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(1789-)

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Anochecer en la Calle Karl Johan - E. Munch (1892)

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Anochecer en la Calle Karl Johan - E. Munch (1892)

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Esta obra de Munch se podría considerar expresionista debido a que se puede percibir una deformación de la realidad que se expresa a través de pinceladas bruscas, sueltas y rudas, en la deformidad de las figuras, los colores saturados, rostros cadavéricos que parecen tanto amenazantes y terroríficos como tristes y miserables.

Lara Cardozo

Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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- Expresionismo

- Podríamos considerar expresionista su obra porque utiliza una técnica dinámica de trazos sueltos y formas exageradamente onduladas, lo cual refleja el estado anímico de sorpresa, terror y angustia de la figura principal, la cual a su vez posee un aspecto cadavérico, lo cual es una constante en la iconografía expresionista.

- Leonardo Guardianelli

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Oleo sobre lienzo

Impresionismo
La atracción hacia la luz tomada directamente del natural es uno de los elementos determinantes de la pintura impresionista. El color blanco de los patos y de los vestidos anima la composición, mientras que el sombrero de color rojo se sitúa en el centro del lienzo para llamarnos la atención, recurso típicamente academicista, aunando así Mary Cassatt Impresionismo y academicismo en sus obras.

Alumno: Velozo Alberto Antonio
Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia
Imagen:
artehistoria.com

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Boats and boating--Equipment and supplies

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-Fauvismo

-La exaltación fuerte de colores primarios cómo el verde, rojo, amarillo y azul es importante, la figura es reconocible aunque la elección y disposición del color se hace de forma más instintiva e impulsiva, como la raya verde que cruza en medio de la figura en el retrato.
La figura es plana y pegada con el fondo, con notoria falta de profundidad y varios trazos espontáneos con pinceladas sueltas que resaltan el color con tonos más oscuros.

-Gonzalo Martínez

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Primeras películas realizadas por los hermanos Auguste y Louis Lumière.

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Mujer con sombrero - Henri Matisse (1905)

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Mujer con sombrero - Henri Matisse (1905)

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Fauvismo.
Óleo sobre lienzo.
La obra es del fauvismo por el hecho de hacer predominante a los colores, rompiendo con los tonos naturalistas empleados y trabajando con la exageración violenta de cambios de colores, haciendo a la obra mucho más expresiva.
La obra es figurativa, podemos reconocer a una mujer, un sombrero un bastón, entre otras cosas. Cuenta con una textura visual y táctil. Es una obra plana, con luz homogénea.

-Braian Lopez. TDISM.

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Doris con cuello alto - Ernst Ludwig Kirchner (1906)

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Doris con cuello alto - Ernst Ludwig Kirchner (1906)

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Este movimiento pictórico se destaca por la exaltación de los colores (los utilizaron en su estado puro y de manera directa) con la idea de que la creación sucediera mediante el instinto creativo del artista.  No buscaban la representación naturalista, por ello las lineas y los colores tienen gestos de impulsividad. Con esto querían lograr pinturas que demuestren que estaban fuera del orden civilizatorio dominante.

Zane Antonella

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El río Sena en Chatou- Maurice Vlaminck (1906)

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El río Sena en Chatou- Maurice Vlaminck (1906)

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Óleo sobre lienzo.
Se considera parte del movimiento por la percepción de un uso cromático exaltado de colores primarios, destacándose en este caso el azul y el rojo combinados con blanco. La técnica de pinceladas sueltas y de manchas que le otorgan a los colores un cierto dinamismo, al igual que en la utilización de líneas curvas. Encontrándose también, dentro de las temáticas tratadas del Fauvismo, el paisaje.
Alumna: Cynthia Zamudio.
Carrera: Artes Combinadas.

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Le bonheur de vivre - Henri Matisse (1906)

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Le bonheur de vivre - Henri Matisse (1906)

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Esta obra se puede considerar como parte del FOUVISMO
Esto se explica, en primer lugar, en la aparente falta de mimesis que demuestra. El uso del color y la forma corresponden a una composición provocadora, se ven pinceladas sueltas y despreocupadas y la utilización de colores primarios y complementarios.  También se visualiza una temática social y falta de perspectiva, todas estas siendo características del Movimiento Fouvista.
MAURA NATACHA AYELÉN GUARIÉ - Lic. en Artes Combinadas.

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En esta obra de André Derain, se potencian los contrastes como así tambien, cada color, para que éste sobresalga, siendo esto algo muy caracteristico de esta vanguardia del S. XX, el Fauvismo.
Derain, además, se aleja de la representación realista de los colores y distorciona las formas y las perfectivas y, como ya sabemos, en esta vanguardia se busca un equilibrio general en la composición, mediante formas simples y colores saturados, proponiendonos una impresión visual firme y unificada.
Por ejemplo, vemos el aspecto despreocupado o salvaje de las pinceladas del agua (tambien propio de esta vanguardia) que, combinadas con otras pinceladas un poco menos iracundas, y con la variación de colores que no llegan a fusionarse, se genera un efecto de movimiento.

Pedraza Chamorro, Eugenia Aymará - TDISM

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The Turning Road, L'Estaque - André Derain (1906)

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The Turning Road, L'Estaque - André Derain (1906)

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Fauvismo

Esta obra pictórica de óleo sobre lienzo, exhibida en el museo de Bellas Artes de Huston, se puede considerar fauvista por sus colores vibrantes y el protagonismo que tienen, principalmente colores primarios y complementarios (naranja y azul / rojo y verde). Es además una representación de un paisaje, temática muy común en este movimiento, que, si bien lo representa, no se intenta plasmar la realidad tal cual es. Ya sea por las figuras un poco desproporcionadas y sin rasgos faciales o por el uso de colores simbólicos, en lugar de colores reales.

Gutiérrez, María Luz - Tec. en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso (1907)

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Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso (1907)

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Esta obra de Picasso se enmarca dentro del cubismo africano o protocubismo, perteneciente a la primera etapa exploratoria del movimiento ya que rompe con el concepto de espacio y perspectiva heredados del Renacimiento para establecer un nuevo espacio, en el cual no existe un único punto de vista sino múltiples. La obra de arte se reduce a una serie de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.

Fantin Salas, Eliana Ailen
Licenciatura en Artes - Tecnicatura

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The Death of Marat II - Edvard Munch (1907)

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The Death of Marat II - Edvard Munch (1907)

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En La muerte de Marat II, Munch se representa desnudo en la cama con la mano ensangrentada. La mujer desnuda tiene los rasgos faciales de Tula Larsen (ex esposa) mientras está de pie frente a la cama. La obra se basa en una situación vivida por el artista en una disputa con su ex esposa, en la cual un revólver estalla por accidente y hiere al artista en su mano izquierda, una situación que lo deja traumado y lo refleja en varias de sus obras. Con pinceladas verticales y horizontales el artista deja su sentimiento mas profundo en la obra. Esta forma de pintar espontánea y primitiva revela la agresión personal del artista hacia el motivo.

Juan Tomás Cuevas - TDISM -

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Como sabemos, el Fauvismo se caracteriza por el uso particular del color,  al cual los artistas de esta vanguardia separan de su propósito descriptivo, transformándolo en un componente autónomo y, que de alguna manera, se convierte en una forma de expresar las emociones y los sentimientos del pintor.
Así, en esta obra, los troncos de los árboles son casi verdes-azules, y el resto del paisaje se insinúan con manchas de color amarillo-naranja y, si bien los colores pueden llegar a ser "antinaturales", nos transportan a un atardecer de verano.

En esta pintura, Derain apela a lo instintivo, lo espontaneo, y utiliza largas pinceladas para dar forma a los árboles y el suelo de su paisaje.

Eugenia Aymará Pedraza Chamorro - Tec. en Diseño, Imagen, Sonido y Multimedia.

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Henri Matisse - La Habitación Roja (1908)

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Henri Matisse - La Habitación Roja (1908)

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-FAUVISMO
-Considerada la primera vanguardia exploran colores de uso simbólico, utilizando tonalidades muy saturadas y puras, resaltando y plasmando el contenido expresivo. Matisse rompe con los indicadores de espacio como la perspectiva, la luz, etc, y utiliza colores pregnantes generando mayor contraste (Ejemplo: la habitación roja con la ventana y el paisaje verde). Definiendo también como característica la poca definición y desprolijidad de los trazos

Aguirre Francisco Valentin - Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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La Danse - Henri Matisse (Francia, 1909)

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La Danse - Henri Matisse (Francia, 1909)

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Obra a cargo de Matisse, quién pinta uno de sus temas fetiche: el regreso a la mítica Edad de Oro, donde los seres humanos éramos felices bailando y cantando sin preocupaciones. Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 260 cm de alto por 389 cm de ancho.

Se puede ver su fascinación de por el arte primitivo, y consigue a la perfección su objetivo de transmitir el dinamismo de la danza.
El artista simplifica las formas y satura los colores, que son tan intensos que llaman la atención. Es uno de los rasgos característicos del pintor: el uso libre del color, además de ese vigor expresivo.
Matisse fue una de las cabezas visibles del Fauvismo. (Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimiento. Era gente inconformista, que como todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica.)

Posadas Keila
Tecnicatura en diseño de imagen, sonido y multimedia.

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Georges Braque - “Violín y jarra” 1909-1910

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Georges Braque - “Violín y jarra” 1909-1910

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En 1907, el pintor Georges Braque conoció a Picasso y se sintió atraído por las pinturas que vio en su estudio. Especialmente la pintura titulada "Las señoritas de avignon". Ese mismo año se celebró en París una exposición retrospectiva de las obras del artista Paul Cézanne, que ambos pintores admiraron. Estos dos eventos impulsaron a Braque y Picasso a colaborar, y entre los dos inventaron el cubismo analítico. En los cuadros cubistas, la perspectiva tradicional ha desaparecido. Trata las formas naturales a través de figuras geométricas, líneas discontinuas y superficies.

Cardozo Juan Angel
Tecnicatura en Diseño de Imagen Multimedia y Sonido

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La città che sale - Umberto Boccioni (1910)

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La città che sale - Umberto Boccioni (1910)

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Esta obra pertenece al artista Umberto Boccioni (pintor, escultor y principal exponente del futurismo) la técnica es óleo sobre lienzo. La città che sale se ubica dentro de la primera etapa de la corriente de vanguardia futurista.

Dicho movimiento está caracterizado por el rechazo del pasado y la sobrevaloración de la modernidad, el modernismo y la industrialización.

Esta obra está considerada dentro del movimiento futurista debido a que su temática, la cual intenta representar ese dinamismo exacerbado de la vida metropolitana moderna. como tambien por las técnicas implementadas, destacando la utilización del trazo de manera simbólica  y el simultaneismo ( con la intención de plasmar el movimiento y el dinamismo en la obra)  .

Leonardo Javier Scoffield Gnaedinger
Tecnicatura en diseño imagen, sonido y multimedia

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Esta obra se denomina Mujer con Mandolina y pertenece al pintor Pablo Picaso. Es de 1910 y la técnica es óleo sobre lienzo. Se puede ubicar dentro del Cubismo, uno de los movimientos  de vanguardia del siglo XX. Se desarrolló entre los años  1907 - 1914

Este movimiento cubista establece una auténtica ruptura con el arte occidental, por ejemplo distanciándose de la representación naturalista. Se caracteriza además por la superposición de planos y la incorporación de técnicas no pictoricas.
Gecheff Analia Lic. en Gestion y Desarrollo Cultural

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- Expresionismo

- Podemos considerar  esta obra como expresionista ya que la técnica que utilizo es de trazos rápidos y descuidados, con esto Munch representa al peligro y  el miedo, sentimientos constantes en nuestra mente.
Los colores que tiene la figura principal son fuertes y sombríos además de que sus facciones fueron borradas y deformadas por una masa verdosa lo que amplifica lo amenazador de la figura.

Rodriguez Fátima Evelin

Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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El funeral del Anarquista - Galli (1910-1911)

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El funeral del Anarquista - Galli (1910-1911)

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Es una obra que podemos decir que perteneció al futurismo, tiene una ruptura a la tradición estética del siglo XIX con las líneas pronunciadas, generando dinamismo y movimiento en el espacio, como así también sugiriendo una cuarta dimensión. La obra busca como plasmar   la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático.

Medina Pedro Rafael
Técnicatura en diseño de imagen, sonido y Multimedia .
Fadycc - UNNE

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Retrato de Ambroise Vollard - Pablo Picasso (1910)

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Retrato de Ambroise Vollard - Pablo Picasso (1910)

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Óleo sobre lienzo.
En esta obra el autor predomina los colores cromáticos sobrios, grises y ocres descomponiendo el objeto con la noción de tercera dimensión. Asimismo, entra en juego el factor tiempo (moviéndose en torno al objeto), eliminando un único punto de fuga rompiendo con lo canónico en lo pictórico. Esto genera un funcionamiento interno en el cuadro en esos movimientos perspectivos plasmados en figuras geométricas.

Antonella Eber Romero - Lic. en Gestión y Desarrollo Cultural.

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Co-fundador del Jinete Azul, uno de los movimientos artísticos que definieron el Expresionismo, Franz Marc tomó inspiración del uso del color simbóllico de Wassily Kandinsky en "La vaca amarilla" (donde el amarillo representa "la alegría y femeinidad", el azul "la masculinidad y espiritualidad", y el rojo "la tierra") para crear una pintura que si bien podría definirse como figurativa, ya que se identifican formas como las montañas y el animal, no busca representar objetivamente la realidad, sino una mirada subjetiva y personal de la misma. Este uso del simbolismo para evocar conceptos abstractos, los colores vivos y el contraste que crean entre sí, y los ángulos distorsionados de las figuras y el fondo son los que caracterizan a esta obra como parte del movimiento expresionista.

Nicole Levit Casadei - Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Forma parte de una serie de cuadros dedicados a tribunales, payasos y prostitutas.

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Clown tragique - Georges Henri Rouault (1911)

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Clown tragique - Georges Henri Rouault (1911)

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- Expresionismo

- Podemos considerar esta obra como parte del Expresionismo debido a:

- El uso de los colores contrastados (rojo y verde). Además de ser más oscuros y menos saturados.
- Los trazos marcados que acentúan la figura del payaso, pero que sin embargo no buscan imitar a la apariencia de uno real. Presentando al mismo con una forma más lúgubre en vez de algo alegre o colorido, con una mirada que nos emite a una emoción de disgusto o sufrimiento.
- Esto es porque el artista representa una subjetividad que puede ser considerada como una crítica social y moral.

Escobar Gerardo Julián - Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Fue una de las primeras obras en las que el artista aborda la situación política, ya que presenciaban huelgas, disturbios y injusticias sociales. En la rebelión su tema no es la situación social sino el potencial de la fuerza proletaria y la erupción de la violencia.
En ella solo distinguimos figuras geométricas. Y se recurría con frecuencia a la superposición de figuras geométricas representadas en los colores complementarios o primarios. Los colores vivos y llamativamente tratados originan un contenido agresivo. El rojo y azul producen el contraste cromático mas fuerte que se acentúa mas con el amarillo que aparece.

Mailén L. Santágata - Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Dos Gatos, Azul y Amarillo - Franz Marc - 1912

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Dos Gatos, Azul y Amarillo - Franz Marc - 1912

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Esta obra pertenece a Franz Marc, uno de los fundadores del "Jinete Azul " que fue el comienzo del expresionismo alemán
Marc tenia fascinación en pintar animales sobre todo los de su entorno.
En esta obra, como en muchas otras, vemos que utiliza los tres colores primarios, rojo, azul y amarillo colocados en el lienzo de de forma que no represente los verederos colores de los animales si no como estos se sentían en su estado mas puro y acorde a sentimientos que causaban.
En cuanto a la composición y estructura tampoco refleja la realidad, ya que no logra identificarse en el fondo una perspectiva coherente

María Celeste Lovato Carrazan{.
Tecnicatura en diseño de imagen, sonido y multimedia

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"Materia" pertenece al movimiento del futurismo por destacar las premisas de la intención de representar el movimiento en si mismo y no una persona u objeto que simplemente se mueven; la eliminación del concepto tradicional de espacio y la relación que mantienen los objetos, los entes, en ese nuevo espacio, como se alimentan entre ellos, como dialogan. "Materia" cumple con estos tres principios.
Almiron Pablo Nahuel (Tecnicatura en diseño de imagen, sonido y multimedia)

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Muchacha corriendo en una galería (Giocomo Balla)

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El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla. Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.

Castellano Gabriela
Historia de las Artes en Argentina y el Nea.
Tecnicatura en diseño de imagen, sonido y multimedia.

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"Dinamismo de un perro con correa" de Giacomo Balla (1912)

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"Dinamismo de un perro con correa" de Giacomo Balla (1912)

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La obra en cuestión es un óleo sobre lienzo creada por Giacomo Balla, uno de los principales exponentes del movimiento futurista, en la Galería de arte Albright–Knox , Nueva York. Considero que forma parte de dicho movimiento debido a su temática (la ciudad (reconocible debido a la vestimenta de la mujer y la domesticación del animal, común en las zonas urbanas) y la figura humana con su respectivo movimiento), la utilización del sistema formal del simultaneísmo (repetición de imágenes superpuestas de una forma para dar la sensación de movimiento), visible en los pies de la persona y el perro, además del hecho de que el año de publicación coincide con la época en que se llevo a cabo el movimiento (1910, con su creación a partir del "Manifiesto Futurista", y su declive a partir de 1914, con la Primera Guerra Mundial).

Ignacio Melzner
Licenciatura en Artes Combinadas

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Las Manos Del  Violinista – Giacomo Balla (1912)

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Las Manos Del  Violinista – Giacomo Balla (1912)

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Esta obra pertenece a la vanguardia El Futurismo, creada por uno de los exponentes Giacomo Balla, hecha con óleo sobre lienzo. Todas las obras futuristas tienen quieren mostrar el movimiento, el cambio, la transformación, que alude al progreso. A simple vista la pintura da una sensación de movimiento y velocidad, que fue logrado por la técnica del Simultaneísmo, ya que las manos y el instrumento musical se repiten de manera superpuesta. Los colores que se utilizan en la pintura futurista son variados, visos y contrastados, para aumentar esa sensación dinámica, así como esta obra que posee cambios cromáticos que acentúan este objetivo.

Romero Espinosa José Marcelo – Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Cubismo

Juan Gris es uno de los mayores exponentes del cubismo. "Cuchillos y botellas" está dentro del tiempo histórico perteneciente al cubismo, que tiene su origen en 1907 con "Las señoritas de la calle Avinyó" de Picasso.

En el mismo sentido, en la obra se puede apreciar algunas de las características de dicha vanguardia, como ser: la ruptura de  la mimesis con la realidad, aun cuando se representan elementos cotidianos; la composición geométrica de las figuras con los trazos diagonales que fragmentan la obra; la distorsión figurativa de los elementos, que se pueden distinguir mediante su título; la eliminación de la perspectiva lineal; el uso del color monocromático, donde predomina el gris.

Zenon Oliva - Tecnicatura en Diseño de imagen, sonido y multimedia

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Fruit Dish and Glass - Georges Braque (1912)

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Fruit Dish and Glass - Georges Braque (1912)

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Georges Braque es, junto con Pablo Picasso uno de los creadores del movimiento de vanguardia mas popularizado como es el Cubismo. Si bien este movimiento inicia en 1907, su periodo mas popular es el Cubismo Analítico (1909-1912) que descomponía la realidad hasta el punto irreconocible, dejándose llevar por mostrar la simultaneidad de los distintos puntos de vista sobre un objeto, seguido por el Cubismo Sintético, que incorporó el uso de palabras y números, así como la técnica del Collage, de lo que esta obra es un ejemplo. Braque es considerado el Padre del Collage, siendo "copiado" muchas veces por su amigo Picasso.
En esta obra podemos observar el uso de materiales superpuestos, simulando madera, con bosquejos de fruta o letras.
El Collage cubista de Braque incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos encontrados que el pintor fue incorporando al lienzo como un pigmento más.
Yaci Deniz - Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Esta obra presenta un nivel bajo de iconicidad ya que lleva un pequeño esfuerzo identificar que la figura de la composición podría tratarse de una guitarra y a ésta se la reconstruye desde fragmentos inconexos (el mástil por un lado, las mitades de la caja por otro). Presenta ritmo formal asimétrico y ritmo cromático, generando la repetición de colores. El cubismo sintético incorpora la técnica de collage, colocando parte física del objeto en cuestión, en la composición. En esta obra Picasso pega la portada de El Diluvio, un periódico republicano y contemporáneo de Barcelona (España), en dos fragmentos: aquí está presente la idea de vida en la gran ciudad, y la vida del hombre moderno, cosmopolita.
Segun Castelary el cubismo crea una pintura profundamente intelectualista, porque plasma las cosas no como las vemos, sino como las pensamos, mediante una compleja geometría de difícil lectura para el espectador, acostumbrado a una interpretación del arte a partir de los sentidos.

Mariano Farid Esquivel
Tec. en diseño imagen, sonido y multimedia - Lic. en Artes Combinadas.

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La obra Motociclista, sólido con velocidad. Fortunato Depero, (1913 - 1950).

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La obra Motociclista, sólido con velocidad. Fortunato Depero, (1913 - 1950).

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La obra Motociclista, sólido con velocidad corresponde al movimiento futurismo italiano y expresa con sus características plásticas compositivas, mediante la utilización de las formas y los colores para generar un ritmo visual que nos declaran velocidad, movimiento, vibración, impulso, pasión, audacia, energía, juventud, proyectando de esta manera el futurismo.

Borda Carolina Noemí

Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Motociclista, sólido con velocidad (1927)

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Llorando desnuda - Edvard Munch (1913-1914)

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Llorando desnuda - Edvard Munch (1913-1914)

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Llorando desnuda es una obra maestra del artista expresionista Edvard Munch en la que interpreta el horror y la angustia que puede atenazar al ser humano a través de una pincelada despreocupada y de gran trazado y la viveza e impacto de los fuertes colores. Y mientras la pincelada tiene una herencia clara de Cézanne y de Matisse, la expresividad es propia de Munch.
Tal marea de colores vívidos se expresa emotivamente acompañando el llanto de la mujer, que aunque no nos muestre su rostro, se puede percibir por medio de la expresividad de la pose.

Lourdes Benitez - TDISM

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-Cubismo

- El cubismo fue un movimiento artístico desarrollando entre 1907 y 1914 creado por Pablo Picasso y Georges Braque. Es una tendencia esencial que da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas.

Los cubistas se basan en la línea, intelecto y el orden, a su vez crean pinturas intelectuales porque no plasman  las cosas como las vemos, sino como las pensamos. Es considerado una de las primeras vanguardias que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, en cual en los cuadros desaparece la perspectiva tradicional. Los cubistas utilizaban la técnica del "collage" para realizar sus obras. Se eliminan los colores sugerentes que eran típicos en el impresionismo o en el fauvismo, en lugar de ello se utiliza los tonos pictóricos apagados, grises, verdes y marrones. Desde 1907 a 1912 practicaban el llamado cubismo analítico dónde los objetos se van descomponiendo en múltiples elementos geométricos con pobreza cromática. Entre 1913 y 1914 se inserta el Cubismo sintético construyendo un cuadro a base de formas y colores que se transforman en objetos introduciendo nuevos materiales plásticos.
Esta vanguardia se basaba en tres partes, la desconstrucción, abstracción de la realidad y la multiplicidad. El Cubismo también se representaba de diferentes maneras, George Braque con el collage, Pablo Picasso con lo figurativo, Marcel Duchamp con planos y fragmentos, y Fernand Leger con sombras a través de planos.
- Centrándonos en la obra de Juan Gris podemos ver que utilizo la técnica del collage con recortes de periódico o de revistas que contenían mensajes sobre el contexto sociopolítico y doble significado, declaraciones, opiniones y alusiones específicas hechas por el artista referente al contexto social. Gris corta y desplaza la etiqueta, transformando “Anisado” en “Visado”, debido a que él estaba de forma ilegal en París y no podía entrar a España, porque no había realizado el servicio militar obligatorio.

A su vez, se muestra la medalla de Madrid (Juan Gris), París (Braque) y abajo Badalona (origen catalán de Picasso).

- Lady Sara Vilaqui.
- Licenciatura en artes combinadas.

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La Novia Del Viento   de   Oskar Kokoschka (1914)

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La Novia Del Viento   de   Oskar Kokoschka (1914)

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Este cuadro está pintado con colores suaves y tiernos, donde predomina el azul, el color de la tristeza. El cuerpo de Alma muestra pinceladas suaves, como si fuese el único gesto de ternura que el autor dirigió hacia ella porque todo lo demás que hay está hecho a base de gestos bruscos. La armonía cromática está regida por los contrastes luminosos entre los rosas y amarillos con el azul predominante, del que hay un sinfín de variaciones. Aunque la composición parece a primera vista caótica, luego de observarla por un rato notamos que su estructura, a base de diagonales, delimita cinco grandes zonas en el cuadro. La expresividad de las pinceladas es el elemento plástico más impactante, pues se dirigen simultáneamente en todas direcciones. Es esta una pintura sublime y triste, muestra de los logros del expresionismo, encarnado aquí por Oskar Kokoschka, uno de sus mejores exponentes.
Guille,Lezcano--Licenciatura en Gestion Cultural

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Prismas eléctricos - Sonia Delaunay (1914)

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Prismas eléctricos - Sonia Delaunay (1914)

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El cubismo se caracteriza por romper con el realismo y la perspectiva lineal, intentando abordar objetos representados desde diferentes ángulos en simultaneo.

Sonia Delaunay obsesionada por la naturaleza de la luz, sobre todo por la distorsión que experimentaba la de las nuevas farolas al proyectarse en prismas y halos de la calle, pintó Prismas eléctricos, obra cuya luminosidad y colores vibrantes están subrayados mediante círculos rítmicos de luz que evocan movimiento y profundidad.

Mauro Ramírez
Lic. en Gestión y Desarrollo Cultural

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Donne in Postdamer Platz - Ernst Ludwing Kirchner - 1914

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Donne in Postdamer Platz - Ernst Ludwing Kirchner - 1914

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Este grabado del artista alemán es expresionista ya que observamos características del movimiento, como una iluminación propia de carácter heterogéneo que predomina, la deformación notable de las figuras alejadas de las proporciones reales, muestra una sociedad industrializada de la época mostrando el epicentro con esquinas afiladas e incómodas hacia el espectador demostrando un descontento con la civilización en la ciudad natal del autor Postdam como su título indica (la plaza de Postdam), junto con miradas inexpresivas de las personas retratadas carácter propio de la vanguardia.

David Meza Saucedo
Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Tren blindado en acción - Gino Severini (1915)

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Tren blindado en acción - Gino Severini (1915)

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Esta obra pertenece a la vanguardia Futurista. Al querer retratar el nuevo paisaje de guerra, el artista presenta a estos cinco soldados en el tren blindado, quienes disparan sus fusiles envueltos en humo que lo llena todo a su alrededor demostrando la violencia, la velocidad y  la energía con la que disparaban, mediante repeticiones, formas estridentes y punzantes. Aplicó recursos del cubismo en esta obra, pintada al óleo, para transmitir todo ese movimiento.

• Abalde Nielsen, Danila.
• Licenciatura en Artes Combinadas.

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¨Autorretrato como soldado¨ - E. Ludwig Kirchner(1915).

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¨Autorretrato como soldado¨ - E. Ludwig Kirchner(1915).

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- Expresionismo.

-Se puede considerar a esta pintura propia de la vanguardia Expresionista ya que nos presenta una exposición del lado más pesimista de la propia vida.

El momento histórico que se estaba atravesando (Primera Guerra Mundial). Reflejo en este movimiento sentimientos de ansiedad, miedo, terror, miseria, locura. Plasmando entonces cuestiones dramáticas de los sentimientos humanos.

Esta obra se caracteriza por el uso de colores fuertes, vibrante, representando a menudo lo irreal. No representa la realidad de una forma directa.
Además, posee rasgos fuertes y bien marcados, no demuestra gran linealidad en los contornos, sus formas se convierten en trazos geométricos casi irreconocibles.

Romero Galeano Elías.
Tecnicatura en Diseño de imagen, sonido y multimedia.

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Como un revolucionario empedernido, en 1915 Malevich presenta cuadros completamente abstractos y da inicio al suprematismo. Al explicar los orígenes de este nuevo movimiento, Malevich lo definió como algo separado del cubismo y afirmaría que la sensibilidad de la abstracción geométrica marcó la gloria suprema del desarrollo artístico, y que casi todo el arte producido antes del siglo 20 fue solo precursor de lo que él hacia. En el desarrollo histórico del suprematismo se reconocen tres etapas: la primera  negra, la segunda  multicolor y la tercera blanca. ''Suprematismo'' pertenece a la segunda etapa de este movimiento,  donde el artista diría que las únicas sensaciones que quedan son las de una energía cromática pura, articulada a través de bloques de color sólido. Poco a poco, estos bloques se resuelven en un ''cosmos de planetas y satélites geométricos que se mueven silenciosamente a través de la blancura del espacio, sujetos solo a las leyes de la gravedad cósmica, y forman combinaciones que se cruzan y chocan entre sí'', pero en última instancia son creaciones del propio Malevich, el resultado de su deseo de construir un  nuevo lenguaje.

Dilsizián, Tomás Gabriel. Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

les comparto este interesantisimo tour virtual de una exposición de Malevich en el museo de Málaga.

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METROPOLIS – GEORGE GROSZ (1917)

EXPRESIONISMO de la escuela de Berlín denominada “La Nueva Objetividad”

Esta obra fue creada en el epicentro mismo de la Primera Guerra Mundial,  retrata la vida en la ciudad de Berlín, plagada de detalles que demuestran el crecimiento y el apogeo de una gran ciudad.

Utilizando los recursos del cubismo y del futurismo, hace uso de perspectivas muy forzadas con un tono rojizo predominante en toda la obra; logra dejarnos su visión de una atmosfera turbia, casi apocalíptica, que se vivía en esos tiempos.

Marcada por la esquematización, la geometrización y abundancia de deformaciones, Grosz critica a la burguesía alemana mostrando la decadencia que se vive en las calles de su ciudad.

Jorge Eduardo Aldavez – Tecnicatura de Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Hombre con frutero - Pablo Picasso (1917)

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Hombre con frutero - Pablo Picasso (1917)

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Obra picassiana del denominado Cubismo Sintético, donde observamos la figura de un hombre conformada por configuraciones geométricas superpuestas. Cabe destacar que el frutero junto con la mano del personaje están tratadas de manera realista.
Es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, tiene el concepto de belleza, y las nuevas formas de observar la naturaleza.

Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante más destacado.
Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte.
El Cubismo Sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente estructurado y se potencian las partes más significativas, o las que se quiere resaltar, pero fue Braque fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar Papier Collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage.

Valle Juan Manuel (Tecnicatura)

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El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva

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Chagall tenía esa forma de mezclar lo geométrico y lo orgánico, creando esas pinturas que transmiten el optimismo de una infancia feliz, una infancia perpetua.
En esta obra podemos ver sus ecos: expresionismo, futurismo, fauvismo, cubismo… todo mezclado con su personalísimo estilo en la que se unen.

La pareja, vestida con sus mejores galas, está de picnic, pero de pronto Chagall se levanta y eleva a Bella como una bandera al viento.

Lencina, Ludmila Evelin
Tecn diseño de imagen, sonido y multimedia

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El Botellero obra que forma parte del Dadaísmo, donde esta palabra que no significa nada, y donde el dadaísmo es anti-arte, incluso anti-dada, el autor supo encontrar en sus ready-mades cierta libertad que en el impresionismo, fauvismo, cubismo no encontró, donde era su forma de reírse de todo, de todos y de el mismo, por eso el Botellero pertenece a esta vanguardia por que viene a destruir de forma graciosa e irónica para el artista todo lo ya existente.

Tomas D'Orazi
Tecnicatura en diseño de imagen, sonido y multimedia

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Composición en color B de Piet Mondrian (1917)

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Composición en color B de Piet Mondrian (1917)

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Composición en como B es una pintura al óleo realizada por el artista Piet Mondrian, donde se observan figuras geomáticas (en su mayoría cuadros, líneas y rectángulos) de colores, negros, azules, rojos y naranjas sobre un fondo blanco. La misma  pertenece al movimiento del Neoplasticismo iniciada en Holanda en 1917 por el mencionado artista Piet Mondrian y se caracteriza por regirse a partir de reglas matemáticas, simplificando la geometría, y excluyendo toda emoción a partir del uso predominante de líneas, cubos y planos.
Schaller Carolina Tecnicatura en Imagen, Sonido y Multimedia.

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Spirit-form transformation - Giacomo Balla (1918)

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Spirit-form transformation - Giacomo Balla (1918)

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Giacomo Balla realiza esta composición abstracta de figuras en movimiento direccionales con una conexión misteriosa entre lo terrenal y lo celestial, entre la mente del hombre y su alma. El método favorito del autor de intersecciones diagonales y líneas indica la reciprocidad de esta conexión. Algunos de los rayos descienden del cielo a la tierra, mientras que otros se precipitan hacia el espacio exterior, así mismo, enfatizan la concepción de velocidad de la estela de dichos rayos, las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad . El esquema de luces/rayos que aparecen desde el cielo da esa idea de control maquinico y de energía que plantea esta vanguardia, además de moderno.

Maximiliano Dajruch
Lic. en Artes Combinadas

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LHOOQ se traduce "ella tiene el trasero caliente" que pertenece a la vanguardia dadaísta ya que Duchamp se apropia de esta obra de arte intocable, y tan respetada, y decide colocarle un bigote y chivito a la Mona Lisa, a modo de protesta, e incluso le cambia el nombre.
Fue su forma de descontextualizar un objeto y hacerlo chistoso.

Castillo, Sol Macarena.
TDISM.

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"El Filósofo" de Emilio Pettorutti (1918)

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"El Filósofo" de Emilio Pettorutti (1918)

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Esta expresión artística deja en evidencia una clara corriente abstracta, apenas presentando la figura de lo que se presume ser un hombre construido a base de figuras rectilíneas. La misma está pintada con óleo sobre tela. La obra pertenece a la vanguardia cubista guiada a través de líneas diagonales y horizontales, cerradas y continuas. Con la abstracción y el cubismo aparecen dos rasgos importantes característicos del arte abstracto; la luz homogénea con un contraste gradual, y la superposición de las figuras que componen la obra, sin patrones específicos de aparición, con un ritmo oculto en ellas. Esta y otras obras alejadas del  naturalismo que imperaba todavía en la Argentina, obtenían gran éxito en Viena, Berlín, y más puntos en el continente europeo. Esto ayudó a resquebrajar cierto posicionamiento frente a las artes plásticas argentinas y mirar en pos de la renovación del lenguaje artístico de toda la región.

Schneider Soler, Lucca - Tec. Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Gran desnudo Tumbado: Amedeo Modigliani (1918- 1919) 

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Gran desnudo Tumbado: Amedeo Modigliani (1918- 1919) 

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Esta es una obra Pintada al oleo, sobre lienzo.
Es una de las obras mas reconocidas de Modigliani.
se destaca como expresionismo por su composición de colores, los colores son pocos: las tonalidades presentes son tierra roja y ocre, azules, negros y un poco de blanco. El ambiente está apenas trabajado, para mejor resaltar el cuerpo de la venus. Modigliani se sentía atraído a la temática tradicional italiana de hablar sobre las Venus. Esta obra "Desnudo acostado" o "Gran desnudo tumbado" y otros desnudos de la serie, fueron exhibidos en la primera y única exposición de Modigliani en París, tuvieron que ser retirados por ofensa a la decencia pública.

Peralta Soza Iriel- Tec. Diseño de imagen sonido y multimedia.

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"The Corn Poppy" de Kees van Dongen (1919)

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"The Corn Poppy" de Kees van Dongen (1919)

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Pertenece al Fauvismo, un movimiento artístico que tuvo origen en Francia en 1904, y se caracterizaba de salirse de la imitación de la realidad, mediante el uso de colores más fuertes y saturados. En el caso de esta pintura, la mujer tiene un rostro muy caricaturizado con ojos grandes y una nariz y labios pequeños. Aparte por la paleta de colores complementaria entre el rojo para el sombrero y marrón para el fondo, los cuales, al estar saturados contrastan con el blanco del abrigo de la mujer.

Bautista Correa - TDISM

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 El lejano Sur: la bella España, Grosz (1919)

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 El lejano Sur: la bella España, Grosz (1919)

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Esta obra pertenece al Expresionismo, que hasta 1930 estuvo bajo el concepto de Nueva Objetividad. Donde predomina la crítica a la burguesía alemana, y los temas son urbanos: guerra, mutilados, calles, prostitutas, etc.

Presenta características en acuarela tales como líneas de técnicas dibujísticas combinadas con manchas de colores vivos y un tanto osadas, recreando así, lo morboso, prohibido, sexual, pervertido etc. Juega con deformaciones en personajes y objetos dibujos caricaturescos hacia visiones urbanas apocalípticas y violentas con una politización, donde claramente critica a una sociedad en descomposición, con placeres fáciles como un cabaret. Grosz también fue adscripto al Movimiento Dada.

Altamirano Paolo Xavier (Tecnicatura)

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Juan Gris: Arlequín con guitarra. (1919)

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Juan Gris: Arlequín con guitarra. (1919)

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Periodo: Cubismo
Esta obra pertenece al Cubismo ya que podemos observar como desaparece la perspectiva tradicional, posee una perspectiva múltiple ya que se representan todas las partes de un objeto en un solo plano, en esta pintura podríamos observarlo en la mano de la persona, ya que no solo forma parte del cuerpo sino también de la guitarra que sostiene.
Otra de las características del cubismo es la falta de profundidad, pocos detalles y colores mas apagados que en las demás vanguardias como el Expresionismo o el Fauvismo, estas mismas también presentes en esta creación de Juan Gris.

Morel Julian - Tecnicatura en Diseño de Imagen Sonido y Multimedia

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"Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar" de Hannah Höch (1919)

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"Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar" de Hannah Höch (1919)

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En el momento donde Hannah Höch realizó esta obra, cuya vanguardia es Dadá, Alemania era llamado República Weimar. Tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, se produjo un período democrático pero de gran inestabilidad política y social, en el que se produjeron golpes de Estado derechistas e intentos revolucionarios izquierdistas. Höch buscaba caricaturizar el pretendido socialismo y lo vinculó con la liberación femenina. Es una de las piezas que apelan a la crítica social a partir del collage. La obra muestra la cara de hombres y mujeres, engranajes y herramientas industriales, ruedas y militares, estas cubren la mayor parte de la superficie con tonalidades amarillas y azules, en una combinación sepia, que connotan el tiempo y la historia pero sobre todo expresa al hombre sobrio y sin ningún tipo de emoción, esto se refuerza al denotar el engranaje en el centro de la obra. La obra expone la inestabilidad política, el ánimo de la sociedad en esta época, la decadencia respecto a la identidad y la derrota de la humanidad frente a la utilidad industrial.
Si se observa el hemisferio inferior derecho de la obra, encontramos lo que puede entenderse como el “mundo dadaísta” donde vemos distintos artistas de la vanguardia y, aún más, pegado a la esquina, un mapa con los países donde las mujeres tienen derecho a votar. Justo en el inferior superior derecho, vemos la imagen contraria, se puede ver a los líderes de la República Weimar, acompañados de la frase “Die anti dadaistische Bewegung” que se traduce a “El movimiento antidadaísta” y es que estos líderes se oponían a las corrientes artísticas que entraban en Alemania en ese entonces.

Schneider Soler, Lucca - Tec. Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Da Dandy -   Hannah Hoch  (1919)                                                        

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Da Dandy -   Hannah Hoch  (1919)                                                        

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Da Dandy es un fotomontaje realizado por la única integrante mujer del dadaísmo. Pertenece a esta vanguardia porque utiliza una técnica no tradicional para la época, siendo la ironía la característica de la temática de este collage. La imagen, al igual que tantas otras de esta artista trata la relación entre los sexos y el papel de la mujer en la sociedad moderna a través de un lenguaje espontáneo, humorístico e irracional .
Se puede observar en el fotomontaje el perfil de un hombre formado por imágenes de numerosas "mujeres modernas".

Daiana Elizabeth Ruiz Diaz- tecnicatura en diseño imagen sonido y multimedia

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EXPRESIONISMO NEUE SACHLICHKEIT (Nueva objetividad). 

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OTTO DIX. Inválidos de guerra jugando a las cartas. 1920. Constanza. Colección particular.

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OTTO DIX. Inválidos de guerra jugando a las cartas. 1920. Constanza. Colección particular.

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El grupo expresionista "neue sachlichkeit" (nueva objetividad) surgió en Alemania y prevaleció principalmente entre 1920 y 1933, fecha de la toma de poder de los nazis.
La "nueva objetividad" se trataba de una renovación en el ámbito artístico expresionista que con la entrada del conflicto bélico (1era guerra mundial) muchos artistas no pudieron seguir con su trayectoria. Este grupo era menos homogéneo que los anteriores momentos y con características de individualidad más acusada. Sus obras se distinguen por un marcado pesimismo, donde las temáticas frecuentadas toman como protagonista la indigencia de personas marginadas o la ironía hacia los  los estamentos principalmente militares. Los artistas distorsionan las apariencias para enfatizar lo feo, creando un arte crudo, provocativo y ásperamente satírico.

Con la llegada del régimen nazi, estas obras fueron consideradas “arte degenerado” por lo que se confiscaron y se destruyeron en su mayoría, a los artistas se les prohibió exponer e incluso pintar, por lo que muchos de ellos se exiliaron abocándose a otro estilo.
Entre los artistas destacados del expresionismo “nueva objetividad”  se encuentran : Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann, entre otros.

ALUMNO : ARAMAYO JOSÉ WAMAN
Tec. de Diseño de Imagen Sonido y Multimedia.

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Primavera Umbria- Gerardo Dottori- Futurismo- 1923

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Primavera Umbria- Gerardo Dottori- Futurismo- 1923

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Esta obra pertenecer al futurismo. En ella vemos un paisaje con las fundamentales características del futurismo como por ejemplo con la ruptura de la tradición estética del siglo  XIX mas en la forma la manear de retratar un paisaje.
Observamos lineas cerradas y circulares que dan la sensación de dinamismo y ritmo propio del movimiento futurista.
También vemos el uso de colores complementarios desde la parte media hasta la parte superior, con el usos de los verdes para retratar una pradera y el uso de azules para el cielo/firmamento.

ALUMNO: Marcos Rolon Bogado- Tec. Diseño de Imagen, sonido y multimedia.

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Movimiento  de vanguardia :cubismo En esta obra vemos a los músicos , en  superposición de planos, y podemos decir que pertenece a esta vanguardia la obra por que el artista representa a los Musicos utilizando figuras geométricas
Meza Clara Ximena -Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Los sobrevivientes - Käthe Kollwitz (1923)

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Los sobrevivientes - Käthe Kollwitz (1923)

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-Esta obra pertenece al Expresionismo y lo podemos confirmar por la temática utilizada donde se refleja la miseria humana y podemos comprender la visión de estas problemáticas de la artista. La representación no es realista sino más exagerada, como en el caso de los ojos negros y gestos tristes para enfatizar el sufrimiento.

-Flavia Marisol Fabregat

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El asesino amenazado - René Magritte (1926)

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El asesino amenazado - René Magritte (1926)

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Esta obra pertenece al movimiento surrealista, trabajada en oleo y lienzo, esta obra muestra dos hombres listos para asesinar al tercer hombre que escucha el gramófono.
Este movimiento se desarrolla en Europa influenciado por el Dadaísmo, y es reconocido por sus artes visuales y escrituras con toques inusuales, que desconcertaban y creaban criaturas de objetos cotidianos y desarrollando técnicas pictóricas que lograban desvelar el subconsciente.

-Mayorquin Francisco Emanuel

-Tecnicatura en Diseño de imagen, Sonido y Multimedia.

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La travesía difícil - René Magriette (1926)

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La travesía difícil - René Magriette (1926)

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Obra surrealista realizada en óleo, se observa como remplaza a la persona que observa las obras por un objeto (un poste).

Este movimiento comienza en 1924 en Francia, se caracterizaba por la representación de lo onírico y todo lo que sucedía en nuestro subconsciente.

Aguirre Franco Antonio

Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido Y multimedia

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Ohne Titel (Hartwig & Vogel)-Kurt Schwitters - (1926)

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Ohne Titel (Hartwig & Vogel)-Kurt Schwitters - (1926)

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V angardismo soviético/Dadaísmo
Schwitters concibe la propuesta de un arte total con la combinación de elementos fruto del azar que se ensamblan para formar un objeto de contemplación estética. Busca una reacción que supera el concepto tradicional del collage .Los papeles, la madera, etc., aparecen clavados, convirtiéndose en un elemento expresivo más que se relaciona a su vez con la vanguardia rusa plasmando la idea de "reconstruir lo nuevo a partir de los escombros" de aquellos objetos considerados residuos. Su obra conecta de nuevo con la sociedad a través de la introducción de restos banales e insignificantes, como los materiales de deshecho y la basura, objetos reales de los que se compone, como recortes de prensa o el envoltorio de un chocolate Hartwig & Vogel.
-Alejandro Galeano
Lic. Gestión y Desarrollo Cultural

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Esta obra pertenece al movimiento dadaísta porque utiliza técnicas de collages como herramienta y expresión para para su arte y críticas sociales, en este caso la autora, utiliza al matrimonio, en referencia el día mas feliz de sus vidas, donde la mujer es meramente  representada, con la cabeza de una niña mostrando así una interpretación de que las mujeres se casaban muy chicas  siendo así muy inocentes a la hora de matrimonio en cambia al hombre es   objeto de segundo plano, arriba de la novia se encuentran varios collages que hacen referencia a diferentes momentos que van llevar la vida matrimonial.

Jonathan Ezequiel Martinez Campos
Tecnicatura de Diseño Imagen Sonido y Multimedia

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Interior holandés No. 1 - Joan Miró  (1928)

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Interior holandés No. 1 - Joan Miró  (1928)

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Esta obra realizada en óleo sobre tela, pertenece al surrealismo. Tanto las proporciones, como la perspectiva general están distorsionadas y los muebles y objetos en signos pictóricos de una fuerte presencia que compiten con la figura principal, como protagonistas de un mundo que vive una vida propia, muy alejado del mundo representacional común, regido por la observación lúcida de la realidad. Incluso el paisaje que se deja ver por una ventana, a la izquierda, participa de esta escena onírica. Los colores, puros y vibrantes, son planos y no hay matices en ninguna parte.

Guerrero, Silvia Inés - TDISM

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Obra surrealista perteneciente al artista belgo René Magritte , trabajada con óleo, representa a dos personas extrañas o desconocidas besándose. A sus cabezas las cubre un manto húmedo, que representa para el autor el suicido de su madre, quien se sumergió y ahogo en un rio. Esta obra es una serie de cuatro cuadros.

De los artistas que forman al surrealismo, René se tira al lado de lo onírico, buscando retratar imágenes que generan un impacto.

“” Estos cuadros se caracterizan por los paisajes siniestros y misteriosos y por la presencia en todos ellos de una pareja con las cabezas tapadas por telas que llegan hasta los hombros. La mezcla de estos característicos elementos encajan con la afirmaciones que el artista dio en una conferencia en 1938 en las que decía que en sus obras de esta época pretendía dar al mundo real de los objetos un significado poético”” (https://es.wikipedia.org/wiki/Los_amantes_(Magritte))

Quizás la mayor característica de este autor a diferencia de sus pares de periodo, es que no le interesaba lo que la gente veía a simple vista, sino “las segundas intenciones” y mensajes ocultos de sus obras.
Aquiles Jalim Cura - TDISM

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El enigma del deseo - Salvador Dalí (1929)

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El enigma del deseo - Salvador Dalí (1929)

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Esta obra pertenece al surrealismo porque tiene una temática onírica, que el pintor se basa en sus sueños y el subconsciente para plasmar al lienzo,vemos objetos que no pertenecen específicamente a la figuración y tiene un carácter surreal.
Es una de las pocas obras donde Dalí hace una dedicatoria a su madre, en el cuadro se encuentra la palabra "mi madre" en francés, también hace referencia al lugar donde paso su niñez. el uso de objetos y símbolos en una estética surrelista acentúa algunas obsesiones del autor..

Almirón Gerardo Nahuel
Tecnicatura en Diseño, Imagen y multimedia

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- Expresionismo alemán

A principios del siglo XX, la sociedad alemana se presenta en un contexto trágico y caótico habiendo sido despojados de su libertad y autonomía; esta vanguardia surgió como forma de “reflejar la esencia del sujeto contemporáneo” con inclinación a una perspectiva negativa, utilizando en esta obra por ejemplo, colores fuertes y vibrantes (o en caso contrario, colores desaturados y patéticos), la aplicación de una perspectiva no-natural; el uso y exposición de temáticas provocadoras como la enfermedad, la muerte o la culpa; el rechazo a lo idealizado y bello como fin para una obra artística, utilizando en consecuencia la deformación de la figura humana para exaltar sentimientos como el terror, la decepción, la miseria, la angustia y la soledad.

-Martina Kendik (Tec. Diseño de Imagen Sonido y Multimedia)

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Persistencia de la memoria-Salvador Dalí(1931)

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Persistencia de la memoria-Salvador Dalí(1931)

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El surrealismo surge de la mano del escritor André Breton con su “manifiesto surrealista” y inspirados por el dadaísmo, busca  mostrar a través de estas representaciones pictóricas  el mundo de los sueños y la parte de la mente de sus autores  conocida como subconsciente  .

En esta obra “Persistencia de la Memoria” de Salvador Dalí muestra las características principales del surrealismo como son una estética bizarra que se aleja de cualquier parecido con la realidad, que tiene el objetivo de exhibir lo interno o interpretar los sueños  propios  en este caso de  Dalí. Esto se ve en los relojes frágiles o goteando como también un cronómetro compuesto de hormigas .Otra característica de esta vanguardia visto en la obra es el caos cromático siendo los colores gastados como muy poca variedad como muestra de lo borroso que pueden ser los sueños .

Salvador no tenía intención de representar la realidad con exactitud sino usar la fantasía y lo bizarro como una forma de interpretar los conocimientos de la mente que poco se sabe o se ve. Una posible interpretación  que expresa la obra es de la fragilidad del tiempo y de los recuerdos, que al pasar las horas perdemos las memorias o momentos que creamos tener en nuestras mente . Un mensaje muy fuerte y apoyado con la teoría del subconsciente de  Sigmund Freud sobre psicoanálisis . Con esta pintura, Dalí se volvería uno de los exponentes y representantes  más importantes de la vanguardia surrealista.
Pineda Carlos Ramirez
Tecnicatura.

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Salvador Dalí - La Persistencia de la Memoria (1931)

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Salvador Dalí - La Persistencia de la Memoria (1931)

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La persistencia de la memoria, conocido también como los relojes blandos o los relojes derretidos, pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del oleo sobre lienzo, es de estilo surrealista. Los relojes que se derriten representan el tiempo que transcurre de manera diferente. Al contrario de los relojes comunes, que marcan con precisión el paso de los segundos, sus punteros están derretidos y sugieren una noción distorsionada de los segundos. El único reloj que no está deformado es el que está volteado hacia abajo y tiene hormigas sobre él, como símbolo de putrefacción en sus obras. Esto muestra cómo este objeto cotidiano es despreciado por el pintor bajo la mirada surrealista.

Facundo Almiron Kosman - Tecnicatura en diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Esta obra pertenece al Surrealismo, en una época donde se cuestionaba si la fotografía era un arte o no, este autor demostró que lo era con esta obra y muchas más.
Las lágrimas estáticas representan una emoción congelada, tan irreales como expresivas.

Ivanna Tevez Canteros - TDISM

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Joan Miró - Naturaleza Muerta del Zapato Viejo (1937)

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Joan Miró - Naturaleza Muerta del Zapato Viejo (1937)

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Para comprender la obra es necesario situarla en su contexto, que es, la angustia provocada por la Guerra Civil Española. Esta obra es una Guernica de Miró realizada en óleo, reproduce la sensación de angustia, de dolor, de pánico que se estaba viviendo, esa sanción se intensifica por una luz nocturna irreal, agobiante, represora. Los objetos elegidos son muy sencillos y simples, y están tratados con esa sencillez y simpleza que caracteriza al pintor, pero adquieren un carácter simbólico, para ello distorsiona el zapato que se hace enorme y el tenedor descomunal, la botella parece vigilar la escena, una botella envuelta en papel, una manzana y un trozo de pan con un tenedor clavado muestran una marcada adherencia a la realidad. Resultando catastrófica. La rabia y el sentimiento de pérdida lo invaden en el momento en que ve amenazados los valores de la libertad y la paz. Con sus contornos rodeados de un halo luminoso, casi incandescente, los objetos destacan ante un fondo en el que predominan los tonos oscuros, en una relación dialéctica entre luz y tinieblas.

Fernández Enzo Martín - tecnicatura en diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Cisnes Reflejando Elefantes- Salvador Dalí (1937)

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Cisnes Reflejando Elefantes- Salvador Dalí (1937)

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-Surrealismo
-Es una de las imágenes dobles que muestra precisamente lo que dice en su título. Son cisnes reflejando paquidermos en un paisaje desértico y soleado. Es el típico paisaje catalán de Portlligat (Cadaqués) que el autor representó a lo largo de su vida. El lienzo también incluye a la izquierda la imagen de un hombre, de pie, dando la espalda al centro de la composición. En las nubes juega también a las dobles imágenes, y las asemeja a esculturas clásicas desdibujadas.
-Belozo Godoy Lara. Lic. en Gestión y Desarrollo Cultural

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La pintura está hecha con óleo sobre tela, pertenece al surrealismo al que radicaba en transformar las figuras que se conocen para adquirir un efecto polisémico integrando objetos interconectado creando dinamismo y espontaneidad las obras en general de esta vanguardia tenían una temática onírica, mostrando la irrealidad e irracionalidad de tal forma que cada mirada sostenga su propio criterio. En esta obra conseguimos ver a un caballero que aparentemente por la denominación de su título el escupitajo puede corresponder a que fomenta la humillación burguesa o la jerarquía, y como esta significación pueden haber muchas a su interpretación. Esta propuesta estética conllevado por Dalí, a la que denominó método paranoico-crítico que consistía en que el espectador atravesara distintas perspectivas de cada objeto sobrepuesto muchas veces.

Rojas Escobar Rosmari Alejandrina – Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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Es una pintura realizada por Picasso que buscó expresar la tristeza y desesperación que se vivió durante los momentos más duros de la guerra civil española, al ser cubista carece de perspectiva y se juega con la geometrización de la forma, haciendo uso de ella para transmitir la emoción más fuerte posible.

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El toisón de oro - Wolfgang Paalen (1937)

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El toisón de oro - Wolfgang Paalen (1937)

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- Surrealismo
- Esta obra es surrealista porque claramente contiene elementos oníricos y también que parecen sacados del subconsciente. Esta vanguardia tiene como una de las bases los conceptos del subconsciente de Sigmund Freud, y esta obra en particular trata el tema de "Tótem y Tabú" (libro de Freud), La figura es tan incómoda porque tiene sus raíces en aquel concepto psicoanalítico del dios-padre —de ahí el tótem—, con el que el hijo tiene que luchar para sacar adelante su propia sexualidad —y ahí el tabú—. Paalen logra representar muy bien la conjunción molesta entre ambas concepciones freudianas, y le basta solamente la mirada del personaje para condensar estos dos conceptos tan apócrifos, tan inconvenientes, tan contundentes —como la mirada de una mariposa.

-Yamila Palacios, Tecnicatura en Diseño de Imagen Sonido y Multimedia

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Obra perteneciente a la vanguardia surrealista, realizada en oleo.

Esta obra observamos un bestia de forma muy extraña creada a partir de diferentes criaturas, en ella el autor representa ideas políticas de como llegan a cada país, cada hogar para el pueblo, al que se le ofrece la idea de salvaguarda, de protección de los derechos y libertades, aunque al final se convierte en un monstruo que todo lo devora, que todo lo destruye.

El surrealismo se caracterizaba por representar las cosas como suceden en el subconsciente, de lo onírica, decían ser como autómatas a la hora de realizar sus obras.

-Aguirre Franco Antonio

-Tecnicatura en Diseño de Imagen, sonido y Multimedia

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Salvador Dalí - Aparición de un rostro y un frutero en la playa (1938)

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Salvador Dalí - Aparición de un rostro y un frutero en la playa (1938)

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Óleo sobre lienzo.
Esta obra se considera parte de este movimiento porque, el autor para generar esta obra, ideo un método típico del surrealismo, bautizándola bajo el nombre de Paranoico-Critico, que consistía en mirar durante mucho rato seguido una serie de objetos hasta que lograba ver en ellos otras formas distintas.
En esta playa de arena blanca, se ve una mujer sentada de espaldas, que por arte de magia se convierte en la nariz, boca y barbilla de un gran rostro fantasmagórico que flota en mitad del lienzo, a lo cual frente y cabello se transforman en un frutero lleno de peras, que a su vez forma parte del cuerpo de un perro enorme de perfil, mientras que el collar es un puente, su cabeza, unas colinas y su ojo, una cueva.

Alumno: Recalde Britez Gabriel.

Carrera: Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Woman Seated on a Naked Man (Femme assise sur un homme nu) Leonor Fini 1942 

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Woman Seated on a Naked Man (Femme assise sur un homme nu) Leonor Fini 1942 

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Óleo sobre lienzo.
Esta obra es considerada parte del movimiento surrealista, esta artista Argentina es una de las grandes artistas del siglo XX.
Leonor Fini con el surrealismo encuentra la manera de desnaturalizar lo masculino entre lo femenino. Muestra como los hombres aparecen por primera vez como objeto de deseo, figuras sensuales bellas, que no esconden su feminidad y muestra a las mujeres en cambio, se convierten en diosas y heroínas que expresa su sexualidad libremente (como lo hacia ella).
Y dejan de ser la figura débil que busca el hombre.

-Gimenez Camila María Pía.
-Tec en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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La Tentación de San Antonio. Salvador Dalí - (1946)

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La Tentación de San Antonio. Salvador Dalí - (1946)

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Obra perteneciente al movimiento de vanguardia o corriente artística Surrealismo. Esta obra se considera, como parte del movimiento Surrealista porque es una de las obras más representativas de este movimiento; está pintada con una técnica al óleo sobre lienzo, con formas figurativas, que predominan los colores cálidos en el desierto y en el centro (la tentación), suave brillo del sol y cielo azul claro. La profundidad espacial se logra por la posición en el plano de la imagen (San Antonio) arrodillado. Segundo plano más elevado (la tentación) y un tercer plano el cielo, un elefante y las nubes. La obra representa a lo religioso; San Antonio que está arrodillado sosteniendo una cruz para protegerse del desfile de la tentación. En la pintura podemos notar el nivel de la perfección técnica que Dalí pintó en su sentido onírico, mostrando la provocación, en la obra.

Alumna. Gabriela, Fleitas
Tecnicatura en Diseño de imagen, sonido y multimedia

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Esta obra pertenece a la vanguardia surrealista, esta pintada con oleo sobre fibra dura.

Las obras surrealistas surgen como expresion del subconsciente y contienen elementos que van mas alla de la realidad.

Frida Kahlo quiso representar el dolor emocional y fisico por el cual estaba atravesando luego de haberse sometido a una operacion de columna que fracaso, para representar esto se observan muchos simbolos utilizados por ella, por ejemplo el retrato de su rostro combinado con el cuerpo del venado, tambien todas las flechas sobre el cuerpo de este y el bosque de arboles secos en el cual se encontraba, transmitiendo asi su sentimientos de desesperanza.

Alumna: Esquivel Gomez Coboc Valentina
Tecnicatura en Diseño de Imagen, sonido y multimedia

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El Mundo de Cristina -Andrew Wyeth (1948)

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El Mundo de Cristina -Andrew Wyeth (1948)

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-Realismo
-Pese a todas las innovaciones, no desaparece la tendencia realista, imitadora de la realidad y Andrew Wyeth es un gran representante de ello. En este “Mundo de Cristina” nos recrea un ambiente inquietante sobre la realidad del ser humano y sus temores. La chica paralítica, Cristina, vecina del pintor, está echada sobre la hierba tratando de arrastrarse hasta su casa, muy lejana al fondo. La técnica de la tempera (pigmentos mezclados con huevo) aporta un suave acabado al cuadro y un eficaz realismo.

-Lezcano ,Guille. Lic. en Gestion y Desarrollo Cultural

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Obra perteneciente al movimiento surrealista, siendo que se trata de una representación fantasmagórica y distorsionada de la realidad. Las piernas de los elefantes son delgadas y frágiles (arácnidas) en contraposición del peso que tienen y llevan, que a su vez cargan con algo que podría representar al poder. El fondo es desértico y vacío de contenido.

Alumna: Blanco, Melisa Noemí
Lic. en artes combinadas

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Galatea de las Esferas - Salvador Dali (1952)

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Galatea de las Esferas - Salvador Dali (1952)

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Pertenece al movimiento surrealista. La obra muestra un busto de Gala (esposa y musa de Salvador) compuesto por una matriz de esferas aparentemente suspendidas en el espacio. Esta obra, como muchas obras de este artista y de esta vanguardia, tienen una atmosfera onírica que intenta expresar el subconsciente.

Alumno: Moreira Alan Mateo
Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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La habitación para escuchar - René Magritte (1952)

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La habitación para escuchar - René Magritte (1952)

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Surrealismo: Está pintada con una técnica al óleo sobre lienzo y como la mayoría de las obras surrealistas poseen un universo onírico de las imágenes, donde en este caso, Magritte nos muestra una manzana encerrada en una habitación como su inspiración.

Tomando las pinturas de manzanas como la personalidad marcada en Magritte, y dejando como enigmas lo que Magritte quiere expresar con esas pinturas surrealistas. Desde mi punto de vista, logro interpretar que la manzana gigante ocupa nuestro pensamiento y está encerrada en una habitación. Significando así que el alimento (la manzana) es ahora parte de nuestro pensamiento (pensamiento que solo se oye en nuestra mente).

"Kempe Gonzalez Cabañas Gustavo"

Tecnicatura En diseño de imagen, sonido y multimedia.

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Esta obra pertenece al surrealismo debido a que el surrealismo realizaba obras inspirándose en el inconsciente, los sueños y las teorías y postulados de la psicología de su tiempo; siendo Freud una fuente inagotable de inspiración, también se buscaba deformar la realidad, agarrar elementos del mundo real y colocarlos en lugares extraños a la hora de representarlos en pinturas, cosa que ocurre en esta obra, también, en lo referente al artista y su obra, se puede observar el método paranoico-critico en funcionamiento, es decir, la repetición entre distintas obras de uno o varios elementos comunes, uno de los elementos comunes en la obra de René Magritte es un hombre con traje y sombrero, que se puede observar tanto en esta obra como en su posterior y famosa "El Hijo del Hombre".

Alumno: Juan Orlando Turbay.
Carrera: Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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Pintada al Oleo y considerada como una de las pinturas mas caras en la historia del arte; esta obra de Pablo Picasso perteneciente al Cubismo es representada a través de la naturaleza plana o bidimensional del lienzo y rechazar la tridimensionalidad de los objetos o personajes utilizados. para ser visto en su totalidad desde todos sus ángulos. Esta obra también se caracteriza por poseer un manejo "explosivo" de los colores, combinando tanto los cálidos como fríos y resaltándolos en cuanto a su tonalidad y cantidad.

Murad, Lucas Gabriel - Tecnicatura en Diseño de Arte, Sonido y Multimedia

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La Creación de las Aves - Remedios Varo (1957)Oleo - Surrealismo 

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La Creación de las Aves - Remedios Varo (1957)Oleo - Surrealismo 

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Algo destacable en sus obras es el manejo perfecto de la técnica, era muy parecida a las que usaban en el renacimiento, hacia un dibujo del mismo tamaño que la obra original. Es por eso que sus pinturas tienen esa medición matemática. Muchos de sus dibujos están basados en la perspectiva cónica.
En las obras de Remedios Varo se puede fuertes influencias del Greco, del Bosco o de Goya hasta llegar a conseguir un estilo propio. Otras de las cosas que sobresale en sus pinturas son la cantidad de símbolos que utiliza, la cantidad de lecturas que se le pueden dar a sus obras.
Es por eso que en “La Creación de las Aves”, está cargado de surrealismo, simbolismo y fantasía de una manera extraña, como la mayoría de sus obras. Una mujer lechuza (muy común en sus trabajos) que hace uso de la ciencia y la magia para crear aves, vida. Los colores que va poniendo con su pincel salen de un recipiente extraño al parecer de cristal transformándose en colores primarios. Ese pincel está conectado a un violín que cuelga de su cuello. Por la ventana entra una luz nocturna que se divide al pasar por un prisma dando vida a sus creaciones.
Esto claramente podría ser una alegoría al artista en sí, dando vida a la obra representada por los pájaros y los que vuelan dan a entender que una vez terminada la obra de volar, ser libre, encontrar a su público.

Giménez Guido Javier
Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia

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- Surrealismo

Estamos en el jardín, al atardecer. El sol se pone, pero no detrás de los árboles, sino delante.

Se crea así un círculo puro en el centro puro del cuadro, equilibrado por la fuerte horizontal de la balaustrada.

Considero que esta obra es Surrealista, porque este se caracteriza por ser onírico, personal e "incongruente", ya que no sabemos bien qué es lo que está delante y qué es lo que está atrás. ¿Estamos más cerca de ese sol rojo que de los árboles? ¿Están esa balaustrada y esa vasija de piedra en primer plano o quizás están detrás de todo? ¿O está todo pintado sobre ese muro, y hay un agujero circular que nos deja ver la luz del sol? Todo es posible.

Magritte, pese a lo que pueda parecer, fue un pintor «realista», y en cuadros como este se pregunta muy legítimamente: ¿Qué es la realidad?, y ¿Cómo acercar esa «realidad» al arte?.

Magritte, el filósofo, el poeta, el retratista de lo extraño.

Cristaldo Jorge Andrés.

Tecnicatura en Diseño de Imagen, Sonido y Multimedia.

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El hijo del hombre - René Magritte  (1964)

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El hijo del hombre - René Magritte  (1964)

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Movimiento de Vanguardia: Surrealismo.

Es una de las obras mas reconocidas de este movimiento.  Se podría decir que es fácil de identificar por su llamativa ejecución, ya que el arte surreal se caracteriza por sus tan peculiares universos figurativos donde se expresa el interior del artista. Imágenes oníricas expresadas a través de diferentes técnicas.

- Rodriguez Gregoret, Agustin
- Tec. En diseño de imagen, sonido y multimedia.

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La Ira  de los Dioses Rene Magritte 1960  Surrealismo 

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La Ira  de los Dioses Rene Magritte 1960  Surrealismo 

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Esta obra refleja la representación gráfica de una paradoja física sobre la velocidad y el movimiento. también se puede apreciar
Dos formas de moverse, dos velocidades, dos medios de transporte yuxtapuestos que tienen mucho en común y a la vez grandísimas diferencias. El pasado y el futuro avanzan al mismo tiempo en esta instantánea imposible. o también el pasado y el futuro juegan una carrera a ver quien se queda mas años .
Dicha obra es considerada surrealista por que propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio de cambiar la vida ,la sociedad ,el arte y el hombre por medio de la revolucion.
Pelozo Cristian David .
Tec. en diseño de imagen ,sonido y multimedia

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Mierda de artista - Piero Manzoni (1961).

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Mierda de artista - Piero Manzoni (1961).

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Esta obra pertenece al movimiento del arte conceptual ya que se califica por técnicas que centran su atención mas bien al concepto o idea, también al proceso de elaboración, y no tanto a los objetos físicos representados (en este caso, una lata de mierda), para poder trasmitir una idea política o social al espectador activo.
"No tiene que ser bonito, sino tener su idea".

Alumna: Castillo, Sol Macarena.

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El hijo del hombre 1964- René Magritte. Es una obra perteneciente al surrealismo. Es un posible autorretrato del autor. En dicha pintura observamos a un hombre con la cara tapada por una manzana verde. Esta realidad que nos muestra Magritte parece absurda, pero con esta transforma el mensaje de lo que quiere transmitir ya que se dice que la manzana hace referencia a Adán y Eva y su pecado, y junto con el título de la obra, es una gran referencia a la religión. El elemento de ubicar una manzana dónde no tendría "sentido" y el hecho de que esta resignificara la obra, cambiando el sentido que puede transmitir, la convierte en una obra surrealista ya que esta vanguardia propone sobrepasar los límites de lo "real" y expresar lo absurdo.Esta obra da lugar a la imaginación y a lo absurdo.  Julieta Romero Graff. Licenciatura en Artes Combinadas.

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El hijo del hombre 1964- René Magritte. Es una obra perteneciente al surrealismo. Es un posible autorretrato del autor. En dicha pintura observamos a un hombre con la cara tapada por una manzana verde. Esta realidad que nos muestra Magritte parece absurda, pero con esta transforma el mensaje de lo que quiere transmitir ya que se dice que la manzana hace referencia a Adán y Eva y su pecado, y junto con el título de la obra, es una gran referencia a la religión. El elemento de ubicar una manzana dónde no tendría "sentido" y el hecho de que esta resignificara la obra, cambiando el sentido que puede transmitir, la convierte en una obra surrealista ya que esta vanguardia propone sobrepasar los límites de lo "real" y expresar lo absurdo.Esta obra da lugar a la imaginación y a lo absurdo.  Julieta Romero Graff. Licenciatura en Artes Combinadas.

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Ritmo de otoño (numero 30) - Jackson Pollock (1965) - Expresionismo Abstracto  

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Ritmo de otoño (numero 30) - Jackson Pollock (1965) - Expresionismo Abstracto  

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El expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana. Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Esto dieron como resultados obras muy personales. la obra "Ritmo de otoño (numero 30) " de Jackson Pollock se puede considerar dentro de esta vanguardia ya que vemos como el artista representa una pintura caótica en negro, blanco y marrón, que carece de un punto focal, lo que hace que cada parte sea igualmente significativa con algún fragmento de la música de otro planeta de Parker sonando a todo volumen.
podemos relacionar los dos trabajando con furia aparentemente descontrolada, improvisando sobre la cuerda floja, dejando retazos abstractos de genialidad y llenos de una gran carga emocional.

Acevedo M. Luciana