Mi sento un artigiano del fotogramma. Vi piace? Devo precisare che ho un'ottima opinione dell'artigiano-artista. Deve lavorare con la testa, con le mani, con tutto. Chi fa del cinema dal vero, cioè regia, in fondo prende cose che ci sono già, sceglie personaggi, inquadrature, storie eccetera.

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Tra le tante gallerie di Londra la Tate Britain è forse la mia preferita, perché è in una delle sue sale che si trova esposto A Bigger Splash di David Hockney. Ho sempre provato un'enorme fascinazione per i colori intensi e per l'ambientazione tipicamente losangelina del quadro, così lontana da Londra e da Bradford, città natale dell'artista. L'opera, dipinta nel 1967, rappresenta il culmine dell'ossessione di Hockney per la raffigurazione dell'acqua in movimento. In buona parte dei quadri californiani infatti, l'acqua, che sia quella di una piscina o dell'oceano, è protagonista; si pensi ad esempio a The Swimming Lessons del 1965 o a Peter Getting Out of Nick's Pool di un anno più tardi.

Attraverso i dipinti di un'utopica L.A., è stato Hockney più di altri, ad alimentare il nostro immaginario sulla città degli angeli. Eppure, la storia di questo artista non ha origine nell'assolata California, ma nel piovoso Yorkshire.

David Hockney - A Bigger Splash

La formazione

David Hockney trascorse il suo primo periodo nell'industriale cittadina di Bradford, contornato dal clima austero dell'immediato dopoguerra. Fu il cinema di Hollywood con il suo sfavillante technicolor, a fornire una delle prime fonti d'ispirazione e di sollievo dal grigiore urbano: " Sono cresciuto a Bradford e ad Hollywood " dirà più tardi l'artista. Fin da ragazzo, Hockney dimostrò talento per il disegno; nel 1953 si iscrisse alla Bradford School of Art, dove studiò la pittura tradizionale, basata sulla fedele riproduzione della realtà.

Nel 1959, Hockney si traferì a Londra per frequentare il prestigioso Royal College of Art. In questo periodo, la fonte di ispirazione primaria per la maggior parte dei giovani artisti era la scuola dell'Espressionismo Astratto americano; anche se Hockney ne fu inizialmente influenzato, in seguito sposterà il suo interesse verso un'arte figurativa. Nelle prime opere realizzate, la distinzione tra pittura astratta e rappresentativa è sottile: per mezzo di figure schematiche, graffiti e scritte derivate dalla poesia di Walt Whitman, Hockney si concentra su soggetti che fanno riferimento alla sua sessualità. Tra i dipinti di questo periodo, Shame, The Third Love Painting e l'esplicito Cleaning teeth early evening (10pm) w1, realizzati tra il 1960 e il 1962.

Nel 1961, grazie all'esposizione Young Contemporaries organizzata dal Royal College of Art, il lavoro di Hockney venne notato dal gallerista John Kasmin, che acquistò il dipinto Doll Boy (1960-61). L'inaspettato successo dette all'artista la possibilità di visitare gli Stati Uniti, un viaggio documentato in A Rake's Progress 1961-3, basato sulla celebre carriera del libertino di William Hogarth.

Soltanto un anno dopo aver lasciato il Royal College of Art, Hockney fu protagonista della mostra Paintings with People In alla Kasmin Gallery, in cui espose una serie di ritratti focalizzati su coppie maschili. Nel 1963, Hockney e le abbaglianti luci di New York si incontrarono nuovamente; fu in questa occasione che l'artista britannico conobbe l'icona pop Andy Warhol e il curatore del Met Henry Geldhazer, soggetto ricorrente nei futuri quadri del pittore.

California Dreamin'

Ancor prima di visitare Los Angeles, Hockney era affascinato dalle sue atmosfere, che aveva conosciuto grazie alla fotografia omoerotica di Bob Mizer e al romanzo di John Rechy, City of Nights. La città degli angeli concretizzava l'immaginazione sessuale dell'artista; d'altronde - come scrisse Edmund White - le spiagge della California diventarono in quegli anni l'epicentro dell'omosessualità moderna.

Los Angeles necessitava di un artista che dipingesse i suoi colori, le strade illimitate, le piscine e i corpi abbronzati dal sole:

"Le persone non sapevano neanche come fosse fatta la città [...] Pensai che un posto del genere avesse bisogno del suo Piranesi e così eccomi qua" (da Pacific Standard Time: Los Angeles Art 1945-1980).

Nel corso di quattro anni (1964-1968) Hockney realizzò numerose tele incentrate su Los Angeles, ritraendone scene e contesti come un'utopia tropicale. Nel 1967, quando l'omosessualità diventò un crimine nel Regno Unito, Hockney ricevette il John Moores Painting Prize per il dipinto Peter Getting Out of Nick's Pool (1966). Al centro dell'opera è il compagno dell'epoca Peter Schlesinger, raffigurato nudo tra i colori vibranti di una piscina.

È di questo periodo anche il ritratto di Christopher Isherwood e Don Bachardy; il quadro dimostra però come Hockney inizi a delineare spazi più reali, dove chi osserva è invitato a prendere parte alla scena rappresentata. Anche se non abbandonerà mai i caldi colori californiani, Hockney utilizzerà nuovi stili e risorse per rappresentarli.

David Hockney - American Collectors

Verso il naturalismo

Sul finire degli anni '60 e l'inizio della decade successiva, Hockney si concentrò su una serie di ritratti; tra questi, oltre al già citato dipinto di Isherwood e Bachardy, c'è il celebre Portait of An Artist ( Pool with Two Figures), in cui un giovane osserva una figura che nuota. Il soggetto del quadro è ancora una volta il compagno di Hockney, Peter Schlesinger, rappresentato in maniera introspettiva e distante rispetto a chi osserva. Ciò che appare interessante in quest'opera è l'evidente contrasto tra il primo piano e lo sfondo: se la figura e la piscina sono resi in maniera astratta, le colline losangeline che circoscrivono la scena, vengono raffigurate con toni naturalistici.

In Mr and Mrs Clark and Percy (1970-71), Hockney dipinge gli amici Ossie Clark e Celia Birtwell (che apparirà più tardi in altri ritratti), nella loro abitazione di Notting Hill, separati da una grande finestra e con attorno degli oggetti. Il ritratto dei Clark rappresenta per Hockney l'apice del suo interesse per il naturalismo; nel realizzare l'opera però, l'artista incontrò numerosi ostacoli. La difficoltà nel dipingere le due figure, ritratte quasi rispettando le loro dimensioni naturali, fece abbandonare ad Hockney, almeno temporaneamente, la pratica del doppio ritratto. Il naturalismo, che inizialmente aveva rappresentato una via d'uscita dall'ossessione contemporanea per le immagini piatte, era diventato un limite per l'artista.

Fu in questo periodo che Hockney iniziò ad interessarsi alla fotografia, un medium che utilizzerà sempre più frequentemente in futuro.

Collage di fotografie dal libro David Hockney CameraWorks (1984)

Nuove visioni

Una volta abbandonate le costrizioni della pittura naturalistica, Hockney si dedicò a nuove forme di rappresentazione. Nel 1974, l'opera di Glyndebourne lo incaricò di realizzare la scenografia per The Rake's Progress di Stravinsky. Nella decade successiva, il pittore tornerà a lavorare nei set teatrali, attratto dalla possibilità di collocare figure reali in spazi artificiali.

Fin da quando era studente al Royal College Art, Hockney ebbe come modello e fonte d'ispirazione Pablo Picasso. Nel 1980, dopo aver visitato una retrospettiva del MoMA dedicata all'artista spagnolo, Hockney produsse sedici dipinti sul tema della danza e della musica. L'influenza di Picasso e del cubismo è però soprattutto riscontrabile nelle opere successive, in cui Hockney torna a dipingere Los Angeles attraverso un nuovo stile.

L'artista voleva coinvolgere lo spettatore nei suoi quadri, in modo da rappresentare non solo spazi, ma anche emozioni. Perché questo accadesse, diventava necessario l'abbandono delle leggi prospettiche; è nell'attenersi ad esse che l'osservatore rimaneva ai margini del dipinto, negando così un coinvolgimento emotivo.

Hockney realizzò una serie di opere basate su vedute da vari punti di osservazione. In Mulholland Drive: The Road to the Studio ad esempio, l'artista dipinge una delle strade più celebri di Los Angeles attraverso linee sinuose che accentuano l'idea di movimento. Il pittore fa lo stesso in Nichols Canyon (1980), in cui utilizzando colori d'ispirazione fauve, crea una scena vivida che porta lo spettatore a spostare lo sguardo da un punto all'altro della tela.

David Hockney - Mulholland Drive: The Road to the Studio

Le esplorazioni visuali di Hockney culminarono nel 1982 con la mostra Drawing with Camera; realizzando dei collage di polaroid - per mezzo di una tecnica da lui definita joiners - l'artista riuscì a catturare ancora una volta l'illusione del movimento.

Lo Yorkshire

Le decade degli anni '80 fu forse la più difficile per Hockney. Sul finire dei '70, il suo udito iniziò a diminuire notevolmente e in seguito, l'artista perse numerosi amici colpiti dalla piaga dell'AIDS; tra questi Tony Richardson e il modello Joe MacDonald. Nonostante tutto, Hockney continuò a lavorare, realizzando verso la fine del millennio, alcune tra le sue opere più straordinarie.

Nel 1997, il pittore tornò nel nativo Yorkshire per visitare l'amico John Silver, affetto da una malattia allo stato terminale; fu Silver a proporre i paesaggi circostanti come soggetto di una nuova collezione. Nello Yorkshire, Hockney rimase particolarmente colpito dagli scenari che si presentavano ai suoi occhi; decise così di ritrarre la vibrante natura della regione en plein air, secondo lo stile proprio agli Impressionisti. Nel 2012, la mostra della Royal Academy A Bigger Picture, esponeva il risultato del lavoro: immense tele dai colori accesi adornavano le pareti della prestigiosa galleria londinese. Nell'ammirare i quadri dell'artista, lo spettatore pensava a Matisse, ma soprattutto all'ammirazione per la natura che permea i dipinti di Vincent Van Gogh. L'influenza dell'olandese è soprattutto rintracciabile in The Woldgate Woods (2006), in cui le tre diverse prospettive ricordano lo stile impiegato da Van Gogh in Wheatfield with Crows (1890). Nei sette quadri della serie incentrata sui boschi di Woldgate, Hockney ritrae lo stesso scenario registrando i cambiamenti da una stagione all'altra. Ognuna delle sette opere è composta da sei tele: l'effetto, nel trovarvisi davanti, è maestoso.

I lavori dedicati allo Yorkshire - per la sperimentazione e le tecniche utilizzate - rappresentano uno dei punti più alti toccati da Hockney nei suoi viaggi pittorici.

Imparando a guardare

In oltre 60 anni di carriera, David Hockney ha fatto uso di numerosi medium per ritrarre i suoi soggetti, mantenendo una particolare attenzione per la trasposizione su tela delle emozioni: "New ways of seeing are new ways of feeling" spiega l'artista. I quadri di Hockney sono entrati a far parte del nostro immaginario, tanto che le mostre a lui dedicate diventano eventi imperdibili; nel 2017 la retrospettiva sull'artista alla Tate Britain ha registrato un numero record di presenze.

"Quando ero piccolo, viaggiavo al secondo piano nei bus, perché volevo sempre vedere di più" dichiara Hockney in un documentario di qualche anno fa. Grazie ai suoi dipinti, anche noi spettatori abbiamo imparato a osservare diversamente il mondo che ci circonda e a lasciarci stupire dalle sue innumerevoli sfumature.

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Dentro il genio e l'arte di David Hockney

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Tra le tante gallerie di Londra la Tate Britain è forse la mia preferita, perché è in una delle sue sale che si trova esposto A Bigger Splash di David Hockney. Ho sempre provato un'enorme fascinazione per i colori intensi e per l'ambientazione tipicamente losangelina del quadro, così lontana da Londra e da Bradford, città natale dell'artista.

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Questo dipinto ad olio del pittore spagnolo Sergi Cadenas "invecchia" a seconda della prospettiva.

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Sergi Cadenas  Galería Juan Risso Madrid

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"Motivare" è un verbo affascinante perché contiene al suo interno un meccanismo logico che lega i due significati che possiede. Motivare, infatti, vuol dire spiegare il motivo, la ragione di qualcosa. Ma vuol dire anche stimolare, spingere a fare qualcosa.
Ecco, il secondo significato è conseguenza del primo: se spiego il motivo per cui studiamo qualcosa - giusto per rientrare in ambito didattico - riesco a creare lo stimolo e l'interesse verso quella cosa. In caso contrario rischio di ottenere uno studio passivo, fatto senza partecipazione e consapevolezza.

Spesso ci scandalizziamo davanti alla domanda degli studenti "a cosa serve la , la filosofia, il latino?". La consideriamo un'insopportabile provocazione tipica di studenti sfaticati e incapaci di cogliere la Invece dovremmo sempre motivare ciò che proponiamo ai ragazzi: le nostre discipline, lo svolgimento di un esercizio, persino le indicazioni e i divieti di circolari e regolamenti. Perché quando conosciamo il motivo per cui ci viene proposta un'attività, il suo senso, l'obiettivo che si vuole raggiungere, allora ci sentiamo parte di un storia dell'arte bellezza intrinseca di queste materie.
progetto più grande.

Non è un mezzuccio per convincere gli studenti ad impegnarsi né occorre dare una Le cose fatte perché-sì non piacciono a nessuno, non a noi adulti, figurarsi ad un adolescente! Meritiamo tutti una parvenza utilitaristica a tutto il sapere. Lo scopo dello studio, d'altra parte, non è (solo) trovare un lavoro, ma anche crescere culturalmente, diventare cittadini migliori capaci di osservare con spirito critico la realtà che ci circonda. Non è un motivo sufficiente già questo?
spiegazione valida di ciò che dobbiamo fare: noi docenti, quando veniamo obbligati a fare cose delle quali non viene mai precisato lo scopo ultimo (a me succede con la richiesta di predisporre le cosiddette 'prove comuni', delle quali non sono mai riuscita a cogliere la vera utilità); ma anche gli studenti, nelle loro attività scolastiche e, nello specifico, nel disegno e nello studio della storia dell'arte.

Ad esempio, mentre i miei studenti si spazientiscono perché non riescono a posizionare le squadrette per fare due Conoscere il senso e il motivo del tracciare rette parallele su un foglio porta i ragazzi a porsi con uno linee parallele, loro il motivo per cui quella pratica non è un puro esercizio di sadismo che a loro non servirà mai più nella vita. Con quell'attività potranno cogliere il concetto geometrico di parallelismo come traslazione di una retta, alleneranno il coordinamento occhio/mano/cervello, impareranno ad apprezzare la cura del dettaglio e scopriranno il gesto primordiale del tracciare una (acc! tutte queste cose con una matita e due squadrette?).
spirito positivo verso quella strana pratica. Sono motivati perché ho motivato l'attività. Imparano a conoscere la strada che stanno percorrendo.

In caso contrario ci si ritrova come Charlie Chaplin in Spiegare agli studenti le ragioni di ogni cosa che passa sulla loro testa vuol dire avere Tempi moderni: bravi avvitatori di bulloni, ma ignari di ciò che uscirà alla fine della catena di montaggio: un'automobile? Una sedia? Un frullatore?
rispetto della loro intelligenza, renderli partecipi di un percorso di ampio respiro, dare un senso ai compiti e allo studio che non sia solo l'hic et nunc del voto sul registro, ma la meta di un lungo viaggio che dovranno imparare a fare da soli.

Per noi docenti dover dare motivi (e motivazione) è un buon esercizio di consapevolezza perché ogni tanto, presi dalla fretta o dall'entusiasmo, tendiamo a confondere il mezzo (finire il programma, usare il digitale) con il fine. Dover spiegare lo scopo ai nostri studenti può ridare fiato ed energia al nostro lavoro e farci
volare un po' più in alto della quota dove nidificano i registri, le griglie e le programmazioni.

Le immagini di questo articolo sono le teste artistico-anatomiche di Edwige Massart e Xavier Wynn

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"Motivare" è un verbo affascinante perché contiene al suo interno un meccanismo logico che lega i due significati che possiede. Motivare, infatti, vuol dire spiegare il motivo, la ragione di qualcosa. Ma vuol dire anche stimolare, spingere a fare qualcosa.

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Johnson Tsang

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I surreali volti in porcellana di Johnson Tsang | Collater.al

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Lucid Dreams - Serie di surreali volti in porcellana realizzati dallo scultore cinese Johnson Tsang

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Basta davvero poco per creare un volto, anzi bastano solo tre elementi: due occhi e una bocca (o in alternativa un naso).

Questo perché, per il fenomeno della (di cui ho già parlato), siamo istintivamente portati a riconoscere una faccia anche da possono tranquillamente trasformarsi in pareidolia pochissimi indizi e non è necessario neanche che siano tratti verosimili: oggetti comuni e materiali di scarto volti espressivi ed originali!

È un gioco, se vogliamo. Ma " giocare è una cosa seria! " come ci insegna il buon Munari. Così seria che quest'idea di creare volti con gli oggetti ha un posto persino nei libri di storia dell'arte.

Mi riferisco al grande pittore cinquecentesco Giuseppe Arcimboldo (1526-1593), autore di decine di volti creati assembrando frutta, fiori, pesci, rami, libri e molto altro.

Ecco la sua celebre serie delle quattro stagioni (1563)...

... ed altri ritratti che rivelano il gusto manierista per il fantastico e il bizzarro.

Ma queste non sono le prime facce fatte di oggetti. C'è un buffo precedente, piuttosto audace, nella cosiddetta "Testa de cazi" di Francesco Urbini (1536), un piatto in maiolica decorato con un bel profilo... composto solo di peni!

Non sappiamo a chi sia dedicato il ritratto... ma di certo non mancano in giro le fonti di ispirazione!

Sono noti invece i modelli per una serie di (1859-1917) nelle quali i volti dei personaggi più celebri dei suoi tempi sono composti solo da grovigli di cartoline postali edite da Ernest le Deley corpi femminili.

Sembra quasi anticipare certe immagini surrealiste di René Magritte del 1934 e del 1948...

Il volto arcimboldesco, dunque, continua a divertire e meravigliare. Per questo molti artisti si cimentano ancora in questo tipo di composizione.

Ancora più spettacolari sono i lavori di Bernard Pras: i suoi assemblaggi sono addirittura anamorfici. Occorre guardarli da un certo punto di vista affinchè possa formarsi il volto.

Una specie di magia! Sembra un ammasso di cose vecchie ... ma arrivati al punto giusto tutto torna al suo posto.

Un ottimo spunto per ragionare su possibili attività manuali per gli studenti. Sì, perché la scuola 2.0 sarà anche bella ma incollare tappi, modellare i metalli e sporcarsi le mani lo è ancora di più!

E non parlo solo dei classici "lavoretti" per i bambini della primaria. Penso, infatti, che sia fondamentale, anche per i ragazzi più grandi, sviluppare la capacità di guardare gli oggetti con creatività, con la capacità di vedere altro, al di là della funzione che li caratterizza.

Ne ho già parlato a proposito delle ma vale per qualunque oggetto. E vale, soprattutto, come forma mentis: chi è capace di ribaltare l'uso di un oggetto sarà capace anche di affrontare i problema che si troverà davanti in modo, appunto, creativo. Cambiando punto di vista, cercando strade alternative, trasformando il problema in soluzione.

E questo è proprio quello che ha fatto , un artista africano che ha raccolto le taniche di petrolio abbandonate dai contrabbandieri in Benin e le ha trasformate in Romuald Hazoumé maschere tribali dell'era industriale ... è proprio vero che dal letame nascono i fiori!

I suoi ready-made sono fatti con pezzi delle armi che hanno insanguinato il Mozambico per anni. Armi rese inoffensive, legno e metallo a cui è stata data una seconda possibilità, quella di dare emozioni.

Isidro Ferrer, attore e artista, fa comparire, invece, i volti dagli oggetti più disparati ma sempre invecchiati, vissuti. Perché tutto ciò che è logoro e imperfetto è già carico di suggestione.

Ricordano molto i gufetti di Robyn Stewardson, composti solo da materiali trovati in cucina. Come dicevo all'inizio bastano due tappi, un becco, e il gioco è fatto!

, invece, ha individuato dei volti umani addirittura nelle Gwen Murphy scarpe usate. Basta aggiungere un paio d'occhi e modellare la bocca per avere delle facce molto espressive.

Come diceva Picasso: "Ci sono pittori che trasformano il sole in una macchia gialla, ma ce ne sono altri che, con l'aiuto della loro arte e intelligenza, trasformano una macchia gialla nel sole".

Ecco, creare dei volti con gli oggetti significa proprio compiere questo passaggio, trasformare anche il più umile dei materiali nel viso più comunicativo che si possa immaginare.

A basta un maglione o un giubbotto qualunque. Con le Bela Borsodi pieghe giuste qualsiasi cosa può assumere la forma di un volto.

Naturalmente gli esempi possono essere infiniti. L'unico limite è solo una fantasia atrofizzata. Allora perché non svegliarla tentando di creare dei volti con ciò che vi circonda?

E chissà che, prova dopo prova, la macchia gialla diventi un giorno uno splendido sole!

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Maschere creative: i volti fatti di oggetti

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Basta davvero poco per creare un volto, anzi bastano solo tre elementi: due occhi e una bocca (o in alternativa un naso). Questo perché, per il fenomeno della (di cui ho già parlato), siamo istintivamente portati a riconoscere una faccia anche da possono tranquillamente trasformarsi in pareidolia pochissimi indizi e non è necessario neanche che siano tratti verosimili: oggetti comuni e materiali di scarto volti espressivi ed originali!

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Uno studio condotto su 711 volontari di diverse nazionalità e culture (Cina, Germania, Grecia e Regno Unito) svela che il modo in cui coloriamo un'emozione dice molto sulla nostra provenienza. I ricercatori, servendosi di un sistema di apprendimento automatico ( machine learning), sono riusciti a dedurre la nazionalità dei volontari con una precisione dell'80% partendo solo da un'associazione emozione-colore.

Sentimenti colorati. I soggetti, utilizzando uno strumento noto come Geneva Emotion Wheel dovevano associare uno di dodici colori a venti emozioni proposte, indicando l'intensità dell'associazione da "nulla" a "massima". I colori più emozionanti sono risultati essere il rosso, il nero e il rosa, al contrario di marrone e viola, tinte meno associate ai sentimenti. Il nero è per tutti la sfumatura della tristezza e, più in generale, delle emozioni negative: paura, odio, rabbia. Curiosa la percezione del rosso, da un lato visto come la sfumatura dell'amore e delle emozioni positive, dall'altro spesso associato anche a rabbia e odio.

Differenze culturali. Nonostante numerose similitudini, non tutti vediamo la vita con gli stessi colori: per i tedeschi, ad esempio, il marrone è il colore più fortemente correlato al disgusto; i greci sono gli unici ad associare la tristezza al viola; il bianco è un colore positivo per tutti tranne che per i cinesi (che, tradizionalmente, lo indossano ai funerali); il giallo rappresenta l'allegria per tutti tranne che per i greci. Secondo il team che ha condotto lo studio, questa ricerca dimostra che l'intelligenza artificiale e, in particolare, i metodi del machine learning, possono essere utilizzati per indagare le emozioni, un ambito dove prevalgono le sfumature e dove le risposte (mai come in questo caso) non sono solo bianche o nere.

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Uno studio condotto su 711 volontari di diverse nazionalità e culture (Cina, Germania, Grecia e Regno Unito) svela che il modo in cui coloriamo un'emozione dice molto sulla nostra provenienza. I ricercatori, servendosi di un sistema di apprendimento automatico ( machine learning), sono riusciti a dedurre la nazionalità dei volontari con una precisione dell'80% partendo solo da un'associazione emozione-colore.

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Colori ed emozioni

Le emozioni sono una risposta psicofisiologica dell'organismo. Psico perché ci vanno di mezzo pensieri e valutazioni della situazione, fisiologica perché, a ogni emozione, corrispondono reazioni del corpo(battito cardiaco più o meno veloce, cambiamenti nel ritmo respiratorio, nella temperatura corporea, nella pressione sanguigna...).

Secondo alcune "teorie" vi sono emozioni primarie, cioè quelle che sono innate e universali, quali la paura, la gioia, la rabbia, il disgusto, la tristezza, sorpresa o interesse e si manifestano anche nell'espressione facciali. Queste emozioni le condividiamo anche con gli animali. (Paul Ekman)

Oltre a queste emozioni che avranno un loro colore più o meno accentuato, ci sono altre emozioni definite secondarie quali vergogna, ansia, gelosia, invidia, orgoglio e colpa si sviluppano in seguito a divenire consapevoli di sé e del rapporto con le persone che ci sono accanto, e in seguito all'idea che abbiamo di bene o male o alle aspettative sui propri comportamenti.

Non sempre riusciamo a identificare che emozione stiamo vivendo, soprattutto se siamo in preda di un "attacco emozionale"; in questo caso ci può essere di aiuto dare un colore a quello che stiamo sentendo e vivendo nel nostro corpo.

Divenire consapevoli del movimento energetico e delle sensazioni che il corpo ci trasmette, come ad esempio, caldo, freddo, tensione, tremore, agitazione, aiuta anche divenire osservatori consapevoli che noi non siamo l'emozione, ma siamo l'essere che la sta vivendo.

Le emozioni sono il colore della nostra vita e la tavolozza delle emozioni è molto vasta, ci potranno essere colori più accesi o colori più tenui, oppure sfumature di colore più o meno intense.

* Quando sei arrabbiato, di che colore è la tua rabbia? Rosso fuoco, un pallido rosso, Nera?
* Oppure vedi VERDE perché la rabbia in realtà nasconde un'emozione d'invidia?
* Quante volte utilizzi i colori per esprimere il tuo stato d'animo o emozione senza rendertene conto?

Alcuni modi di dire che utilizzano il colore per indicare, emozioni o sentimenti:

* ESSERE VERDE DALL'INVIDIA

Questa espressione viene usata per indicare un sentimento d'invidia. L'invidia viene associata al colore verde perché l' eccesso di rabbia provoca una produzione esagerata di bile(liquido nocivo che produce il nostro corpo) e il suo colore è per l'appunto verde.

* ESSERE BIANCO DALLA PAURA

Perché nel corpo avvengono delle reazioni fisiologiche di fronte a delle situazioni in cui proviamo paura; il flusso sanguigno si concentra maggiormente nella parte inferiore del corpo, quindi nelle gambe, per darci la possibilità di fuggire di fronte al pericolo. Ecco che il nostro volto apparirà pallido e bianco.

* ROSSO DALLA RABBIA o VEDERE ROSSO

In questo caso il nostro corpo reagisce in modo diverso, quando siamo arrabbiati ci accendiamo, e il sangue viene convogliato verso la parte alta del corpo, per prepararci per un eventuale "attacco". La rabbia è una delle emozioni primarie.

* VEDERE ROSA

E' un modo di dire che denota il vedere le cose in modo positivo, come se indossassimo degli occhiali con le lenti rosa; rappresenta la tenerezza, il romanticismo, l'amore tenero e delicato.

* VEDERE NERO

Indica un momento in cui non si vede via di uscita, un momento in cui il pessimismo si è fatto strada. Il nero corrisponde a una negazione, al buio, all'oblio.

* VEDERE GRIGIO

Quando una situazione non è ben chiara e definita; il grigio non è né bianco né nero, è il colore della nebbia, della neutralità.

Le emozioni hanno un colore, di conseguenza i colori, con la loro frequenza influenzano il tuo stato emozionale; infatti chi lo utilizza per la pubblicità, per arredare le abitazioni, per i vestiti e anche per il cibo.

Ti lascio alcuni spunti per integrare in modo concreto e consapevole i colori nella tua giornata, attraverso abiti, immagini, cristalli colorati, oggetti.

ARANCIO: stimola positività, sensualità, vivacità (insieme delle caratteristiche del rosso e del giallo).

NERO: colore del mistero e della notte, denota eleganza ma anche trasgressività, un bisogno di uscire dagli schemi, da evitare in caso di depressione.

BIANCO: colore della luce, quindi contiene tutte le frequenze, è considerato il colore degli indecisi.

Vediamo a colori e pensiamo in bianco e nero - Stephen Littleword,

- Antonella Aruna

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Le emozioni sono una risposta psicofisiologica dell'organismo. Psico perché ci vanno di mezzo pensieri e valutazioni della situazione, fisiologica perché, a ogni emozione, corrispondono reazioni del corpo(battito cardiaco più o meno veloce, cambiamenti nel ritmo respiratorio, nella temperatura corporea, nella pressione sanguigna...).

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Può un elenco di emozioni presente in un "fiore" aiutarti a gestire il tuo stato emotivo? La risposta è affermativa e a breve scoprirai come 🙂

Il celebre Vincent Van Gogh diceva: "non dimentichiamo che le piccole emozioni sono i grandi capitani della nostra vita e che obbediamo a loro senza saperlo".

Infatti, anche se spesso non te ne accorgi, sei continuamente influenzato dalle tue emozioni, anche quando prendi delle decisioni. Quindi, pur credendo di agire su un livello puramente logico, c'è un'emozione di fondo che regola ogni tua azione.

Questo non vuol dire che non puoi avere il controllo delle tue azioni, tuttavia, è essenziale imparare a riconoscere le emozioni per prendere decisioni migliori.

Fortunatamente, esistono degli strumenti per aiutarti ad ampliare il tuo vocabolario delle emozioni e migliorare l'intelligenza emotiva. Tra qualche riga scoprirai quali 🙂
Ma cosa sono esattamente queste emozioni?
La definizione di emozione.

Secondo l'American Psychological Association (APA), un' emozione è: "una complessa sequenza di azioni che comprende elementi empirici, comportamentali e psicologici, attraverso i quali un individuo cerca di reagire ad un evento che è rilevante a livello personale".

Semplificando, l'emozione che provi dipende in gran parte dall' interpretazione che dai a quell'evento. Per esempio, se percepisci una minaccia, l'emozione provata sarà paura; se invece, percepisci un evento come positivo potresti sentirti sereno.

Le emozioni sono diverse dai sentimenti perché sono delle reazioni a una situazione specifica e hanno una durata limitata nel tempo, mentre i sentimenti sono più generici e durano più a lungo.
Bene Danny, adesso so meglio cos'è un'emozione, ma perché le provo? Non starei meglio se non provassi emozioni come rabbia e paura?
Le emozioni e la sopravvivenza.

Le emozioni sono entrate nella vita degli esseri viventi moltissimi anni fa, infatti anche molte altre specie animali sono in grado di provarle proprio perché sono utili alla sopravvivenza.

Ad esempio, il disgusto è molto utile alla sopravvivenza, dato che dice all'animale cosa mangiare e cosa potrebbe essere dannoso alla sua salute.

Non ho mai sputato come quella volta che per sbaglio ho messo il sale nel caffè al posto dello zucchero. Anche se più che male faceva solo schifo. 🙂

Un altro esempio in cui le emozioni sono utili alla sopravvivenza è quello in cui si ha la famosa reazione fight or flight or freeze, ovvero attacco, fuga o congelamento di fronte alla percezione di un pericolo.

Le emozioni hanno quindi una grande influenza sulla tua vita. Per questo motivo ho spesso detto che gestire le emozioni è una delle capacità più preziose che tu possa acquisire.

Continuando la lettura di questo articolo scoprirai come:

riconoscere le tue emozioni

ampliare il tuo vocabolario emotivo

aumentare la tua intelligenza emotiva.

Il fiore delle emozioni: un elenco di emozioni portatile.

In psicologia esistono diverse classificazioni delle emozioni. Una delle più famose, che merita di essere citata, è sicuramente quella di Ekman e Friesen che, identifica 6 emozioni primarie innate e transculturali: gioia, paura, rabbia, tristezza, sorpresa e disgusto.

Un'altra classificazione, quella su cui ci concentreremo in questo articolo, è il famoso fiore delle emozioni (o ruota delle emozioni).

Si tratta di uno schema grafico delle emozioni elaborato dallo studioso Plutchik nel 1980, all'interno della sua teoria psico-evoluzionistica delle emozioni, che identifica 8 emozioni primarie.

Il fiore è composto da 4 coppie di emozioni, ognuna accoppiata con la sua polarità opposta: tristezza vs gioia, rabbia vs paura, accettazione vs disgusto, sorpresa vs attesa.

Inoltre la dimensione verticale dei petali rappresenta l' intensità delle emozioni che aumenta, così come il colore, andando verso il centro del fiore.

Le 8 emozioni primarie identificate da Plutchik servono come fondamenta per tutte le altre. Combinando queste emozioni primarie, se ne possono ottenere di più complesse, tra cui l'ottimismo, l'amore, il rimorso e l'aggressività.

Altre emozioni complesse

Essendo il tema delle emozioni e della loro gestione quello di mio maggior interesse, nel corso di questi 7 anni su IperMind ho trattato in modo approfondito diverse emozioni complesse. Ti elenco qui sotto gli articoli in cui ne parlo:

Gelosia. Nella gelosia la persona è focalizzata sulla paura della perdita, nella maggior parte dei casi di una persona amata. In questo articolo parlo di 5 strategie per non cadere nella trappola della gelosia.

Un utilizzo pratico del fiore delle emozioni.

La consapevolezza emotiva è stata definita da Reuven Bar-On (psicologo che si è occupato di intelligenza emotiva) come: "l'abilità di riconoscere le proprie emozioni, differenziarle tra di loro, capire cosa le ha provocate, ed essere consapevoli dell'impatto che queste possono avere sulle persone che ci stanno attorno".

Infatti, raramente potresti fermarti a riflettere sul tuo stato emotivo o cercare di capire cosa l'abbia provocato, quindi finisci per mettere in atto comportamenti automatici di difesa o di attacco.

Spesso per descrivere il tuo stato emotivo potresti usare parole generiche come "sono emozionato", oppure se qualcosa ti fa innervosire potresti scaricare la colpa sugli altri dicendo magari frasi come "sei noioso" invece di esprimere correttamente la rabbia.

Uno dei fenomeni più preoccupanti e diffusi è quello dell' analfabetismo emotivo (oltre a quello funzionale ovviamente :-)). L'incapacità di riconoscere e nominare correttamente le emozioni che si provano.

Il filosofo e antropologo Umberto Galimberti ha parlato degli effetti preoccupanti di questo fenomeno soprattutto sul comportamento di molti giovani che vivono in un deserto emotivo, spesso spostati su una realtà virtuale dei social media e videogiochi.

L'analfabetismo emotivo conduce a una specie di anestesia che impedisce di sentire quello che si prova e ha delle serie ripercussioni sulle relazioni, su se stessi e con le altre persone.

Ampliare il vocabolario emotivo e saper nominare le emozioni quando si presentano contrasta questo fenomeno.

Il diario della consapevolezza emotiva.

Per trasformare tutta questa teoria in pratica ti propongo un esercizio che ho chiamato il diario della consapevolezza emotiva.

Rifletti sulle emozioni che hai provato nelle ultime 24 ore e scrivile in un diario.

Parti da una situazione che ti ha provocato una reazione emotiva. Descrivi la situazione in modo sintetico ma dettagliato e poi identifica e riconosci l'emozione che hai provato facendo riferimento all'elenco di emozioni che trovi qui sopra. Infine valuta l'intensità dell'emozione che hai provato usando una scala da 1 a 10.

Gli avvenimenti che raggiungono i punteggi più alti sono i tuoi nervi scopert i. Questi sono i punti, che se toccati, ti impedisco di risolvere la situazione in modo logico e chiaro, e che quindi possono danneggiare le tue relazioni personali e professionali.

Un aiuto tecnologico per monitorare al meglio le tue emozioni.

Esistono diverse applicazioni che possono facilitarti nell'utilizzo del diario delle emozioni: Life craft, Daylio e Mood.

Life Craft è un'app molto carina che riprende il modello delle 8 emozioni primarie per cui al suo interno è presente un calendario con incorporato un elenco delle emozioni primarie, ognuna con il suo colore.

Se poi clicchi sull'emozione primaria appare un ulteriore elenco di altre parole ad essa collegate. Una volta cliccata l'emozione che stai provando puoi aggiungere anche una nota per spiegare il perchè di quell'emozione (esempio. Sono "joyful" perchè sono in giro a fare un aperitivo con i miei amici).

Questa è sicuramente la mia preferita perchè la ritengo la più completa, unico limite di quest'app è che è in inglese.

Daylio. Questa app è molto semplice, non possiede un vocabolario emotivo ma solo 5 emoticon base a cui puoi sempre aggiungere una nota sul perchè ti senti in quel modo.

Mood. Un'app grazie alla quale puoi condividere il tuo stato emotivo con emoticon e nome dell'emozione aggiungendo poi una nota.

Come hai visto le emozioni regolano e motivano gran parte delle tue azioni, pertanto è di fondamentale importanza essere consapevole delle emozioni che provi.

Per ottenere questo scopo ti sarà estremamente utile l' elenco di emozioni presente in questo articolo, unito alla messa in pratica del diario della consapevolezza emotiva.

Quando avrai raggiunto una buona consapevolezza emotiva, non solo sarai in grado di capire con maggiore precisione cosa provi, ma potrai anche fare qualcosa di positivo per prevenire quelle reazioni emotive che danneggiano te stesso e le persone a te più care.

Adesso che hai letto questo articolo, ho una domanda per te: qual è il tuo nervo scoperto (ovvero la situazione in cui ti è più facile provare un'emozione negativa)? Condividi la tua risposta nei commenti, ti aiuterà a fare chiarezza su cosa puoi migliorare.

Un Iper-abbraccio 😉 ✌️

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Come riconoscere le tue emozioni con un fiore.

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Può un elenco di emozioni presente in un "fiore" aiutarti a gestire il tuo stato emotivo? La risposta è affermativa e a breve scoprirai come 🙂 Il celebre Vincent Van Gogh diceva: "non dimentichiamo che le piccole emozioni sono i grandi capitani della nostra vita e che obbediamo a loro senza saperlo".

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Warhol. Monroe. Quando senti questi nomi c'è sicuramente una sola classica immagine che viene in mente. Era una fotografia di Marilyn Monroe, sufficiente per Andy Warhol a farne un'iconica serie di ritratti pop art che sono sopravvissuti ad entrambi i personaggi. Ma perché Marilyn Monroe? E quale messaggio voleva dare al mondo Warhol? Scoprilo qui.

La scoperta della Pop Art
Era il 1960 quando Andy Warhol, artista americano dalla straordinaria creatività, è caduto nell'incantesimo della pop art. È difficile credere che il movimento della pop art esistesse già prima che Warhol ne fosse coinvolto: esso infatti partì nella metà degli anni '50 in Gran Bretagna. E in un certo senso, è strano anche pensare che Warhol fosse un artista prima delle sue opere di pop art. Infatti, negli anni '50, Warhol fu un illustratore pubblicitario di successo per marchi come Tiffany & Co., Vogue e Glamour magazine. E' come se i due si definissero a vicenda. E al giorno d'oggi, Warhol e Pop Art sono forse sinonimi.

Nel 1962, Warhol divenne estremamente entusiasta della stampa serigrafica fotografica. Questa tecnica sarebbe diventata in seguito lo stile definitivo di Warhol: era semplice, rapida e si potevano effettuare più volte leggere modifiche alla foto. È difficile da immaginare, ma fu per pura coincidenza che Warhol decise di ritrarre Marilyn Monroe in una delle sue prime, e sicuramente più famose, opere di pop art. Lei morì quello stesso mese ed il suo bel viso, così come la sua fama, sembravano perfetti per quella stampa ripetitiva e per quelle opere d'arte simili ai cartoni animati. E aveva ragione!

La fotografia selezionata da Warhol apparteneva ad una pubblicità del film "Niagara" del 1953, in cui Marilyn aveva precedentemente recitato. Egli creò numerose opere di pop art con la Monroe utilizzando questa immagine, tra cui il "Marilyn Diptych", che ora è considerato uno dei pezzi più influenti nel mondo dell'arte moderna. Invece di disegnare o dipingere il suo volto, Warhol scelse una foto esistente, certo del fatto che praticamente chiunque l'avrebbe riconosciuto. Ma perché la Monroe? Marilyn incarna lo status della celebrità e il concetto di "sex symbol". Rappresentare personaggi famosi nella pop art divenne una delle caratteristiche distintive del movimento negli anni '60: è un'interpretazione ironica dell'ossessione dei mass media per la cultura delle celebrità.

La donna che si nasconde dietro l'opera d'arte
Si dice anche che, attraverso questo stile di lavoro, Warhol si riferisca ad una società in cui le persone vengono viste come un prodotto piuttosto che come persone. Inoltre, la tecnica serigrafica che Warhol ha usato per i ritratti della Monroe appiattisce ulteriormente l'immagine bidimensionale. Riducendo le sfumature e usando colori brillanti, egli esalta la piattezza emotiva e mostra sottilmente il lato superficiale di questa donna. Un sex-symbol creato dalla società; una donna che è tutto quel che la società vuole che sia. Concentrandosi sulle sue caratteristiche iconiche, Warhol in realtà ci ricorda che c'è una donna vera lì sotto.

Tutto in superficie
Gli storici e gli esperti d'arte hanno molte teorie sul simbolismo nascosto nei ritratti di Marilyn; sui motivi per cui Warhol avrebbe utilizzato determinati colori e composizioni, e sul messaggio che presumibilmente ha cercato di trasmettere alla società. Lo stesso Andy Warhol, tuttavia, ha affermato di essere molto trasparente. "Se volete sapere tutto su Andy Warhol, guardate la superficie dei miei quadri, dei film e me in persona: io sono lì. Non c'è nient'altro nascosto", dichiarò una volta. Warhol ha cercato di nascondere qualsiasi accenno ai sentimenti o intenzione artistica, ma è innegabile che ci abbia messo molto lavoro nelle sue opere, compresa la serie di Marilyn. E non importa il messaggio: quell'immagine di Marilyn continuerà a vivere forse per sempre, un'incarnazione dell'incredibile movimento della pop art.

Vorresti possedere un pezzo d'arte particolare? Tieni d'occhio le nostre aste di arte moderna settimanali per ritratti serigrafici, litografie, Pop Art, pannelli in vetro stampati e molto altro ancora. Oppure hai tu qualche affascinante pezzo d'arte moderna che vorresti vendere? Offrilo all'asta registrandoti come venditore.

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La verità su Andy Warhol, Marilyn Monroe e sul movimento della Pop Art - Catawiki

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Warhol. Monroe. Quando senti questi nomi c'è sicuramente una sola classica immagine che viene in mente. Era una fotografia di Marilyn Monroe, sufficiente per Andy Warhol a farne un'iconica serie di ritratti pop art che sono sopravvissuti ad entrambi i personaggi. Ma perché Marilyn Monroe? E quale messaggio voleva dare al mondo Warhol?

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Leo Ottoni, il pittore autistico che comunica con l'arte, la madre: "Così ci porta nel suo mondo"

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Rosso e verde, che in altri casi se ne stanno buoni e tranquilli in mezzo ai loro simili, improvvisamente tirano fuori le unghia e se le danno di santa ragione. Chi vince? Nessuno dei due, credo... continueranno a rialzarsi e lottare per l'eternità come in questo quadro di Derain!

Ma lui e gli altri Fauves lo facevano apposta: sceglievano di accostare proprio coppie di colori complementari in modo che le due tinte si accendessero a vicenda.

Incontri così esplosivi si trovano solo in

"Tutti i colori sono gli amici dei loro vicini e gli amanti dei loro opposti" amava dire, invece, Marc Chagall. E lui, di accostamenti tra colori, se ne intendeva!

Ma i suoi non sono colori complementari, bensì colori puri che si affiancano e dialogano armoniosamente. Il suo approccio cromatico è quello che nella tradizione pittorica viene definito colore timbrico, un colore brillante e saturo, con poche gradazioni della stessa tinta (ben visibile, ad esempio, in Michelangelo).

Se confrontate Michelangelo e Giorgione credo che la differenza tra colore timbrico e tonale salti subito all'occhio: il colore timbrico risulta vivace, scoppiettante mentre quello tonale è quieto e morbido.

In alcuni casi il tonalismo è talmente estremo da arrivare all'uso di una singola tonalità cromatica usata in tutta l'immagine.

L' sarà il concetto fondamentale dell'. Ed entrambi, quadro e musica, possono suscitare emozioni senza far ricorso alla figurazione, per la sola aspetto musicale dei colori arte astratta e in particolare di quella di Kandinsky (che, non a caso, era un violoncellista). Un quadro astratto, una composizione dunque fatta solo di colori, è in grado di produrre sensazioni analoghe a quelle provocate dall' ascolto di una sinfonia capacità evocativa del mezzo espressivo.

Proprio per rimarcare l'essenza sonora delle sue opere, Kandinsky chiamerà le sue tele "", termini evidentemente presi in prestito dal mondo musicale. D'altra parte per lui "il colore è un mezzo per esercitare sull'anima un'influenza diretta. Il colore è un tasto, l'occhio il martelletto che lo colpisce, l'anima lo composizione", " improvvisazione strumento dalle mille corde ".

Per questo motivo ammirava molto il lavoro di alcuni musicisti come Alexandr Skrjabin

Nel 1980 con la proiezione di luci colorate su tende verticali poste dietro l'orchestra. Una vera e propria Bruno Munari e Piero Castiglioni hanno riproposto una versione aggiornata del Prometeo partitura cromatica correva in parallelo a quella musicale.

Un esperimento più recente riprende la stessa idea di uno sfondo neutro con proiezioni colorate suggerite dall'andamento sonoro della sinfonia.

Ma la capacità di un colore di produrre ) non riguarda solo gli effetti sonori ma anche quelli " percezioni multisensoriali (detta sinestesia termici". Molto spesso parliamo, infatti, di colori freddi o caldi come se effettivamente ne potessimo misurare la temperatura!

Eppure, se uso la: una confezione di metà blu-verde del cerchio cromatico, la freschezza si percepisce davvero... Ne sanno qualcosa gli esperti di marketing e chewing gum o caramelle alla menta sicuramente si muoverà in questa gamma di colori per suggerire freschezza al semplice sguardo. Di contro per i pacchetti di cioccolata o caffè saranno impiegati generalmente i colori caldi, per stimolare sensazioni di calore e "coccolamento". pubblicità

Scegliere i colori da utilizzare, soprattutto nel settore della grafica, implica conoscenze approfondite sia di colorimetria che di psicologia dei colori. Esistono anche molte pubblicazioni ad hoc che forniscono gruppi di colori già abbinati in base all'atmosfera che sia vuole evocare...

Per non parlare dell'abbigliamento! Tutti noi, ogni mattina, come novelli Kandinsky, cerchiamo di costruire una composizione di colori che ci rappresenti, che ci faccia sentire a nostro agio.

Se abbiamo tempo e voglia scegliamo un maglione o una camicia che si intoni o che spezzi con il pantalone o con la gonna e poi un accessorio, foulard o sciarpa che sia, che dialoghi con gli altri due colori. Senza saperlo, creiamo accostamenti timbrici o tonali.

Insomma, anche quando pensiamo che l'arte non c'entri nulla con la nostra vita, compiamo scelte estetiche e atti creativi esattamente uguali a quelli dei grandi Maestri della storia dell'arte, studenti riluttanti inclusi.

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Quando i colori si incontrano sulla tela

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Rosso e verde, che in altri casi se ne stanno buoni e tranquilli in mezzo ai loro simili, improvvisamente tirano fuori le unghia e se le danno di santa ragione. Chi vince? Nessuno dei due, credo... continueranno a rialzarsi e lottare per l'eternità come in questo quadro di Derain!

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Chiunque voglia avvicinarsi e comprendere l'arte di Vasilij Kandinskij (Mosca, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) deve partire da una premessa fondamentale e imprescindibile: bisogna accostarsi al dipinto come ad una sinfonia che cattura, come amava dire egli stesso, "il suono interiore" degli elementi.

C'è, sosteneva infatti l'artista, al di là della realtà tangibile delle cose, una dimensione non esprimibile con le parole o con le forme che la realtà ci offre perché non ha dimensioni, né occupa spazio: è fatta di emozioni e spiritualità e necessita di un linguaggio proprio, assimilabile al massimo alla musica o al colore, in grado di farci "vedere l'invisibile".

" Mi sembrava che l'anima viva dei colori emettesse un richiamo musicale, quando l'inflessibile volontà del pennello strappava loro una parte di vita ".

La poetica di Kandinskij

Dopo il trasferimento dalla Russia in Germania e dopo un inizio fra espressionismo e fauvismo, nei primi anni del '900 Kandinskij comincia ad elaborare quella teoria artistica che lo porta ad essere considerato il fondatore dell'astrattismo.

A partire dal 1909 l'artista comincia a cercare e stabilire analogie precise fra le diverse sfere della produzione artistica con una netta predilezione per la musica che ritiene quella che più riesce ad esprimere l'"invisibile" che tanto vorrebbe rappresentare.

La pittura per Kandinskij si trasforma sempre più una sorta di composizione musicale, una "sinfonia di colori" come egli stesso la definiva. "Già molto presto mi resi conto dell'inaudita forza d'espressione del colore. Invidiavo i musicisti, i quali possono fare arte senza bisogno di raccontare qualcosa di realistico. Il colore mi pareva però altrettanto realistico del suono".

Da questo momento i titoli delle sue opere cominciano ad avere una netta assonanza musicale: Impressioni, Composizioni e Improvvisazioni, sono i lavori che conducono Kandinskij all'astrazione.

Vasilij Kandinskij, "Improvvisazione 4", 1909, Nižnij Novgorod, Museo Statale d'Arte ( wassilykandinsky.net)

Vasilij Kandinskij, "Composizione VII", 1913, Galleria Tret'jakov, Mosca ( Wikimedia Commons)
"Il colore è il tasto, l'occhio il martelletto che lo colpisce, l'anima lo strumento dalle mille corde. L'artista è la mano che, toccando questo o quel tasto, fa vibrare l'anima."
Dello spirituale nell'arte

Verso la fine degli anni '10 Kandinskij inizia a lavorare alla sua opera teorica più articolata, "Dello spirituale nell'arte" (Über das Geistige in der Kunst - O duchovnom v iskusstve).

Qui il suo intento è di mostrare come la musica sia la più alta delle arti ma, allo stesso tempo, spiegare come la pittura, e in particolare la pittura espressionista, possa quasi allo stesso modo raccontare le sensazioni e le emozioni nascoste nell'anima dell'artista.

Quando descrive il carattere della propria pittura di quegli anni, Kandinskij sembra, infatti, descrivere il procedere di un brano musicale: "Lotte di toni, l'equilibrio perduto, principi che decadono, inattesi colpi di tamburo, grandi domande, aspirazioni apparentemente insensate, impulso e nostalgia e desiderio in apparenza lacerato, catene e vincoli distrutti che uniscono, opposti e contraddizioni: questa è la nostra armonia".

Il nocciolo di tutta l'arte di Kandinskij sembra così essere l'emozionalità: il colore, egli ritiene, può avere due tipi di effetti sullo spettatore, uno fisico basato su sensazioni momentanee e quindi più superficiale, e uno psichico dovuto alla "vibrazione dello spirito" attraverso cui il colore raggiunge l'anima di chi lo guarda. Questo accade perché i colori possiedono qualità sensibili che, proprio come la musica di ogni diverso strumento, possono toccare e modificare l'anima dello spettatore.
A questo proposito, nel suo saggio, Kandinskij analizza i colori in base ai loro suoni interiori, ai loro effetti psichici, e associa ognuno ad uno strumento musicale.
Il giallo è vitale, prorompente, irrazionale e viene paragonato al suono di una tromba, di una fanfara. Il blu suggerisce quiete ed è associato al suono del violoncello, l'azzurro, il blu che tende ai toni più chiari, è indifferente, distante ed è paragonabile al suono di un flauto. Il blu scuro viene invece avvicinato al suono di un organo, profondo e intenso. Il rosso è caldo, vitale, vivace, irrequieto come il suono di una tuba. È diverso dal giallo perché non è così superficiale. L'energia del rosso è consapevole e può essere canalizzata. Più è chiaro e tendente al giallo, più ha vitalità ed energia. L'arancione esprime movimento, è paragonabile al suono di una campana. Il verde è noioso, suggerisce opulenza, compiacimento, è una quiete appagata ma appena vira verso il giallo acquista energia. Ha i toni ampi e caldi, del violino.

Vassily Kandinskij, " Giallo, rosso, blu", olio su tela, 1925, Musée national d'art moderne, Parigi ( Wikimedia Commons)

Il viola, come l'arancione, è instabile, è paragonabile al corno inglese, alla zampogna, al fagotto. Il marrone è ottuso, duro e poco dinamico; il grigio è statico, indica quiete, nel grigio c'è assoluta mancanza di movimento. Il bianco è la somma (convenzionale) di tutti i colori dell'iride nella quale però tutti scompaiono. È silenzio assoluto ma ricco di potenzialità: è la pausa tra una battuta e l'altra di un'esecuzione musicale, che annuncia altri suoni. Il nero è mancanza di luce, è anch'esso silenzio ma è definitivo, è la pausa finale di un'esecuzione musicale ma, a differenza del bianco, dà valore a qualsiasi altro colore.

Kandinskij e i musicisti

Nella sua produzione pittorica Kandinskij fu influenzato dalla musica di diversi compositori, per primo da quella di Richard Wagner e soprattutto dalla sua opera intitolata Lohengrin, che spinse il pittore russo ad abbandonare la carriera accademica in giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte.

Nello scritto "Sguardo al passato" racconta, infatti, che nel 1896, ascoltando il Lohengrin di Wagner al Teatro Bolscioi ebbe l'impressione di vedere Mosca "dipinta musicalmente". "Mi sembrava di avere davanti agli occhi tutti i miei colori. - scrive - Davanti a me si formavano linee disordinate, quasi assurde".

Ma se a Wagner si devono le sue intuizioni iniziali e la sua comprensione del valore musicale del colore e dell'importanza del rapporto fra musica e pittura, ancor più fondamentale per la formazione artistica di Kandinskij fu l'amicizia con il compositore viennese Arnold Schönberg, con il quale condivideva la ricerca per la "dissonanza nell'arte": "la dissonanza pittorica e musicale di oggi non è altro che la consonanza di domani".

Il primo "incontro" fra i due ebbe luogo a Monaco di Baviera, il 2 gennaio del 1911 ad un concerto del compositore austriaco ( Quartetto per archi op.10 e i Klavierstücke op.11) che colpì così tanto Kandinskij da spingerlo a scrivergli, pur senza conoscerlo. In seguito a quell'ascolto, poi, il pittore decise anche di dar forma alle sue impressioni in un dipinto destinato a diventare uno dei suoi più celebri capolavori, Impressione III: Concerto.

Vasilij Kandinskij, " Impressione III (Concerto)" , 1911; olio su tela, 77,5 x 100 cm; Monaco di Baviera, Städtische Galerie im Lenbachhaus ( Wikimedia Commons)

ll dipinto è dominato da un grande triangolo nero che rappresenta molto probabilmente il pianoforte e si inserisce tra uno sfondo giallo e una serie di forme colorate. La grande massa gialla sembra essere il suono vitale della composizione che investe il pubblico e lo accende di energia.

La prima lettera di Kandinskij a Schönberg è datata 18 gennaio 1911. In essa, il pittore comunica al compositore quanto avessero in comune, perché Schönberg, a detta di Kandinskij, era riuscito a ottenere, in musica, ciò che l'artista russo intendeva raggiungere in pittura. Kandinskij avvertiva che la sua ricerca era totalmente conforme a quella di Schönberg, che con la sua atonalità aveva sovvertito le regole della musica classica con il dichiarato intento di fare drizzare i capelli agli spettatori, tanto la libera espressione dell'inconscio era diretta e immediata.

Schönberg gli rispose con una dichiarazione che ci fornisce diversi elementi per comprendere il senso della sua arte, e di quella di Kandinskij: "l'arte appartiene all'inconscio! L'artista deve esprimere sé stesso! E deve esprimersi in modo diretto! Non deve esprimere il proprio gusto, la propria educazione, la propria intelligenza, le proprie conoscenze o le proprie abilità. Non deve, insomma, esprimere ciò che ha acquisito, ma ciò che è innato, che è istintivo. [...] Io non credo che la pittura debba necessariamente essere oggettiva. Anzi, credo fermamente nel contrario".

Ispirato dalle ricerche di Schönberg, Kandinskij fu il primo artista a liberare l'arte dalla realtà: per la prima volta l'opera non doveva e non voleva rappresentare elementi tratti dal mondo che ci circonda ma raccontare l'inconscio. Era l'inizio dell'arte astratta e l'opera che sancisce questa nascita si intitola Figura con cerchio: Kandinskij la dipinge nel 1911.

Vasilij Kandinskij, Figura con cerchio (1911; olio su tela, 100 x 150 cm; Tbilisi, Museo Nazionale della Georgia) ( wassilykandinsky.net)

"Più il mondo diventa orribile (come quello di oggi), più la nostra arte diventa astratta, mentre un mondo felice produce un'arte realistica" scriveva Kandinskij nel suo diario nel 1914. Di lì a poco ebbe inizio la prima guerra mondiale e le strade del pittore russo e del compositore ebreo austriaco, che fino ad allora rimasero legati da una profonda amicizia professionale, furono costrette a dividersi.

Resta però il fatto che come Schonberg ha rivoluziona il sistema tonale classico, creando il nuovo linguaggio della musica atonale, così Kandinskij ha abbattuto i muri e le regole della pittura tradizionale approdando all'astrattismo.

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Come suonano i colori | Zanichelli Aula di lettere

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Chiunque voglia avvicinarsi e comprendere l'arte di Vasilij Kandinskij (Mosca, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) deve partire da una premessa fondamentale e imprescindibile: bisogna accostarsi al dipinto come ad una sinfonia che cattura, come amava dire egli stesso, "il suono interiore" degli elementi.

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Sarà ancora lunga e non sarà facile. Ma come tutto il mondo dell'arte anche noi ci stiamo impegnando per garantirvi la possibilità di continuare a stare a stretto con la vostra e nostra più grande passione. Ecco quindi una selezione dei migliori documentari e serie dedicate al mondo dell'arte che potete trovare gratis su Rai Play, il servizio online di streaming della Rai.

Art Night - 20 puntate da un'ora e mezza

Art Night è un viaggio nell'arte in tutte le sue espressioni, dalla fotografia alla scultura fino all'architettura. Produzione Rai recente, la prima stagione è uscita quest'anno, condotta da Alessio Aversa che in ogni episodio incontra artisti ed esperti per farsi condurre alla scoperta di grandi artisti e movimenti: da Bansky a William Kentridge, da Marina Abramovic a Modigliani, passando per Rodin, Leoncillo e Tintoretto. Insomma c'è né per tutti i gusti.

I più grandi musei del mondo - 4 puntate da 50 minuti circa

Questa serie di solo quattro episodi si concentra su quattro prestigiose istituzioni internazionali. Prodotto in Francia nel 2018, I più grandi musei del mondo vi porterà alla scoperta del Museo del Prado di Madrid, il Museo dell'Hermitage a San Pietroburgo, la National Gallery of Art di Washington e il Kunsthistorisches Museum di Vienna. Insomma visto che viaggiare all'estero per un pò sarà piuttosto complicato, eccovi un modo per farlo standovene sul divano di casa vostra.

Museo Italia - 6 puntate da 50 minuti circa

Il format di questo programma è simile al precedente, solo che qui il focus è il Bel Paese. Si parte quindi per un viaggio che ha come prima fermata i Musei Capitolini di Roma, segue un breve spostamento nella stessa città per scoprire Galleria Borghese, dopodiché si approda a Firenze dove prima si attraversano i vari musei presenti nel capoluogo toscano a cui segue una puntata dedicata solamente agli Uffici. Concludono la serie due speciali: uno sul Museo Diffuso che è l'Italia e uno dedicato a Piero della Francesca.

L'arte con Matì e Dadà - 2 stagione da 12 puntate di circa 7 minuti

Visto tutte le scuole sono chiuse questa è un'ottima alternativa ai soliti cartoni animati per i vostri bambini. In ogni puntata Matì e Dadà incontrano un'artista differente, da Giotto, Van Gogh, Pollock, Paolo Uccello a Balla, Malevich, Arciboldo e Kandisky, e lo aiutano a risolvere un mistero, in cambio riceveranno i grandi segreti della loro arte. Insomma se volete far appassionare i vostri bambini all'arte questo è sicuramente un ottimo inizio!

Italia: viaggio nella bellezza - 46 puntate da 50 minuti circa

Un vero e proprio programma enciclopedico che racchiude millenni di storia e cultura italiana: si va dalla Palermo Araba e Normanna ai villaggi operai nel nord d'Italia. La bellezza di questa serie sono le particolarità e la capacità di far emergere gli aspetti meno conosciuti e meno frequentati dal turismo di massa e dagli stessi italiani. Troviamo infatti un puntata dedicata interamente a Spoleto, una ai tesori nascosti nei magazzini dei nostri musei, la Calabria Bizantina e la Sardegna Fenicia e così via...

La vera natura di Caravaggio - 12 puntate di 60 minuti circa

Per gli appassionati di Caravaggio, e sappiamo che ne ce davvero molti, probabilmente non c'è di meglio (in verità si il libro di Roberto Longhi su Caravaggio che vi consigliamo, tra l'altro da poco ristampato da Abscondita). Condotto dallo Storico dell'Arte Tomaso Montanari, questo speciale approfondisce con l'ausilio di documenti storici, continui confronti e analisi dei testi pittorici la vita e l'opera di uno dei più grandi artisti di sempre.

La libertà di Bernini - 8 puntate di 60 minuti circa

Ancora una volta è lo Storico dell'Arte Tomaso Montanari che ci accompagna in un lungo e tortuoso viaggio, questa volta il protagonista e Gian Lorenzo Bernini, probabilmente il più grande scultore italiano di tutti i tempi, e non solo. Quindi se vi è piaciuto lo speciale su Caravaggio gradirete anche questo, è un pò più breve ma ugualmente fatto bene.

Picasso, una vita - 2 puntate di 60 minuti circa

Altro speciale che potere trovare su Rai Play è quello dedicato a un altro grandissimo artista, questa volta del Novecento, ovvero Pablo Piccasso. Più breve e agile rispetto alla serie dedicata a Caravaggio ma ugualmente interessante e ben fatte queste due puntate approfondiscono tutta la lunga e tortuosa vita artistica e personale del padre del Cubismo.

Douanier Rousseau. Un pittore nella giungla - 1 puntata di 52 minuti

Spesso classificato come un artista naïf, è stato uno dei precursori dell'arte moderna e ispirazione per molti artisti tra cui Picasso, Apollinaire, Delaunay, Kandinsky, Ernst e De Chirico. In questo film monografico a lui dedicato scoprirete cosa ha reso Rousseau uno degli artisti chiave nello sviluppo dell'arte del Novecento. Perfetto se non si ha molto tempo ma si è particolarmente curiosi!

Per ora ci sembra abbastanza. Ma siate curiosi che su Rai Play si trova davvero di tutto, anche cose davvero inaspettate. Nei prossimi giorni torniamo con altri suggerimenti e film dedicati o legati al mondo dell'arte che potete trovare sugli altri servizi di streaming che però, escluso You Tube, sono tutti a pagamento. Nel frattempo godetevi questi, e ricordatevi #iorestoacasa!

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L'arte in streaming: i documentari più belli, gratis su Rai Play - ArtsLife

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Art Night - 20 puntate da un'ora e mezza Art Night è un viaggio nell'arte in tutte le sue espressioni, dalla fotografia alla scultura fino all'architettura. Produzione Rai recente, la prima stagione è uscita quest'anno, condotta da Alessio Aversa che in ogni episodio incontra artisti ed esperti per farsi condurre alla scoperta di grandi artisti e movimenti: da Bansky a William Kentridge, da Marina Abramovic a Modigliani, passando per Rodin, Leoncillo e Tintoretto.