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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Leoncavallo

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Leoncavallo

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Leoncavallo - Pagliacci: Vesti La Giubba [HD]

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Biografia * Pagliacci dal successo planetario

Ruggero Leoncavallo nasce a Napoli il 23 aprile del 1857, nel quartiere Chiaia. Il padre Vincenzo è un magistrato, e la famiglia lo segue nelle sue diverse sedi di lavoro, tra cui la Calabria. Qui, ancora bambino, Ruggero impara i rudimenti del pianoforte ed assiste ad una sanguinaria vicenda amorosa finita con un omicidio, di cui il padre si trova a dover giudicare in un processo. Come Ruggero racconterà in seguito, questa vicenda ispirerà, circa venticinque anni dopo, la composizione di "Pagliacci".

Tornato a Napoli si iscrive al conservatorio e comincia a frequentare i teatri, dove grazie ad una zia mezzosoprano e ad uno zio tenore si appassiona sempre più all'opera lirica. Per poter continuare gli studi musicali non segue neanche il padre, trasferito a Potenza.

Consegue la licenza liceale e il diploma di maestro al Conservatorio poco più che sedicenne, ma con più probabilità si diploma nel 1876; in genere, nelle sue ricostruzioni biografiche Ruggero si diminuisce sempre l'età di un anno.

Assiste alla prima del ciclo completo di Wagner nel 1876 e comincia a fantasticare sulla composizione di un'opera alla maniera wagneriana. Questa idea compositiva viene favorita anche dagli insegnamenti di Carducci, di cui segue dei corsi all'Università di Bologna senza mai però conseguire la laurea.

Costretto a tornare a Potenza per gli obblighi di leva, riesce ad evitarla grazie alla sostituzione con il primogenito, il fratello Leone. Si trasferisce così in Egitto, dove vive il fratello più giovane del padre, Giuseppe, lì riparato per le sue cospirazioni antiborboniche.

In Egitto lavora come pianista e maestro di musica presso la comunità italiana. Rimane in Egitto quattro anni, dal 1879 al 1882, anno in cui è costretto a trasferirsi per l'incrudelirsi del clima contro gli immigrati occidentali. Si trasferisce così a Parigi dove continua a vivere come pianista frequentando compositori del calibro di Charles Gounod e Jules Massenet; conosce anche il baritono prediletto di Giuseppe Verdi, Victor Maurel. Sposa la sua allieva Berhte Rambaud e dopo sei anni fa ritorno in Italia.

Si stabilisce a Milano dove grazie a Maurel viene a contatto con Giulio Ricordi a cui vende il suo progetto operistico "I medici", mai messo in scena. Dopo il travolgente successo di " Cavalleria Rusticana" di Pietro Mascagni, decide di scrivere un'opera che riprenda gli episodi calabresi a cui ha assistito durante l'infanzia. Nasce così, in soli cinque mesi, "Pagliacci". L'opera, acquistata da Edoardo Sonzogno, viene rappresentata al Teatro Dal Verme di Milano nel maggio del 1892 con la direzione del grande maestro Arturo Toscanini. Il successo è strepitoso: l'opera viene replicata infinite volte a Londra, Parigi, New York, Buenos Aires, Mosca, Stoccolma.

Il numero di repliche di "Pagliacci" supera di gran lunga perfino quelle delle coeve opere del grande compositore Giacomo Puccini. Sull'onda del successo di "Pagliacci" viene ripresa "I medici" che però non ottiene il successo sperato, così come la sua "Bohème" che soffre del fatto di essere messa in scena quindici mesi dopo l'omonima opera di Puccini.

L'unica opera di Leoncavallo che riesce ad avere un discreto successo di pubblico è "Zazà", che riprende le atmosfere dei caffé chantant che il compositore conosce bene per averci lavorato lui stesso. Grazie però al trionfo berlinese della messa in scena di "Pagliacci", bissato dalla rappresentazione de "I medici", l'imperatore Guglielmo II gli commissiona un'opera celebrativa della dinastia Hohenzollern. Ruggero Leoncavallo compone "Der Roland von Berlin" che ha un discreto ma effimero successo.

Le mancate conferme delle sue opere gli procurano delle difficoltà economiche: non riesce a sostenere l'elevato stile di vita che conduce dopo l'improvviso successo internazionale ed è costretto a vendere la sua villa Myriam in Svizzera, dove risiede già dagli anni Novanta.

Data la sua bravura come compositore di melodie e il possesso di una certa vena comica, Leoncavallo si ricicla come autore di operette; ottiene un certo successo, come dimostrano le repliche di "Malbruk" (1910) e de "La reginetta delle rose" (1912).

Gli ultimi anni di vita sono funestati da problemi di salute: scopre di essere affetto dal diabete. Trascorre il periodo della prima guerra mondiale in Toscana, dove compone nel 1916 l'opera patriottica " Mameli" ed alcune operette. Per le cure del diabete suole recarsi a Montecatini; qui Ruggero Leoncavallo muore il 9 agosto del 1919, all'età di 62 anni.

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Ruggero Leoncavallo. Pagliacci dal successo planetario

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Ruggero Leoncavallo nasce a Napoli il 23 aprile del 1857, nel quartiere Chiaia. Il padre Vincenzo è un magistrato, e la famiglia lo segue nelle sue diverse sedi di lavoro, tra cui la Calabria. Qui, ancora bambino, Ruggero impara i rudimenti del pianoforte ed assiste ad una sanguinaria vicenda amorosa finita con un omicidio, di cui il padre si trova a dover giudicare in un processo.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Giordano

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Giordano

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Umberto Giordano : Intermezzo from Opera '' Fedora '' for Orchestra

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Festival Umberto Giordano - BIOGRAFIA DI UMBERTO GIORDANO

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Rimasto vedovo e dopo un secondo matrimonio con la giovane arpista Sara De Cristofaro, Giordano si spense serenamente nella sua casa di via Durini nel 1948. I funerali, per partecipazione popolare, furono paragonati a quelli di Verdi: il centro di Milano venne bloccato, e in Piazza della Scala una folla di migliaia di persone commosse, attorno al feretro del Maestro, ascoltò il celebre interludio della Fedora, suonato dall'Orchestra della Scala diretta da Ettore Panizza.

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Di nobili natali, visse in un ambiente di tradizioni liberali. Si dedicò inizialmente alla scrittura di romanzi avventurosi su influsso delle opere di Dumas padre e in seguito ad altri di argomento passionale tra cui Storia di una capinera, che riscosse un discreto successo. Si trasferì a Firenze nel 1869 e tre anni dopo a Milano, dove frequentò circoli letterari conoscendo Arrigo Boito e Giuseppe Giacosa. Con la novella Rosso Malpelo si attuò la sua adesione al Verismo, che lo condusse a scrivere due fra i più notevoli romanzi della letteratura italiana: I Malavoglia (1881), la sua opera più completa, e Mastro-don Gesualdo (1889).

La nuova concezione verista di Verga pose il cardine dell'opera letteraria sulla "sparizione" dell'autore, facendo in modo che nella narrazione i fatti si sviluppassero da soli, come per una necessità spontanea. Il linguaggio di Verga è rude e spoglio come un riflesso del mondo che rappresenta, fatto sia di povera gente come ne I Malavoglia, sia di ricchi come in Mastro-don Gesualdo, tutti comunque dei " vinti" nella lotta quotidiana della vita.

Lo scrittore si occupò anche di teatro, sceneggiando alcune sue novelle di cui la più famosa è Cavalleria rusticana, musicata in seguito da Pietro Mascagni. Verga divenne Senatore del Regno d'Italia nel 1920 su nomina del re Vittorio Emanuele III.

La famiglia Verga, di lontane ascendenze aragonesi, era giunta in Sicilia con il nome di Vergas o Vargas, all'epoca dei Vespri. Tradizionalmente il capostipite dei Verga di Vizzini è considerato Laian Gonzalo de Vergas - rispetto a studi più recenti, dove emergono nuovi membri della famiglia -, venuto in Sicilia dalla Spagna al seguito del re Pietro III d'Aragona nel 1282, il cui figlio Antonio nel 1318 sposò Margherita La Gurna, stabilendosi a Vizzini.

Il padre dello scrittore, Giovanni Battista Verga Catalano, era nativo di Vizzini, dove la famiglia Verga possedeva alcune proprietà; la madre si chiamava Caterina Di Mauro Barbagallo e apparteneva a una famiglia borghese di Belpasso. Verga era il maggiore di cinque fratelli: Mario, Rosa, Pietro e Teresa.

Il nonno di Giovanni, Giovanni Carmelo Verga Distefano, come testimonia il De Roberto in un articolo raccolto, insieme a molti altri, in un volume a cura di Carmelo Musumarra, era stato carbonaro e, nel 1812, eletto deputato per Vizzini al primo Parlamento siciliano. Quest'ultimo aveva ereditato dalla famiglia della madre, nel 1771, il feudo di Fontanabianca, al quale pertineva il titolo di barone, riconfermato da Ferdinando III nel 1781 a D. Gaetano Verga, che dava quindi il diritto a Giovanni Verga di fregiarsi del predicato di Fontanabianca nonché del titolo di Nobile dei baroni di Fontanabianca, anche se non ne fece mai uso. La famiglia Verga era comunque già iscritta nella mastra nobile di Vizzini sino al 1813, quando in Sicilia furono aboliti il feudalesimo e le mastre nobili; sino al 1813, quindi, i Verga potevano qualificarsi "nobili di Vizzini". Poiché successivamente il Regno d'Italia non riconobbe Vizzini tra le città aventi patriziato o nobiltà civica, i Verga non potevano vedersi riconosciuto il titolo di "nobili di Vizzini" dalla Consulta Araldica del Regno d'Italia.

Autografo di G. Verga[15]

Atto di battesimo del Verga

Giovanni Carmelo Verga venne registrato presso l'ufficio nascite dello Stato Civile del comune di Catania, atto numero 284 (l'anagrafe sarebbe stata creata solamente nel 1871 in occasione del censimento dello stesso anno), allora parte del Regno delle Due Sicilie, il 2 settembre 1840; la data e il luogo di nascita non sono però universalmente accettati.

Verga - ritratto penna acquarello di Antonino Gandolfo, collezione Francesco Paolo Frontini

Vi è, tuttavia, una seconda tesi secondo cui Verga sarebbe nato in un podere di campagna di proprietà dello zio don Salvatore in contrada Tièpidi (una zona di campagna a pochi chilometri dal centro abitato di Vizzini). Questa tesi sarebbe supportata da diverse ipotesi: la prima riguarda l'epidemia di colera che nell'estate del 1840 si era abbattuta su Catania e che avrebbe potuto spingere la famiglia Verga ad abbandonare l'afosa Catania d'estate, per la frescura collinare di Vizzini e a scegliere il piccolo centro del Calatino per proteggere sia la madre sia il nascituro da ogni potenziale rischio. In realtà l'ondata di colera si era esaurita nel 1837.

La seconda ipotesi è che, nato prematuro, a sette mesi, il piccolo sarebbe poi stato riportato nel capoluogo dove il padre, Giovanni Battista Catalano Verga (originario di Vizzini ma residente nel capoluogo), registrò il figlio come nato a Catania, nell'abitazione di via Sant'Anna, è probabile, inoltre, che Giovanni Battista Verga avesse scelto Catania come città ufficiale di appartenenza anche per compiacere la moglie Caterina Di Mauro (o Mauro), catanese, e anche per comodità, visto che la futura eventuale richiesta di certificazioni non avrebbe così necessitato un viaggio nella distante Vizzini. Anche questa teoria è priva di prove scritte, senza contare che la madre e il bimbo, forse prematuro, sarebbero stati portati d'urgenza nel capoluogo, dove il Verga padre avrebbe commesso un reato, con la complicità dell'ufficiale di Stato Civile e due testimoni, quando per avere un certificato dal comune di Catania sarebbe stata sufficiente una legalissima e semplice trascrizione. La terza ipotesi un'annotazione apposta sull'occhiello di una copia della prima edizione delle Novelle Rusticane, che Verga regalò all'amico scrittore Luigi Capuana, dove si legge: "A Luigi Capuana "villano" di Mineo - Giovanni Verga "villano" di Vizzini" (l'uso del termine villano dimostrerebbe, quindi, come Verga fosse a conoscenza di essere nato in un piccolo paese di provincia come Capuana, a Vizzini o comunque in una contrada di campagna). O potrebbe solo essere stata - nell'ambito dell'amicizia verso il suo amico Capuana - una testimonianza di affetto verso un paese dove l'autore catanese aveva trascorso lunghi periodi della propria infanzia e fanciullezza: "villano di Vizzini", infatti, non vuol dire in alcun modo "nato a Vizzini". Negli archivi del Senato della Repubblica italiana, nel fascicolo personale del Senatore del Regno Giovanni Verga si trova l'estratto del suo atto di nascita che pone fine a ogni dubbio.

Sull'esatta data di nascita l'incertezza è altrettanto ampia, ma si pensa che sia il 2 settembre 1840. L'atto di nascita riporta la data del 2 settembre 1840. Il 1º marzo 1915 Verga scrive tuttavia in una sua missiva a Benedetto Croce quanto segue:

L'8 settembre è in realtà la data di battesimo, celebrato a Catania, presso la Chiesa dedicata a San Filippo, come risulta dall'allegato "ter", notamento restituito dal Parroco della stessa Chiesa a pochi passi dalla casa natale di via San'Anna, mentre quella di nascita è secondo alcuni antecedente e potrebbe risalire alla fine di agosto, se non addirittura il 29, giorno in cui a Vizzini si festeggia San Giovanni. Il trasferimento da Vizzini a Catania potrebbe spiegare, dunque, il ritardo nella registrazione e la posticipazione della data. Queste sono, comunque, solo delle ipotesi, non supportate da alcuna prova. L'unico punto certo è che la nascita è stata registrata a Catania da Giovanbattista Verga che dichiara che Giovanni Carmelo è nato alle ore 5 dello stesso giorno, nella casa posta in Catania, via Sant'Anna numero 8, presentando il bambino, alla presenza di due testimoni, al senatore del regno e ufficiale di Stato Civile, don Francesco Bicocca. Sappiamo anche che gli venne dato il nome di Giovanni Carmelo in memoria del nonno paterno Giovanni Carmelo e non per una supposta e fantasiosa nascita il 29 agosto, festa di San Giovanni a Vizzini. L'amato nipote ed erede universale, Giovannino Verga, figlio di Pietro Verga, fratello dello scrittore, ebbe a dire al compianto studioso catanese di storia patria Lucio Sciacca che lo zio era nato a Catania. La stessa dichiarazione fu fatta allo studioso verghiano, lo scomparso Giovanni Garra Agosta, che, da vizzinese di origine, avrebbe voluto una testimonianza diversa.[senza fonte]

La Casa-Museo di Verga a Catania

Verga, compiuti gli studi primari presso la scuola di Francesco Carrara, venne inviato, per gli studi secondari, alla scuola di don Antonino Abate, scrittore, fervente patriota e repubblicano, dal quale assorbì il gusto letterario romantico e il patriottismo. Abate faceva leggere ai suoi allievi le opere di Dante, Petrarca, Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Vincenzo Monti, Manzoni e pagine dell' Estetica di Hegel; inoltre proponeva anche il romanzo storico- patriottico I tre dell'assedio di Torino (scritto nel 1847) del poeta catanese Domenico Castorina, che era lontano parente di Verga e che a quei tempi era considerato dai contemporanei "il miglior poeta e scrittore catanese della prima metà dell'Ottocento".

Nel 1854, a causa di un'epidemia di colera, la famiglia si rifugiò nella campagna di Tèbidi e vi ritornò nel 1855 per lo stesso motivo. I ricordi di questo periodo, legati alle sue prime esperienze adolescenziali e alla campagna, ispirarono molte delle sue novelle, come Cavalleria rusticana e Jeli il pastore, oltre al romanzo Mastro-don Gesualdo. A soli sedici anni, tra il 1856 e il 1857, Verga scrisse il suo primo romanzo di ispirazione risorgimentale Amore e patria rimasto inedito. Il romanzo ottenne giudizio positivo da parte di Abate, ma venne considerato immaturo dall'insegnante di latino, don Mario Torrisi, che lo convinse a non pubblicarlo. Iscrittosi nel 1858 alla facoltà di legge all' Università di Catania, non dimostrò però grande interesse per le materie giuridiche e nel 1861 abbandonò i corsi, preferendo dedicarsi all'attività letteraria e al giornalismo politico. Con il denaro datogli dal padre per concludere gli studi, il giovane pubblicò a sue spese il romanzo I carbonari della montagna (1861- 1862), un romanzo storico che si ispira alle imprese della Carboneria calabrese contro il dispotismo napoleonico di Murat. La sua formazione fu dunque irregolare e, come scrive Guido Baldi, "[...] segna inconfondibilmente la sua fisionomia di scrittore, che si discosta dalla tradizione di scrittori letteratissimi e di profonda cultura umanistica che caratterizza la nostra letteratura, anche quella moderna: i testi su cui si forma il suo gusto in questi anni, più che i classici italiani e latini sono gli scrittori francesi moderni di vasta popolarità, ai limiti con la letteratura di consumo, come Alexandre Dumas padre (I tre moschettieri) e figlio (La signora delle camelie), Sue (I misteri di Parigi), Feuillet (Il romanzo di un giovane povero)". Oltre a questo genere di romanzi egli prediligeva i romanzi storici italiani, soprattutto quelli a carattere fortemente romantico, come quelli di Guerrazzi la cui influenza si coglie anche nel suo terzo romanzo intitolato Sulle lagune, pubblicato tra il 1862 e il 1863, dapprima a puntate in appendice della rivista fiorentina "La nuova Europa", nel periodo in cui Venezia è ancora sotto la malvista potenza austriaca. Il romanzo narra la vicenda sentimentale di un ufficiale ungherese e di una giovane veneta di Oderzo, in uno stile severo e privo di retorica. Entrambi innamorati della vita finiranno per morire insieme. Verga lavorò in questo periodo frequentemente anche ad Acitrezza ed Acicastello.

In Sicilia si verificò un periodo di violente sommosse popolari per l'abolizione del dazio sul macinato e, soprattutto nella provincia catanese, si assistette alla reazione dei contadini che, esasperati, arrivarono a uccidere e a saccheggiare le terre. Nella novella Verga rivive con forza drammatica una di queste rivolte, quella di Bronte.

Con l'arrivo di Garibaldi a Catania venne istituita la Guardia Nazionale e Verga, nel 1860, si arruolò in essa prestando servizio per circa quattro anni ma, non avendo inclinazioni per la disciplina militare, se ne liberò con un versamento di 3.100 lire alla Tesoreria Provinciale. Nel frattempo, insieme a Nicolò Niceforo, conosciuto con lo pseudonimo di Emilio Del Cerro, fondò il settimanale Roma degli Italiani, che si basava su un programma anti-regionale, e lo diresse per tre mesi oltre a collaborare alla rivista L'Italia contemporanea. Il settimanale passò in seguito sotto la direzione di Antonino Abate.

Nel 1862 Verga e Niceforo ritentarono l'esperienza con la rivista letteraria L'Italia contemporanea sulla quale Verga pubblicò la sua prima novella verista, Casa da thè. La rivista però ebbe breve durata e, dopo il primo numero, venne assimilata da Enrico Montazio alla rivista fiorentina Italia, veglie letterarie.

Anche il giornale l' Indipendente, fondato e diretto da Verga nel 1864, fu lasciato alla direzione di Abate dopo dieci numeri. In quello stesso anno Verga pubblicò sulla Nuova Europa le prime due puntate del romanzo Sulle lagune, poi sospese per un anno e infine riprese dall'inizio e terminate il 15 marzo 1863 dopo 22 puntate.

Verso la fine di aprile o agli inizi di maggio 1865 si recò per la prima volta a Firenze dopo aver abbandonato gli studi di legge presso l' Università di Catania. In questo periodo scrisse una commedia, pubblicata solo nel 1980, dal titolo I nuovi tartufi, che venne inviata, sotto forma anonima, al Concorso Drammatico bandito dalla Società di incoraggiamento all'arte teatrale ma senza successo. Nello stesso periodo scrisse il romanzo Una peccatrice.

Firenze era a quei tempi la capitale del Regno e rappresentava il punto di incontro degli intellettuali italiani. Il giovane Verga ebbe modo di conoscere, in questo primo breve periodo, Luigi Capuana, allora critico della Nazione, i pittori Michele Rapisardi e Antonino Gandolfo, il maestro Giuseppe Perrotta e il poeta Mario Rapisardi.

A Firenze ritornò nell'aprile 1869 dopo che la nuova epidemia di colera diffusasi nel 1867 l'aveva costretto, insieme alla famiglia, a trovare rifugio dapprima nelle proprietà di Sant'Agata li Battiati e poi a Trecastagni.

A Firenze decise quindi di stabilirsi, rimanendovi fino al 1871, avendo compreso che la cultura della provincia era troppo restrittiva e gli impediva di realizzarsi come scrittore.

Nel 1866 l' editore torinese Negro gli aveva intanto pubblicato Una peccatrice, un romanzo di carattere autobiografico e fortemente melodrammatico, che narra la vicenda di un piccolo borghese catanese, Pietro Brosio, che, pur avendo ottenuto la ricchezza e il successo ed essere riuscito a conquistare la donna dei suoi sogni, Narcisa, ritornerà alla sua mediocrità dopo che Narcisa, impazzita per amore, si toglie la vita.

Gli anni fiorentini furono fondamentali per la formazione del giovane scrittore che ebbe modo di conoscere artisti, musicisti, letterati e uomini politici oltre che di frequentare i salotti più conosciuti del momento.

Con una lettera di presentazione di Mario Rapisardi si introdusse facilmente nei ricevimenti in casa dello scrittore e patriota Francesco Dall'Ongaro dove incontrò Giovanni Prati, Aleardo Aleardi, Andrea Maffei e Arnaldo Fusinato.

Introdotto da Dall'Ongaro presso i salotti culturali di Ludmilla Assing e delle signore Swanzberg, madre e figlia entrambe pittrici, conobbe Vittorio Imbriani e altri letterati. Iniziò quindi a condurre una vita mondana frequentando il Caffè Doney, dove conobbe letterati e attori, il Caffè Michelangelo, luogo di incontro dei pittori macchiaioli più noti dell'epoca e recandosi spesso alla sera a teatro.

Risale a questo periodo la stesura del romanzo epistolare Storia di una capinera che apparve nel 1870 sul giornale di moda Il Corriere delle Dame e che l'anno seguente fu pubblicato, per interessamento del Dall'Ongaro, dalla tipografia Lampugnani di Milano. La prefazione al romanzo venne scritta dal Dall'Ongaro che riportava la lettera da lui scritta a Caterina Percoto per presentarle il libro. Il romanzo ebbe un gran successo e Verga incominciò a ottenere i suoi primi guadagni.

Ritratto di Verga

Il 20 novembre 1872 Verga si trasferì a Milano dove si fermò, pur con diversi e lunghi ritorni a Catania, fino al 1893. L'amico Capuana lo presentò con una lettera al romanziere Salvatore Farina, direttore della Rivista minima, e Dall'Ongaro fece lo stesso con una al pittore e scrittore Tullo Massarani.

A Milano frequentò in modo assiduo il salotto Maffei dove conobbe i maggiori rappresentanti del secondo romanticismo lombardo e si incontrò con l'ambiente degli scapigliati, legando soprattutto con Arrigo Boito, Emilio Praga e Luigi Gualdo.

Frequentando i ristoranti, come il Cova e il Savini, ritrovo di scrittori e artisti, conobbe Gerolamo Rovetta, Giuseppe Giacosa, Emilio Treves e Felice Cameroni con il quale intrecciò una fitta corrispondenza epistolare, molto interessante sia per le opinioni espresse sul verismo e sul naturalismo, sia per i giudizi sulla narrativa contemporanea, da Zola a Flaubert, a D'Annunzio. Conobbe inoltre De Roberto con il quale rimase amico per tutta la vita.

Gli anni milanesi furono ricchi di esperienze e favorirono la nuova poetica dello scrittore. Risalgono a questi anni (1873), (1874), e Tigre reale (1875). Sono opere che si iscrivono nella poetica tardoromantica del primo Verga, a eccezione di Nedda, anticipo verista, corrente di cui lo scrittore catanese sarebbe stato il massimo esponente dalle novelle di Vita dei campi in poi.

Lo scrittore intanto si era avvicinato ad autori nuovi per tematiche e forme, come Zola, Flaubert, Balzac, Maupassant, Daudet, Bourget, e aveva iniziato un abbozzo del romanzo I Malavoglia.

Nel 1877 fu pubblicata dall'editore Brigola una raccolta di novelle, Primavera e altri racconti, precedentemente apparsi sulle riviste Illustrazione italiana e Strenna italiana, che presentano stile e soggetto diversi dai precedenti scritti.

Nel 1878 apparve sulla rivista Il Fanfulla la novella Rosso Malpelo e nel frattempo egli iniziò a scrivere Fantasticheria. Lo stesso anno morì sua madre.

Risale a questi anni il progetto, annunciato in una lettera del 21 aprile all'amico Salvatore Paola Verdura, di scrivere un ciclo di cinque romanzi, Padron 'Ntoni, Mastro-don Gesualdo, La Duchessa delle Gargantas, L'onorevole Scipioni, L'uomo di lusso, che in origine avrebbero dovuto essere titolati la Marea per poi essere cambiati in I vinti, che, nell'intenzione di Verga, dovevano rappresentare ogni strato sociale, da quello più umile a quello più aristocratico. Fu questo "l'inizio della più felice e fervida stagione narrativa dello scrittore catanese".

Il 5 dicembre 1878 Verga ritornò a Catania in seguito alla morte della madre e trascorse un lungo periodo di depressione. In luglio lasciò Catania e, dopo essere stato a Firenze, ritornò a Milano dove ricominciò, con maggior fervore, a scrivere. Nell'agosto 1879 uscì Fantasticheria sul Fanfulla della domenica e, nello stesso anno, scrisse Jeli il pastore oltre a pubblicare, su diverse riviste, alcune novelle di Vita dei campi poi raccolte presso l'editore Treves nel 1880.

Nel 1881 apparve sul numero di gennaio della Nuova Antologia l'episodio tratto da I Malavoglia che narra della tempesta con il titolo Poveri pescatori e, nello stesso anno, fu pubblicato da Treves l'intero romanzo, che fu però accolto molto freddamente dalla critica come confessò Verga stesso all'amico Capuana in una lettera dell'11 aprile da Milano: " I Malavoglia hanno fatto fiasco, fiasco pieno e completo. Tranne Boito e Gualdo, che ne hanno detto bene, molti, Treves il primo, me ne hanno detto male".

Nel 1882, oppresso da bisogni economici, pubblicò presso l'editore Treves il romanzo Il marito di Elena dove furono ripresi i temi erotico-mondani della prima maniera anche se con una più accurata indagine psicologica.

Risale a questo periodo la stesura delle future " Novelle rusticane" che furono pubblicate man mano su alcune riviste.

Durante la primavera lo scrittore si recò a Parigi dove incontrò lo scrittore svizzero di lingua francese Louis Édouard Rod, conosciuto l'anno precedente, che nel 1887 pubblicò I Malavoglia nella traduzione francese. Dopo Parigi compì un altro viaggio a Médan per vedere Zola e a giugno si recò a Londra. Alla fine dell'anno, ma con data 1883, pubblicò la raccolta di dodici novelle con il titolo Novelle rusticane dove si fa predominante il tema della "roba". Lavorava intanto intensamente ai racconti Per le vie, iniziati l'anno precedente, che furono pubblicati sul Fanfulla della domenica, nella Domenica letteraria e sulla Cronaca bizantina e da Treves nello stesso anno.

Il 1884 fu caratterizzato dall'esordio teatrale dello scrittore che, adattando la novella omonima apparsa in Vita dei campi, mise in scena Cavalleria rusticana, rappresentata il 14 gennaio 1884 dalla compagnia di Cesare Rossi al Teatro Carignano di Torino, con Eleonora Duse nella parte di Santuzza e Flavio Andò nella parte di Turiddu. Il dramma, come già aveva intuito Giacosa che aveva seguito il lavoro di Verga, ottenne un grande successo.

Confortato da ciò, Verga preparò un'altra commedia adattando una novella di Per le vie, Il canarino del n. 15, e il 16 maggio 1885, con il titolo In portineria, essa venne rappresentata a Milano al Teatro Manzoni, senza però ottenere il successo di quella precedente.

Affetto da una grave crisi psicologica dovuta alle preoccupazioni di carattere finanziario e dal fatto che non riusciva a portare avanti come voleva il Ciclo dei Vinti, decise di ritornare in Sicilia. Nel 1887 uscì, presso l' editore Barbèra di Firenze, la raccolta Vagabondaggio.

Gli anni tra il 1886 e il 1887 li trascorse lavorando, ampliando le novelle pubblicate dal 1884 in poi per la raccolta Vagabondaggio che uscì nel 1887 presso l'editore Barbèra.

Durante il 1889 si dedicò completamente alla revisione del Mastro-don Gesualdo che uscì a puntate sulla Nuova Antologia dal 1º luglio al 16 dicembre 1888 e poi in volume presso l'editore Treves, nel 1889, a fine anno, ottenendo una buona accoglienza sia dal pubblico sia dalla critica.

Lo scrittore, rincuorato dal buon successo del romanzo, progettò di continuare il Ciclo dei Vinti con La duchessa di Leyra e L'Onorevole Scipioni mentre continuò la pubblicazione delle novelle che fecero poi parte delle due ultime raccolte.

Nel 1890 all'inizio dell'estate ritornò in Sicilia e, tranne alcuni soggiorni a Roma per progetti teatrali, vi rimase fino a novembre: l'8 aprile, al Teatro Costanzi di Roma, venne messa in scena Mala Pasqua, tratta dalla novella dello scrittore, che però non ottenne un gran successo. Solo un mese dopo venne rappresentata, nello stesso teatro, l'opera Cavalleria rusticana, musicata da Pietro Mascagni, che riscosse grande successo di pubblico e di critica. L'opera continuò a essere rappresentata con sempre maggior successo e Verga chiese al musicista e all' editore Sonzogno, come da accordi pattuiti, la parte di guadagno per i diritti d'autore. Gli fu offerta una modesta cifra, 1.000 lire, che Verga non volle accettare. Si rivolse alla Società degli Autori, che si dimostrò solidale con lo scrittore, ma fu comunque costretto ad agire attraverso vie legali. Iniziò così nel 1891 una complessa vicenda giudiziaria che sembrò concludersi, il 22 gennaio 1893, allorché Verga accettò, , la considerevole somma di 143.000 lire come "compensazione finale".

Nel 1891 erano intanto usciti presso l'editore Treves I ricordi del capitano d'Arce.

Nel 1893 lo scrittore si trasferì definitivamente a Catania dove rimase, a parte qualche breve viaggio a Milano e a Roma, fino alla morte. Oltre alla scrittura, si dedicò anche alla fotografia.

Nel 1894 pubblica presso il Treves Don Candeloro e C.i. una raccolta di 12 novelle che raccontano il dietro le quinte del mondo dei " pupari".

Ebbe inizio tuttavia la sua crisi creativa, che gli impedì di proseguire sulla strada del Verismo, per riaccostarsi allo stile post-romantico. Non smise mai, tuttavia, di tentare il completamento del Ciclo dei Vinti: nel 1895 iniziò minuziose indagini di costume che affermava necessarie per il terzo romanzo dei Cicli dei vinti, La duchessa di Leyra, che però non terminò mai (ci rimangono solamente il primo capitolo e un frammento del secondo), a causa della difficoltà di mantenere la poetica dell'impersonalità verso le classi agiate che disprezza, e che aveva già descritto efficacemente nei romanzi milanesi.

Da alcuni anni lo scrittore aveva intanto iniziato una relazione con la pianista Francesca Giovanna Annunziata "Dina" Castellazzi, contessa di Sordevolo, che durò tutta la vita, anche se la riluttanza di Verga al matrimonio ridusse la relazione amorosa ad un'affettuosa amicizia. Un'altra relazione sentimentale conosciuta fu con la contessa milanese Paolina Greppi Lester, che durò dal 1878 al 1905. La Greppi è l'amica del Verga che compare, in forma romanzata, come interlocutrice in Fantasticheria, la novella che racconta il soggiorno della coppia ad Aci Trezza, e che è considerata il preludio a I Malavoglia.

Una fotografia scattata da Verga: La Sicilia rurale

Presso Treves vennero pubblicati nel 1896 i drammi , In portineria, Cavalleria rusticana, tutti ricavati da novelle. La Lupa venne rappresentata con successo sulle scene del Teatro Gerbino di Torino e a metà dell'anno lo scrittore ricominciò a lavorare a La duchessa di Leyra.

Sulla rivista di Catania Le Grazie, il 1º gennaio 1897, venne pubblicata la novella intitolata La caccia al lupo e l'editore Treves pubblicò una nuova versione di Vita dei campi, con le illustrazioni di Arnaldo Ferraguti che presentava notevoli cambiamenti se confrontata all'edizione del 1880.

L'adesione al colonialismo e al nazionalismo

Nel 1896 lo scrittore, che non era mai stato un progressista, ma aveva comunque idee liberali, approvò la repressione delle proteste sindacali dei Fasci siciliani attuata dal governo di Francesco Crispi, segno della sua rivoluzione politica, e del suo distacco totale dalle idee politiche dei naturalisti francesi come Émile Zola. Essi infatti credevano nel socialismo, mentre il pessimismo verghiano lo portò a negare ogni riscatto degli umili che si distaccano dalla tradizione, verso cui prova comunque simpatia, e nei suoi ultimi anni Verga adottò idee conservatrici, anche se continuava a provare disgusto verso le classi ricche. Egli giustificò anche la sanguinosa repressione dei moti di Milano per opera di Fiorenzo Bava Beccaris, esprimendo anche una certa insofferenza verso la democrazia parlamentare, e appoggiò il colonialismo italiano. Queste posizioni furono dovute anche ad alcune leggi economiche che avevano, a suo dire, danneggiato la produzione dei suoi agrumeti, e, durante la vecchiaia, la sua chiusura contro il resto del mondo e la sua riservatezza aumentarono sempre di più. Nonostante questo, mantenne una certa benevolenza per le classi umili.

Sembrò intanto proseguire assiduamente la stesura de La duchessa di Leyra, come si apprende da una lettera scritta all'amico Édouard Rod nel 1898, notizia confermata da La Nuova Antologia che ne annunciò la prossima pubblicazione.

Nel 1901 furono rappresentati i bozzetti La caccia al lupo e La caccia alla volpe al teatro Manzoni di Milano e gli stessi furono pubblicati nel 1902 dall'editore Treves.

Busto del Verga nel Giardino Bellini

Alla morte del fratello Pietro, avvenuta nel 1903, Verga ebbe in affido i nipoti, Giovanni Verga Patriarca, Caterina e Marco, che poi adottò facendone i suoi figli adottivi.

Nel novembre dello stesso anno venne rappresentato, sempre al teatro Manzoni, il dramma Dal tuo al mio che uscì solamente nel 1905 a puntate su La Nuova Antologia e vide le stampe, ancora da Treves, nel 1906.

Lontano ormai dalla scena letteraria, Verga rallentò notevolmente la sua attività di scrittore per dedicarsi in modo assiduo alla cura delle sue terre anche se, come abbiamo notizia da una lettera all'amico Rod del 1º gennaio 1907, egli continuava a lavorare a La duchessa di Leyra del quale vide la luce un solo capitolo, pubblicato postumo in La Letteratura a cura di De Roberto il 1º giugno 1922. A De Roberto lo scrittore affidò, tra il 1912 e il 1914, la sceneggiatura cinematografica di alcune delle sue opere ed egli stesso provvide alla riduzione della Storia di una capinera e de La caccia al lupo allo scopo di farne una versione per il teatro.

Nel 1915, dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, prese posizione a fianco degli interventisti, entrando a far parte dell' Associazione Nazionalista Italiana, a fianco di Enrico Corradini e Gabriele D'Annunzio, del quale apprezzava l'azione politica. Nel dopoguerra si avvicinò al movimento fascista, mostrando simpatia per la figura politica in ascesa di Benito Mussolini, anche se non si iscrisse mai ai Fasci di combattimento.

Riconoscimenti pubblici e morte

La sua ultima novella, intitolata Una capanna e il tuo cuore, risale al 1919 e fu pubblicata anch'essa postuma, il 12 febbraio 1922, sull' Illustrazione italiana, mentre nel 1920 fu pubblicata un'edizione riveduta delle Novelle rusticane a Roma dalla casa editrice de .

Nel luglio di quell'anno, per l'ottantesimo compleanno dello scrittore, si tennero a Catania le onoranze presso il Teatro Massimo Vincenzo Bellini alla presenza dell'allora ministro della Pubblica Istruzione Benedetto Croce; il discorso ufficiale fu tenuto da Luigi Pirandello. Sempre in quell'anno Verga ricevette, a Roma, la nomina a senatore del Regno, per decisione del re Vittorio Emanuele III. Furono tra le poche apparizioni pubbliche dello scrittore dopo il ritiro a Catania.

Il 24 gennaio 1922 fu colto da ictus, non riprese più conoscenza e il 27 gennaio morì per emorragia cerebrale a Catania, nella casa di via Sant'Anna, assistito dai nipoti e dall'amico De Roberto, e dopo aver ricevuto l' estrema unzione, richiesta dai familiari nonostante durante tutta la vita fosse stato dichiaratamente scettico, se non ateo e materialista. Il patrimonio di Verga passò, in maggioranza, al nipote primogenito Giovanni Verga Patriarca.

Giovanni Verga riposa oggi nel "viale degli uomini illustri" del cimitero monumentale di Catania.

Il "Verismo" e il vocabolario: Accademia della Crusca

In occasione del primo centenario della morte di Verga, l' Accademia della Crusca e la Fondazione Verga hanno organizzato lunedì 9 maggio 2022 a Firenze un convegno dal titolo I vocabolari del vero per evidenziare il rapporto fra Verismo e vocabolario Italiano. Presentato nel convegno il progetto VIVer-Vocabolario dell'Italiano verista al quale lavorano un gruppo di lessicografi, informatici, autori coordinati da Gabriella Alfieri, Marco Biffi, Antonio di Silvestro, Giovanni Salucci e Rosaria Sardo.

L'ideologia che sta alla base della sua letteratura migliore è una personale ripresa della scientificità, dell'impersonalità e del positivismo dei naturalisti, declinati in senso pessimistico, senza alcuna speranza di miglioramento sociale. Forte è l'influsso di alcune teorie dell'epoca, come quella del darwinismo sociale. Agli umili delle sue novelle e romanzi è negata quasi ogni speranza, sia provvidenziale rifacendosi allo stile di Manzoni, sia laica e sociale di ispirazione zoliana. Verga nega che una vera felicità sia presente o raggiungibile anche da parte degli appartenenti alle classi ricche, data la rappresentazione che egli ne fa sia nei romanzi non veristi, sia in alcune parti del Ciclo dei Vinti e delle novelle. Solo alcuni valori, come la famiglia, il proprio ambiente e il lavoro (" ideale dell'ostrica") possono dare un po' di serenità.

Frontespizio di un'edizione de I Malavoglia

Amore e Patria (1856-1857) [inedito di 672 ff. ms. parzialmente riportati in Lina Perroni, Studi verghiani, II, Ricordi di D'Artagnan. La prima giovinezza di Giovanni Verga e due suoi romanzi sconosciuti: Amore e patria; I carbonari della montagna, Palermo, Ed. del sud, 1929].

I carbonari della montagna, 4 volumi, Catania, Galatola, 1861-1862.

Sulle lagune, in "La Nuova Europa", 5 e 9 agosto 1862-13 gennaio e 15 marzo 1863.

Una peccatrice, Torino, Negro, 1866.

Storia di una capinera, Milano, Lampugnani, 1871.

Eva, Milano, Treves, 1873.

Eros, Milano, Brigola, 1875.

Tigre reale, Milano, Brigola, 1875.

I Malavoglia, Milano, Treves, 1881.

Il marito di Elena, Milano, Treves, 1882.

Mastro-don Gesualdo, Milano, Treves, 1889.

Dal tuo al mio, Milano, Treves, 1906.

La duchessa di Leyra, incompiuto in Federico De Roberto, Casa Verga e altri saggi verghiani, Firenze, Le Monnier, 1964.

Romanzi giovanili, a cura e con postfazione di Giuseppe Leonelli, Milano, Frassinelli, 1996.

Nedda. Bozzetto siciliano, Milano, Brigola, 1874.

Primavera; La coda del diavolo; X; Certi argomenti; Le storie del castello di Trezza; Nedda, Milano, Brigola, 1877.

Rosso Malpelo, in "Fanfulla", 2-5 agosto 1878.

Vita dei campi. Nuove novelle, Milano, Treves, 1880. [Fantasticheria, Jeli il pastore, Rosso Malpelo, Cavalleria rusticana, La lupa, L'amante di Gramigna, Guerra di Santi, Pentolaccia]

Un'altra inondazione, in "Roma-Reggio", numero speciale del "Corriere dei Comuni", Roma, Tipografia elzeviriana dell'Officina Statistica, 1880.

Casamicciola, in "Don Chisciotte", n. 8, 3 aprile 1881.

I dintorni di Milano, in Milano 1881, Milano, Ottino, 1881.

Il come, il quando ed il perché, in appendice alla seconda edizione di Vita dei campi, Milano, Treves, 1881.

Pane nero, Catania, Giannotta, 1882.

Libertà, in "Domenica letteraria", 12 marzo 1882.

Novelle rusticane, Torino, Casanova, 1883. [Il Reverendo, Cos'è il Re, Don Licciu Papa, Il Mistero, Malaria, Gli orfani, La roba, Storia dell'asino di S. Giuseppe, Pane nero, I galantuomini, Libertà, Di là del mare]

Per le vie, Milano, Treves, 1883. [Il bastione di Monforte, In piazza della Scala, Al veglione, Il canarino del N. 15, Amore senza benda, Semplice storia, L'osteria dei "Buoni Amici", Gelosia, Camerati, Via Crucis, Conforti, L'ultima giornata]

Nella stalla, in Arcadia della carità. Strenna internazionale a beneficio degli inondati, Lonigo, Tipo-litografia ed. Luigi Pasini, 1883.

Drammi intimi, Roma, Sommaruga, 1884. [Drammi intimi, frammento 2, "Nel carrozzone dei profughi" (frammento 3), frammento IV, Un'altra inondazione, - Il Carnevale fallo con chi vuoi; - Natale e Pasqua falli con i tuoi. -, Ultima visita]

Mondo piccino, in "Nuova Antologia", 1º ottobre 1884.

Vagabondaggio, Firenze, Barbera, 1887. [Vagabondaggio, Il maestro dei ragazzi, Un processo, La festa dei morti, Artisti da strapazzo, Il segno d'amore, L'agonia d'un villaggio, ...e chi vive si dà pace, Il bell'Armando, Nanni Volpe, Quelli del colèra, Lacrymae rerum]

I ricordi del capitano d'Arce, Milano, Treves, 1891. [I ricordi del capitano d'Arce, Giuramenti di marinaio, Commedia da salotto, Né mai, né sempre!, Carmen, Prima e poi, Ciò ch'è in fondo al bicchiere, Dramma intimo, Ultima visita, Bollettino sanitario (Corrispondenza in 4ª pagina)]

Don Candeloro e C.i, Milano, Treves, 1894. [Don Candeloro e C.i, Le marionette parlanti, Paggio Fernando, La serata della diva, Il tramonto di Venere, Papa Sisto, Epopea spicciola, L'opera del Divino Amore, Il peccato di donna Santa, La vocazione di suor Agnese, Gli innamorati, Fra le scene della vita]

Una capanna e il tuo cuore, in "Illustrazione italiana", 12 febbraio 1922.

Tutte le novelle, 2 voll., Milano, A. Mondadori, 1940-1942.

La caccia al lupo - La caccia alla volpe. Bozzetti scenici, ed. Treves, Milano 1902

I nuovi tartufi (1865-1866)

Rose caduche (1867)

L'onore I (1869)

L'onore II

Cavalleria rusticana (1884)

In portineria[39] (1885)

La lupa (1886)

Dopo (1886)

Mastro-don Gesualdo (1889)

Cavalleria rusticana (1896)

La caccia al lupo (1901)

La caccia alla volpe (1901)

Dal tuo al mio (1903)

Libertà, Atto unico (2014)

Luigi Pirandello pronunciò il discorso dal titolo "Celebrazione di Giovanni Verga", al Teatro Massimo Bellini di Catania il 2 settembre 1920 in occasione dell'ottantesimo compleanno di Giovanni Verga. Vittorio Emanuele Orlando pronunziò l'"Orazione commemorativa di Giovanni Verga", il 27 gennaio 1923 in occasione dell'anniversario della scomparsa di Verga (Scritti su Verga, di Luigi Pirandello e Vittorio Emanuele Orlando, prefazione di Giuseppe Giarrizzo, Giuseppe Maimone Editore, Catania, 1992)

Nel 2010 Alitalia gli ha dedicato uno dei suoi Airbus A320-216 (EI-DTK).

L'ottantenne Giovanni Verga appare interpretato da Renato Carpentieri nel film italiano La stranezza del 2022 diretto da Roberto Andò, con Toni Servillo e Ficarra e Picone.

1. ^ Giuseppe Paternò, Giovanni Verga: scrittore, romanzier, novelliere , Etna, 1964. URL consultato il 17 maggio 2021.

2. ^ La Nuova Enciclopedia della Letteratura, Garzanti Editore, Milano, 1985

3. Nell'articolo derobertiano "Il Maestro di Giovanni Verga" si fa cenno come fonte il volume seicentesco ^ Raguagli historici del Vespro Siciliano (1645) scritto da Filadelfo Mugnos. Cfr. De Roberto, Casa Verga ..., p. 29, 30, 32.

4. Nei recenti studi si elencano i nuovi nomi del nobile ^ milite " Pietro Ferrandi de Vergua ", signore di Caltavuturo e di Mistretta al tempo di Federico III nel 1309, di Pietro Enegius de Verga, di Cambarano (Corbuano) de Verga fratello di Pietro. Cfr. Antonio Marrone, Vergua o Verga (), in Repertorio della feudalità siciliana (1282-1390), Palermo, Mediterranea, 2006, ISBN 8890239301.

5. Nell'articolo dal titolo "Il Maestro di Giovanni Verga" si dice che è "viva la memoria del nonno paterno". Cfr. ^ De Roberto, Casa Verga ..., p. 43.

6. Alfredo Mazzone, ^ Polemiche verghiane, Catania, Edigraf, 1971

7. Autografo proveniente da lettera del 1890 a ^ Francesco Paolo Frontini

8. ^ Archivio generale del Municipio di Catania, volume anno 1840, sezione II, pagina 284 ter

9. ^ Citata nella rivista da Croce stesso diretta, "La Critica", nel 1916.

10. ^ Giovanni Verga, Tutte le novelle, Milano, Arnoldo Mondadori, 1979, pag. 338

11. Prendendo i dati della tabella Istat (che purtroppo sono disponibili solo dal 1861 e non dal 1860 come la voce richiederebbe) che prendono come riferimento il 2008 si ottiene che 3.100 lire del 1861 corrispondono a 13.631 euro del 2008. Se il calcolo è stato fatto nel 2004 risultano invece 12.514 euro. Per chiarimenti sul valore della lira negli anni e sulla conversione da lire in euro vedi tabella Istat per il 2004: ^ Il valore della moneta in Italia dal 1861 al 2007 n. 8 - 2008 (), su istat.it, Istat, 2008, p. 158. URL consultato il 20 dicembre 2009 (archiviato dall'url originale il 28 dicembre 2009). e tabella Istat aggiornata al 2008: Coefficienti per tradurre valori monetari dei periodi sotto indicati in valori del 2008 , su istat.it, Istat. URL consultato il 20 dicembre 2009 (archiviato dall'url originale il 17 dicembre 2009).

12. ^ M. Bonura, Prefazione di L. A. Callari, scritto introduttivo di G. C. Marino, postfazione di A. Arena, Verga e i mass media. Il giornalismo politico-teatrale e il cinema, Palermo, Palermo University Press, 2021.

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14. ^ Giovanni Verga - Lettera a Salvatore Paolo Verdura (1878) , su cultureeuropee.irrepiemonte.it, IRRE-Piemonte. URL consultato il 19 settembre 2009 (archiviato dall'url originale il 12 febbraio 2012).

15. ^ Cronologia della vita e delle opere di Giovanni Verga, pag. III, in: G. Verga, Tutti i romanzi, le novelle e il teatro, Newton e Compton, 2005

16. Leggi il resoconto nell'articolo della Gazzetta del Popolo del giorno 26 gennaio 1922 ^ Giovanni Verga colpito da paralisi su Wikisource.

17. ^ I 36 manoscritti di Giovanni Verga ritrovati , su giornalettismo.com (archiviato dall'url originale il 2 gennaio 2014).

18. ^ Verga riposa nel degrado. Così Catania abbandona la tomba del celebre scrittore , in corrieredelmezzogiorno.corriere.it, 11 luglio 2011. URL consultato il 4 febbraio 2012.

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Di nobili natali, visse in un ambiente di tradizioni liberali. Si dedicò inizialmente alla scrittura di romanzi avventurosi su influsso delle opere di Dumas padre e in seguito ad altri di argomento passionale tra cui Storia di una capinera , che riscosse un discreto successo.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Masca

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Masca

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(HD 1080p) Intermezzo from Cavalleria Rusticana,  Pietro Mascagni

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Settemuse.it: Arte, Cultura, Turismo e Svago

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OPERE LIRICHE ELENCO opere principali | Settemuse.it

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Elenco delle Opere Liriche più importanti, della loro trama, musica e storia

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Biografia * La musica gira per il mondo

Pietro Antonio Stefano Mascagni nasce il 7 dicembre 1863 a Livorno. Il padre Domenico Mascagni è proprietario di un forno mentre la madre si occupa della famiglia. Pietro ha quattro fratelli e da subito si mostra il più intelligente e interessato agli studi e per questo, malgrado le ristrettezze economiche, viene avviato agli studi umanistici.

La passione per la musica si impone già in giovane età e Pietro associa lo studio scolastico con l'apprendimento della musica, soprattutto del canto e del pianoforte, che impara nella Schola Cantorum della chiesa di San Benedetto. A tredici anni, Mascagni inizia studi musicali più regolari sotto la supervisione del maestro Alfredo Soffredini, direttore fondatore dell'Istituto Musicale di Livorno.

Nel 1880 a diciassette anni compone le sue prime sinfonie, fra le più importanti: la "Sinfonia in fa maggiore", "Elegia per soprano, violino e pianoforte", "Ave Maria per soprano e pianoforte", "Pater Noster per soprano e quintetto d'archi". L'anno successivo viene eseguita a Livorno la sua cantata "In filanda a quattro voci soliste e a piena orchestra". Durante lo stesso anno scrive la cantata "Alla gioia" sul testo di Schiller tradotto da Andrea Maffei.

Nel 1882 si trasferisce a Milano grazie all'aiuto economico del conte de Larderel, il suo secondo mecenate (il primo fu lo zio morto un anno prima). A Milano, Pietro Mascagni entra al conservatorio e stringe amicizie con il mondo artistico dell'epoca; fra questi incontri spicca quello con Giacomo Puccini, Amilcare Ponchielli e con Vittorio Gianfranceschi, che diverrà il suo più grande amico. Nei tre anni successivi compone la romanza per tenore con orchestra "Il Re a Napoli", su parole di Andrea Maffei e inizia a dedicarsi all'opera "Guglielmo Ratcliff" di Heine.

Lascia il conservatorio in polemica con il direttore e si dedica ad una serie di tournée in giro per l'Italia come direttore d'orchestra di diverse compagnie d'opera. Nel 1886 conosce Argenide Marcellina Carbognani da cui ha un figlio che muore a soli quattro mesi di età; si sposano un anno dopo. Il comune di Cerignola gli offre di dirigere la filarmonica della città. Nel 1888 partecipa ad un concorso indetto dalla casa editrice Sonzogno per un'opera in un atto. L'argomento con cui decide di partecipare è "La cavalleria Rusticana", opera tratta dall'omonima novella di Verga", composta assieme ai librettisti Giovanni Targioni-Tozzetti e Guido Menasci.

L'anno seguente nasce il primo figlio, Domenico. Nel 1890 La " Cavalleria rusticana" viene proclamata vincitrice del concorso su 73 partecipanti e il 17 maggio debutta al Teatro Costanzi di Roma dove ottiene un notevole successo di pubblico e critica. Da quel momento, ovunque venga rappresentata richiama un pubblico entusiasta.

L'anno seguente mette in scena un'altra opera al Costanzi di Roma, " L'amico Fritz". Nel 1891 nasce il secondo figlio Edoardo e nel 1892 la figlia Emilia. Nel 1895 va in scena alla Scala il "Retcliff" di Heine diretto dallo stesso Mascagni. Nel 1897 inizia la collaborazione con Luigi Illica con il quale lavora all'"Iris" per l'editore Sonzogno e alle "Maschere" per l'editore Ricordi. L'anno seguente dirige sei concerti alla scala fra cui la "Patetica" di Pyotr Ilyich Tchaikovsky, fino ad allora mai eseguita in Italia, e il poema sinfonico a " Giacomo Leopardi", composto per le celebrazioni dei cento anni dalla nascita del poeta di Recanati.

Dal 1899 al 1903 Mascagni è impegnato in alcune tournée che lo portano a dirigere nelle più importanti città italiane, europee e americane. Rientrato in Italia assume la carica di direttore della Scuola Nazionale di Musica di Roma carica che affianca a quella di direttore del teatro Costanzi di Roma, che ricopre dal 1907. Continuano le tournée all'estero. Nel 1927 rappresenta l'Italia a Vienna per la celebrazione del centenario della morte di Ludwig Van Beethoven. Nel 1929 viene incluso fra gli accademici della Reale Accademia d'Italia. Nel 1935 viene messa in scena alla Scala la sua ultima opera Nerone. Nel 1940 l'opera "La Cavalleria Rusticana" compie 50 anni e viene incisa su disco. Nel 1944 si dimette dalla carica di direttore artistico del teatro Costanzi.

Pietro Mascagni muore il 2 agosto 1945, all'età di 82 anni, nella sua camera d'albergo all'hotel Plaza di Roma dove risiedeva dal 1927.

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Pietro Mascagni. La musica gira per il mondo

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Pietro Antonio Stefano Mascagni nasce il 7 dicembre 1863 a Livorno. Il padre Domenico Mascagni è proprietario di un forno mentre la madre si occupa della famiglia. Pietro ha quattro fratelli e da subito si mostra il più intelligente e interessato agli studi e per questo, malgrado le ristrettezze economiche, viene avviato agli studi umanistici.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Camille 

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Camille 

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Saint-Saëns nacque a Parigi da un impiegato governativo molto ricco, che morì dopo soli tre mesi dalla nascita del figlio. La madre, Clémence, si rivolse alla zia Charlotte Masso per un aiuto ed ella si trasferì da loro e cominciò ad insegnare a Camille a suonare il pianoforte.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Jules Massenet

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Jules Massenet

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Jules Émile Frédéric Massenet ( Saint-Étienne, 12 maggio 1842 - Parigi, 13 agosto 1912) è stato un compositore, pianista e organista francese, maggiormente noto come autore operistico, in particolare di , e .

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Cou

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Cou

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Gustave Coubert - IAM Contemporary Art Video

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Bizet

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Bizet

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Honoré Daumier

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Honoré Daumier

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Prezzi e stime delle opere di Honore Daumier

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Honore Daumier (1808-1879): valore opere, prezzi e stime, statistiche di vendita di Daumier, allerta mail opere in vendita.

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Biografia * Il coraggio della satira

La caduta di Carlo X segna, per la Francia, la fine della restaurazione dell'assolutismo monarchico e l'inizio, con Luigi Filippo d'Orléans, del riscatto del liberalismo borghese. Ma il processo di emancipazione della società francese è solo all'inizio, perché già durante il regno di Luigi Filippo comincia a fare capolino una nuova coscienza sociale, quella dei ceti più popolari, della gente che ha sempre fatto le rivoluzioni per conto di altri e che ora invece comincia a maturare, per l'appunto, una coscienza di classe.

Fra i primi ad esprimere e diffondere, attraverso la sua arte, questi sentimenti, è Honoré Daumier.

Pittore, litografo, incisore, disegnatore e scultore, Daumier nasce a Marsiglia il 26 febbraio 1808 da Jean Baptiste Louis, poliedrico artigiano-poeta, e da Cécile Catherine Philip.

Con la sua copiosissima produzione artistica che si sforza di descrivere la realtà in maniera distaccata e asettica, Honoré Daumier va a collocarsi, insieme a Gustave Coubert e Jean Francoise Millet, fra i padri del Realismo, movimento culturale - erede del positivismo - nato in Francia intorno al 1840.

L'attività che più lo ha reso noto è quella di caricaturista: negli anni dal 1830 al 1835 pubblica sul giornale di opposizione "La caricature" litografie di asperrimo sarcasmo socio-politico ed antiborghese, proseguendo, dal 1835, sulla testata "Charivari" producendo, complessivamente, circa 4.000 vignette create con la tecnica litografica.

Una delle più celebri caricature è "Gargantua", dedicata a Luigi Filippo: la dissacrazione del re, fino a rasentare l'insulto, gli costa sei mesi di carcere ed una pesante multa. Ma il sovrano resterà anche in seguito l'oggetto prediletto della sua satira. L'irrigidimento delle norme sulla libertà di stampa, che giungono fino alla censura, lo inducono però a mutare stile, imprimendo alle proprie vignette contenuti esclusivamente culturali: in questa fase Honoré Daumier collabora alla "Chronique de Paris", il giornale del grande Honoré de Balzac e sposa, nel 1846, Marie-Alexandrine Dassy.

Nella seconda metà degli anni '40 inizia a dedicarsi alla pittura, anche in seguito all'amicizia col pittore romantico Eugène Delacroix. In seguito stringe ottimi rapporti anche con Charles-François Daubigny, Jean-Baptiste Camille Corot e Jean-François Millet, artisti che lo arricchiscono tanto nello spirito quanto nell'espressione artistica.

Anche in questo campo i suoi soggetti traggono spunto dalla realtà quotidiana, ma l'evidente novità rappresentata dalla sua pittura fa di lui un artista di nicchia: trascorre gli ultimi anni in povertà e solitudine, con il conforto di pochi amici che continuano a considerarlo un maestro, in particolare di Corot che lo sostiene anche economicamente.

Ormai settantunenne e privato quasi del tutto della vista, Honoré Daumier si spegne a Valmondois, il 10 febbraio 1879, all'età di 70 anni.

Per l'incisività e la forza innovativa della sua arte, si colloca fra i maggiori artisti dell'Ottocento e fra i precursori dell' impressionismo.

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Honoré Daumier. Il coraggio della satira

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La caduta di Carlo X segna, per la Francia, la fine della restaurazione dell'assolutismo monarchico e l'inizio, con Luigi Filippo d'Orléans, del riscatto del liberalismo borghese. Ma il processo di emancipazione della società francese è solo all'inizio, perché già durante il regno di Luigi Filippo comincia a fare capolino una nuova coscienza sociale, quella dei ceti più popolari, della gente che...

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Nato il 4 ottobre 1814 a Gruchy, un piccolo gruppo di case sulla riva del mare di Normandia, Jean Francois Millet è considerato uno dei più importanti pittori del realismo francese del secondo Ottocento.

Studia a Cherbourg presso un allievo di Gros fino al 1837, quando, grazie a una borsa di studio, può frequentare i corsi di Paul Delaroche all'Accademia di Belle Arti di Parigi.

Tornato a Cherbourg nell'inverno 1840-1841, vi incontra Pauline-Virginie Ono, con la quale si trasferisce a Parigi e che sarà la sua prima moglie. Rimasto vedovo dopo soli tre anni, sposa Catherine Lemaire; dai suoi matrimoni avrà nove figli.

Nei primi anni quaranta, Millet esordisce, nella ritrattistica, genere che, nella piccola città di Cherbourg, poteva garantirgli delle commissioni.

Presto, ai ritratti il pittore, seguendo il gusto di allora, si dedica alle scene pastorali, agli idilli classici ed ai nudi femminili, in una "maniera fiorita" come fu definito dai suoi contemporanei.

La sua attività giovanile, iniziata nell'ambito del romanticismo, conserva una intonazione lirica che manca, spesso, agli altri interpreti del realismo, quali ad esempio Goustave Courbet, e, verso la fine degli anni quaranta i temi della sua poetica si impregnano di un crescente naturalismo.

I soggetti dei suoi quadri sono quasi sempre contadini che vengono presentati con una intonazione poetica senza qualsiasi intento provocatorio o di polemica sociale.

Il Salon, dopo aver respinto alcuni suoi quadri, accetterà di esporre i lavori di Jean-François Millet per più di un ventennio, quando verrà nominato membro della giuria nel 1868.

Le sue prime tele, di contenuto agreste, risalgono al 1848, lo stesso anno della svolta realista di Gustave Courbet e anno della rivoluzione di febbraio che portò all'istituzione, in Francia, della Seconda Repubblica.

Dopo la rivoluzione del 1848, grazie a una somma stanziata dallo Stato, Millet, dal giugno 1849, si trasferisce con la numerosa famiglia a Barbizon nella foresta di Fontainebleau, dove rimarrà, salvo brevi viaggi, fino alla morte nel gennaio del 1875, facendo la fortuna di questo paese che divenne un polo d'attrazione per gli appassionati d'arte di tutto i mondo, specialmente gli americani.

Il quadro che segna la svolta artistica di Jean-François Millet è Il seminatore esposto al Salon del 1850, dove riscuote un autentico successo, soprattutto tra i repubblicani e i critici di sinistra, con vivacissime polemiche dei conservatori.

La vita del popolo riveste una dignità fino ad allora sconosciuta, la rivoluzione aveva permesso a Millet, Courbet e ad altri, di celebrare la rivoluzione sociale ritraendo immagini inedite della vita rurale.

In quella che può esse definita "epopea dei campi", l'artista racconta, con partecipazione sincera, la vita dei contadini, conferendo dignità alla fatica del loro quotidiano lavoro, nobilitato da antica sapienza, da riti e tempi prefissati, rispettati religiosamente.

Con la stessa precisione sono descritte le scene nell'intimità della casa, dove regna la figura femminile: la madre che insegna alla figlia il lavoro a maglia; la donna che, alla luce di una lampada, rammenda un vestito, la ragazza che fa il burro, la donna che fila la lana, la toeletta del mattino alla luce di una finestra.

Paesaggista superbo, Jean-François Millet, continuò ha dipingere la campagna, ritraendo la perfezione botanica, i luminosi orizzonti, il silenzio di un campo arato e fumante, ma l'uomo, poco a poco, scompare dai suoi quadri ed il pittore si dedica alla pittura di soli paesaggio, finendo la sua attività con quadri che preannunciano già lo spirito della successiva Pittura Simbolista.

Millet fu un lavoratore formidabile, nei suoi cinquantun anni di vita produsse circa cinquecento quadri e tremila tra disegni, pastelli e acquerelli; con Degas, Millet è certamente il più grande interprete della tecnica del pastello dell'intero XIX secolo.

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Nato il 4 ottobre 1814 a Gruchy, un piccolo gruppo di case sulla riva del mare di Normandia, Jean Francois Millet è considerato uno dei più importanti pittori del realismo francese del secondo Ottocento. Studia a Cherbourg presso un allievo di Gros fino al 1837, quando, grazie a una borsa di studio, può frequentare i corsi di Paul Delaroche all'Accademia di Belle Arti di Parigi.

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Jean-François Millet, Autoritratto, 1845-1846, carbone, sfumino e carboncino nero, Museo del Louvre, Parigi

Jean-François Millet ( Gréville-Hague, 4 ottobre 1814 - Barbizon, 20 gennaio 1875) è stato un pittore francese, considerato uno dei maggiori esponenti del Realismo.

Jean-François Millet nacque il 4 ottobre 1814 a Gréville-Hague, in Normandia, primogenito di Jean-Louis-Nicolas e Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, entrambi contadini. Millet iniziò la sua precoce ma irregolare formazione su iniziativa dei genitori, che lo affidarono ad alcuni precettori privati, per poi proseguire gli studi a Cherbourg, dove giunse nel 1833 a studiare pittura sotto la guida del ritrattista Paul Dumouchel, senza per questo trascurare di aiutare la famiglia nel duro lavoro dei campi. Nel 1835 passò a Lucien-Théophile Langlois, un emulo di Antoine-Jean Gros, e nel 1837, grazie a una borsa di studio, si trasferì a Parigi per frequentare l'École des Beaux-Arts sotto la direzione del pittore Paul Delaroche. Fu nella capitale francese che Millet esordì, senza gloria, al Salon del 1839.

Jean-François Millet, Pastorella con il suo gregge, 1864, olio su tela, 81×101 cm, Museo d'Orsay, Parigi

Tornato a Cherbourg, nell'inverno 1840-1841 vi incontrò Pauline-Virginie Ono, fanciulla della quale si invaghì perdutamente e che fu la sua prima moglie; purtroppo morì precocemente, tre anni dopo le nozze, lasciando l'artista sopraffatto dal dolore. Millet decise inizialmente di dedicarsi alla ritrattistica, genere che nella piccola Cherbourg riusciva a fruttargli qualche commissione, per poi adattarsi pur di vivere a una mediocre produzione di dipinti a soggetto mitologico.

Fu nel 1846-47 che Millet strinse amicizia con Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque e Théodore Rousseau, artisti che formeranno il primo nucleo della scuola di Barbizon. Fu grazie a questi incontri che Millet iniziò a dedicarsi alla vita contadina, il tema più vicino alla sua sensibilità artistica. Nel 1848 iniziò a riscuotere i primi successi al Salon, che ospiterà le sue tele sino al 1865: tra le sue tele più acclamate vi fu Il seminatore (1850), tela che, pur venendo aspramente criticata dalle firme più conservatrici, riscosse i plausi dei repubblicani e dei critici di sinistra.

Sotto l'influsso dei Barbizonniers, nel giugno 1849 Millet decise di trasferirsi definitivamente a Barbizon, sfruttando una piccola somma stanziatagli dallo Stato. L'artista sarebbe rimasto in questo paesino per il resto della sua vita, allontanandosene raramente in occasioni di due viaggi a Cherbourg (1854, 1870) e a Vichy (1866, 1868). Fu proprio qui, tra l'altro, che licenziò le sue opere più celebri, come e Le spigolatrici, consolidando gradualmente la sua fama e arrivando persino a essere insignito del Cavalierato della Legion d'onore.

Morì sessantenne a Barbizon il 20 gennaio 1875.

Jean-François Millet
Le spigolatrici (1857)
olio su tela, 83,5 × 110 cm
Museo d'Orsay

Dopo gli esordi, indirizzati alla produzione di ritratti e di dipinti a soggetto storico-mitologico ed erotico-galante, Millet si orientò definitivamente verso la fonte più vera e sentita della sua ispirazione artistica: la vita agreste. I suoi quadri, in tal senso, furono rivoluzionari, poiché egli conferì ai suoi contadini una solennità e una dignità quasi eroica che verranno interpretati, in un clima segnato dalle lotte di classe, come un forte segno di emancipazione. Ispirandosi a un quadro millettiano Victor Hugo nel 1866 avrebbe celebrato "il gesto augusto del seminatore", e lo stesso Millet era consapevole della forza eroica dei suoi contadini, tanto che nel febbraio del 1851 scrisse:

Attuando una vera e propria "epopea dei campi", Millet fu in grado di raccontare la vita dei contadini con vivissima vicinanza affettiva, analizzando la loro semplice e faticosa quotidianità nei campi in tutte le sue fasi e in ogni momento della giornata, dall'alba al tramonto.

Jean-François Millet
L'Angelus (1858-59)
olio su tela, 55×66 cm
Museo d'Orsay, Parigi

Dal punto di vista stilistico Millet fu assai sensibile all'offensiva realista di Gustave Courbet, dal quale prese ispirazione nel realizzare quadri diretti e privi di abbellimenti e dipingervi soggetti sino ad allora considerati triviali ed indegni di rappresentazione pittorica (in questo caso il lavoro quotidiano dei contadini).

A differenza degli altri pittori realisti, tuttavia, Millet non utilizzò i suoi dipinti come strumento di denuncia sociale e, anzi, spesso li ricolmò con intensi coinvolgimenti lirici e sentimentali: questo fu uno degli aspetti più criticati dagli altri artisti e critici, come Cézanne, che paragonava i dipinti di Millet ad una "vecchia ghiandola lacrimale".

Malgrado ciò, le opere millettiane si distinguono per l'essenzialità geometrica delle forme, la regolarità e armonia delle composizioni, il meditato equilibrio tra le luci e le ombre e per il bilanciamento tra macchie e tonalismi dei colori: sono tutte caratteristiche che rivelano un'impostazione classica, oltre che una ponderata riflessione compiuta sugli archetipi rinascimentali. Le figure umane presentano un corpo modellato con energica plasticità e hanno atteggiamenti ben definiti: al contrario, i dettagli del dipinto non sono analiticamente descritti, bensì sono appena accennati e fissati nella loro essenzialità.

Le pitture di Millet ebbero vastissima eco e furono in molti a subire il suo influsso: speciale menzione meritano Pissarro, Seurat, Gauguin, Segantini, Knight e, soprattutto, Van Gogh.

Nadar
Ritratto di Jean-François Millet (1854-1860)
fotografia, 24,4x18 cm
Museo d'Orsay

Il francese Nadar, noto fotografo e vignettista, nel corso della sua carriera ci ha lasciato diversi ritratti caratteriali di Jean-François Millet. In una caricatura pubblicata il 24 luglio 1852 su Le journal pour rire, infatti, Nadar sceglie di ritrarre Millet nelle vesti di un artista-contadino, con addosso un paio di zoccoli e una vanga, una pala e una tavolozza di colori in mano. Il disegno era accompagnato da un testo garbato ma beffardo:

Millet, tuttavia, era un uomo dalla doppia matrice caratteriale. Se quand'egli era a Barbizon sembrava un uomo semplice, desideroso di sembrare simile ai contadini ritratti nei suoi dipinti, lo stesso non si può dire quando soggiornava a Parigi, dove tutto a un tratto diveniva ansioso di trasmettere un'immagine di sé contegnosa e rispettabile. Nella fotografia che Nadar scattò a Millet negli anni 1850, infatti, il pittore veste un abito alla moda e adotta un portamento fiero, imponente e robusto, e sembra quasi una persona severa. Questa foto, d'altronde, collima perfettamente con il ritratto fisiognomico offertoci dagli amici di Millet, che del loro compagno dissero:

Portrait de Pauline Ono (1841), museo Thomas-Henry, Cherbourg-Octeville

Intérieur de cuisine Normande (1842), museo di belle arti di Châlons-en-Champagne

Bildnis des ehem. Schweizer Konsuls Friedrich Wanner in Le Havre (1845), Kunstmuseum Bern

Baigneuse au bord de l'eau (c. 1846 / 1847), olio su legno, museo di belle arti di Digione

Le Repos des faneurs (1849), museo d'Orsay, Parigi

Le Semeur (1851), olio su tela, museo di belle arti di Boston

Le Départ pour le Travail (1851), olio su tela, collezione privata

Notre-Dame de Lorette (v. 1851), olio su tela, museo di belle arti di Digione

La Précaution maternelle (1855-1857), museo del Louvre, Parigi

Hameau Cousin à Gréville (1855-1874), museo di belle arti di Reims

Les Glaneuses (1857), museo d'Orsay, Parigi

La Charité (1858), museo Thomas-Henry, Cherbourg-Octeville

La Petite Bergère (1858), museo d'Orsay, Parigi

L'Angélus (1859), museo d'Orsay, Parigi

La Mort et le Bûcheron (1859)

L'Homme à la houe (1860-1862)

L'Hiver aux Corbeaux (1862), Österreichische Galerie, Vienna

Les Planteurs de pommes de terre (1862), museo di belle arti di Boston

Bergère avec son troupeau (1863-1864), museo d'Orsay, Parigi

La Méridienne (1866), museo di belle arti di Boston

Le Printemps (1868-1873), museo d'Orsay, Parigi

La Leçon de tricot (1869), Saint Louis Art Museum, Missouri

L'Église de Gréville (1871-1874), museo d'Orsay, Parigi

Le Bouquet de marguerites (1871-1874), museo d'Orsay, Parigi

Chasse des oiseaux avec les feux (1874), Philadelphia Museum of Art

Le Retour du troupeau, museo d'Orsay, Parigi

1. Lettera ad Alfred Sensier del 1850. (Julia Cartwright, ^ Jean François Millet: His Life and Letters, New York, Macmillan, 1910, p. 106. ("This interesting letter, in which Millet opens his heart to his friend, bears no date; but from the allusion which it contains to Rousseau's pictures, which were exhibited in Paris before their sale on the 2nd of March, 1850, it must have been written in the February of that year." (ibid,, p. 107).

2. ^ Musée d'Orsay : Jean-François Millet, Le Printemps

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Jean-François Millet ( Gréville-Hague, 4 ottobre 1814 - Barbizon, 20 gennaio 1875) è stato un pittore francese, considerato uno dei maggiori esponenti del Realismo. Jean-François Millet nacque il 4 ottobre 1814 a Gréville-Hague, in Normandia, primogenito di Jean-Louis-Nicolas e Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, entrambi contadini.

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Courbet è in assoluto il capostipite indiscusso del Realismo pittorico francese, nato a Ornans nel 1819 da una famiglia contadina benestante, conduce i primi studi presso il piccolo seminario della città natale. Autodidatta, inizia la sua attività nel solco della tradizione romantica, ponendo particolare attenzione, nella copia dal vero, alle opere di Caravaggio e Rembrandt. Ben presto arriva però a rifiutare ogni tipo di influenza e compromissione con tutte le forme d'arte ufficiali e proclama che "la pittura può consistere soltanto nella rappresentazione di oggetti visibili e tangibili".

Per rendere compiutamente il senso del vero l'artista comprende di non poter più vivere nei modi convenzionali della società borghese, così decide di condurre una vita da bohémien a diretto contatto con il popolo. Nel 1861 Courbet apre una propria singolarissima scuola, in evidente polemica con le scuole d'Arte ufficiali. Ai suoi pochi allievi il bizzarro maestro insegna che "non ci possono essere scuole: ci sono soltanto pittori" e che l'arte "è tutta individuale e che, per ciascun artista, non è altro che il risultato della propria ispirazione e dei propri studi sulla tradizione". Courbet non impartiva lezioni teoriche, preferiva che gli allievi lo guardassero dipingere, non a caso il suo motto era "Fai quello che vedi, che senti, che vuoi". Insieme alle polemiche giungono anche i primi riconoscimenti, accolti comunque senza entusiasmo. Nel 1871 Courbet partecipa all'insurrezione di Parigi e in seguito alla restaurazione viene processato e condannato quale sovversivo, costretto a vedere all'asta tutte le sue opere Courbet muore i dignitosa solitudine nel 1877.
Courbet è un artista che non conosce mezze misure, anche se la sua sete di realismo ha radici culturali lontane ( Caravaggio, Rembrandt, Tiziano e Géricault) la tecnica che adotta è straordinariamente innovativa e personale. Anche per quanto riguarda i temi l'artista abbandona qualsiasi riferimento storicistico concentrandosi sui piccoli fenomeni del quotidiano, registrati con l'impersonale distacco di un osservatore oggettivo.

Courbet, opere

Lo spaccapietre

Nell'opera Lo spaccapietre di Courbet che risale al 1849 è rappresentato un manovale intento a frantumare dei sassi per ricavarne ciottoli di pezzatura inferiore. L'occhio indagatore dell'artista scava impietosamente nella realtà mettendone a nudo ogni risvolto: le toppe sulle maniche, panciotto strappato sotto l'ascella, calzini bucati al tallone, il povero pasto. La natura circostante è tratteggiata in modo essenziale, senza indulgenza né compiacimenti, nonostante ciò Courbet rifugge da ogni tentazione pietistica e si limita a fotografare la realtà.

Funerale a Ornans

In questo dipinto è raffigurata la sepoltura di un umile contadino e non di una personalità di spicco. Il contadino deve essere ancora seppellito e vicino al cadavere c'è un cane che osserva la scena. Questo quadro destò scalpore per il soggetto in sé (funerale campagnolo) e per il crudo realismo, sbattuto in faccia dall'osservatore anche a causa delle grandi dimensioni (7mx4m).

L'atelier del pittore

L'enorme tela del 1855 vede l'artista esporre in modo compiuto tutti i propri ideali artistici e umani. Al centro l'artista rappresenta se stesso all'opera; attorno a lui si affollano,nella fosca penombra, una trentina di personaggi. A sinistra sono rappresentate le classi sociali che vivono ai margini della società: ubriaconi, saltimbanchi, balordi. Questi hanno tutti la testa mestamente reclinata e l'atteggiamento pensoso, nei loro volti senza sorriso si legge il pesante fardello della vita e dei suoi dolori. A destra sono invece rappresentati i sogni e le allegorie, fra cui l'amore, la filosofia e la letteratura, ai quali l'artista ha donato i volti di conoscenti e amici. La Verità, nuda accanto all'artista, osserva con tenerezza l'opera che egli sta ultimando. Di fronte un bimbetto dai vestiti laceri guarda incuriosito: l'artista vuole dirci che la verità è semplice e innocente come il bimbo, oltre che nuda.

Le signorine sulla riva della Senna

Il dipinto Le signorine sulla riva della Senna o noto anche come Le fanciulle sulla riva della Senna scosse la critica del tempo, in quanto l'artista non rappresenta personaggi storici o mitologici e la scena non è collocata in un ambiente fantastico ma lungo le ben note rive della Senna. Le due ragazze sdraiate, poi, erano vestite secondo la moda del tempo e ciò escludeva qualunque volontà di identificarle con ninfe o dee dell'antichità. Le loro posizioni, goffe e sgraziate, ci dicono come l'artista abbia voluto coglierle di sorpresa, le due non si sarebbero mai fatte dipingere in quelle pose "stravaccate". C'è comunque l'intenzione di registrare, non di criticare. Ciò non vuole però dire che l'artista costruisse le sue opere in modo casuale e irrazionale, al contrario egli dimostra una grande attenzione ai problemi compositivi, infatti realizzò moltissimi schizzi preparatori dal vero prima di dipingere questo quadro.

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Courbet è in assoluto il capostipite indiscusso del Realismo pittorico francese, nato a Ornans nel 1819 da una famiglia contadina benestante, conduce i primi studi presso il piccolo seminario della città natale. Autodidatta, inizia la sua attività nel solco della tradizione romantica, ponendo particolare attenzione, nella copia dal vero, alle opere di Caravaggio e Rembrandt.

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Biografia

Jean Désiré Gustave Courbet nasce il 10 giugno del 1819 a Ornans, nel dipartimento del Doubs, in Francia, discendente di una famiglia di agricoltori. Spinto dai genitori a studiare legge, nel 1839 si trasferisce a Parigi, dove si dedica alla pittura e in particolare allo studio degli artisti francesi, spagnoli e fiamminghi, dei quali esegue numerose copie.

Lo studio della vita reale

Gustave Courbet Realizza, tra l'altro, una "Odalisca" che trae ispirazione dalle opere di Victor Hugo, per poi dare vita a una illustrazione per "Lélia", romanzo di George Sand. Ben presto, però, abbandona le fonti di ispirazione letterarie per concentrarsi sulla vita reale.

Tale convinzione viene rafforzata da un viaggio compiuto nel 1847 nei Paesi Bassi, nel corso del quale ha la possibilità di entrare in contatto con Hals e con Rembrandt.

Nel 1848 Courbet assiste a un funerale di un prozio che verrà poi trasposto nell'opera "Funerale a Ornans": la tela, che raffigura la cerimonia funebre, rappresenta un capolavoro di stile realista; per portarla a termine, Gustave Courbet usa come modelli le persone presenti all'evento.

Il dipinto dà vita a un dibattito molto vivace, non solo tra i critici ma anche nel pubblico, anche perché dimensioni tanto imponenti (3,1 metri per 6,6 metri) fino a quel momento erano state riservate unicamente a soggetti rappresentativi di famiglie reali o a figure religiose.

I cambiamenti proposti da Gustave Courbet

La critica, quindi, comincia ad acclamare il pittore di Ornans, il quale si mostra subito consapevole dei cambiamenti che sta apportando al mondo dell'arte (arrivando a sostenere che al "Funerale a Ornans" è corrisposto il funerale del romanticismo).

Mentre il pubblico si interessa e si avvicina sempre di più al suo approccio realistico, che contribuisce al progressivo decadimento del romanticismo, Courbet si dedica a "Dopocena ad Ornans", grazie al quale viene premiato con una medaglia dal Salon di Parigi, che pure qualche tempo prima aveva rifiutato due suoi autoritratti (uno con una pipa in bocca, l'altro in compagnia del suo cane).

A quel periodo risale "La valle della Loira"; nel 1850, sempre al Salon, Courbet ottiene un notevole successo, oltre che per merito di "Funerale a Ornans", anche grazie a "Gli spaccapietre" e "I contadini di Flagey".

Negli anni successivi si occupa di "Le fanciulle" e "I lottatori", dipinti di natura figurativa in cui rappresenta persone comuni, così come accade in "Le bagnanti".

Nel mondo della politica

Nel frattempo, oltre a dedicarsi all'arte, egli si avvicina anche alla politica, accogliendo l'ideologia anarchica e diffondendo ideali socialisti e democratici anche sfruttando la propria fama.

Nel 1855 Courbet espone al pubblico "L'atelier del pittore", opera monumentale che allegorizza la sua esistenza di artista e che vede raffigurato anche Charles Baudelaire.

Nella seconda metà degli anni Sessanta Courbet si dedica a diverse opere di natura erotica, tra cui "Femme nue couchée"; nel 1866, inoltre, vedono la luce "Jo, la belle irlandaise", "Donna con pappagallo" e il celebre "L'origine du monde" ( L'origine del mondo), che vede raffigurato l'organo genitale femminile, mentre "Il Sonno" rappresenta due donne abbracciate in un letto senza vestiti.

Sia " L'origine du monde" che "Il Sonno", pur non potendo essere esposti in pubblico in assenza di autorizzazioni specifiche, contribuiscono a incrementare la popolarità del pittore, il quale il 14 aprile del 1870 fonda la Federazione degli Artisti, gruppo a cui prendono parte, tra gli altri, Honoré Daumier, André Gill, Jules Dalou, Jean-Baptiste Camille Corot, Edouard Manet e Eugène Pottier.

Successivamente Courbet si rifiuta di ricevere l'onorificenza della Legion d'Onore che gli era stata conferita da Napoleone III, e anche per questo motivo diventa un paladino degli oppositori del regime napoleonico.

Così, nel 1871, in corrispondenza del periodo della Comune di Parigi al governo, Courbet viene scelto alla guida dei musei della capitale francese, che devono fare i conti con i tentativi di saccheggio del popolo in rivolta.

Nel settembre dello stesso anno, egli viene condannato a sei mesi di prigione dalla corte marziale di Versailles, in quanto ritenuto responsabile della distruzione della Colonna della Grande Armée di Place Vendome: in realtà, la sua unica "colpa" era stata quella di voler fare rispettare il decreto Comunale che ne sanciva la rimozione.

Jean Désiré Gustave Courbet muore il 31 dicembre del 1877 a La Tour-de-Peilz, in Svizzera, all'età di cinquantotto anni, a causa delle conseguenze della cirrosi epatica di cui soffre (dovuta alla sua propensione al bere): il suo cadavere viene seppellito nel cimitero di Ornans.

Opere di Courbet

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Jean Désiré Gustave Courbet nasce il 10 giugno del 1819 a Ornans, nel dipartimento del Doubs, in Francia, discendente di una famiglia di agricoltori. Spinto dai genitori a studiare legge, nel 1839 si trasferisce a Parigi, dove si dedica alla pittura e in particolare allo studio degli artisti francesi, spagnoli e fiamminghi, dei quali esegue numerose copie.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Rodrigo

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Rodrigo

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Manuel Barrueco: Joaquín Rodrigo - Invocacion y Danza

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Opere liriche di Georg Friedrich Händel - Wikipedia

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Iniziò a comporre opere in Germania e poi per un breve periodo in Italia con modesto successo. Non ebbe molta fortuna in questo genere fino al suo trasferimento in Inghilterra. La sua prima opera in Inghilterra, (1711), fu accolta con entusiasmo e diverse altre opere italiane ben presto fecero seguito.

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Joaquín Rodrigo Vidre, marchese dei giardini di Aranjuez ( Sagunto, 22 novembre 1901 - Madrid, 6 luglio 1999), è stato un compositore e pianista spagnolo. Musicista classico, è noto principalmente per il suo Concerto d'Aranjuez .

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Manuel de Falla

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Manuel de Falla

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Dopo la guerra civile del 1936 lasciò la Spagna ed emigrò in Argentina. Visse in suoi ultimi anni ad Alta Gracia insieme alla sorella Carmen in una casa, lo chalet "Los Espinillos", che ora ospita il Museo Manuel de Falla. Infatti morì 7 anni dopo il suo abbandono della Spagna.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Granados

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Granados

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Enrique Granados: Doce danzas españolas Op. 37 (1900)

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Enrique Granados nacque a Lleida in Catalogna, Spagna. Da giovane studiò pianoforte a Barcellona, e tra i suoi insegnanti vi furono Francisco Jurnet e Joan Baptista Pujol. Nel 1887 si recò a Parigi per studiare con il pianista Charles de Beriot, e ritornò in patria due anni dopo.

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Isaac Albeniz

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Ascoltiamo insieme l'opera(a parer mio) più bella di Isaac Albeniz

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Ana Vidovic plays Asturias by Isaac Albéniz on a Jim Redgate classical guitar

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Isaac Manuel Francisco Albéniz ( Camprodon, 29 maggio 1860 - Cambo-les-Bains, 18 maggio 1909) è stato un pianista e compositore spagnolo, considerato fra i maggiori esponenti della sua scuola nazionale.

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Ludwig van Beethoven

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Ludwig van Beethoven

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Sinfonia n. 5 (Beethoven) "Il Destino bussa alla porta".

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Lista delle opere di Ludwig van Beethoven 

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Lista delle opere di Ludwig van Beethoven 

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Le Opere - Elenco completo delle opere di Ludwig van Beethoven

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Esistono 138 opere di Beethoven con numero di Opus, ma le musiche che il compositore o gli editori dell'epoca non ritennero degne di fare parte del catalogo generale sono ancora più numerose: se ne censiscono ben 228.

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Biografia * Sinfonie eterne

Si tratta probabilmente del più grande compositore di ogni tempo e luogo, un titano del pensiero musicale, i cui traguardi artistici si sono rivelati di portata incalcolabile. E forse, in alcuni momenti della sua opera, anche il termine "musica" appare riduttivo, là dove lo sforzo di trasfigurazione compiuto dal genio appare trascendere l'umano sentire.

Nato a Bonn (Germania) il 17 dicembre 1770 Beethoven crebbe in un ambiente culturale e familiare tutt'altro che propizio. Il padre è tacciato dagli storici di esser stato un maldestro cantante ubriacone, capace solo di sperperare i pochi guadagni in grado di racimolare, e di spremere fino all'ossessione le capacità musicali di Ludwig, nella speranza di ricavarne un altro Mozart: espedienti di basso sfruttamento commerciale fortunatamente poco riusciti.

La madre, donna umile ma giudiziosa e onesta, appare segnata da una salute men che cagionevole. Ebbe sette figli, quattro dei quali morti prematuramente.

Il temperamentoso Ludwig si trova dunque ben presto gettato nell'arena della sopravvivenza, forte solo del suo precoce talento.

A nove anni inizia studi più regolari con Christian Neefe, organista di Corte, a quattordici è già organista della Cappella del principe elettore (l'anno prima perde la madre, evento che lo traumatizza) e poco dopo, polistrumentista come il fratello in musica Amadeus, suona nell'orchestra del teatro.

Nel 1792 lascia Bonn per recarsi nella più vivace Vienna, la città che più lo avrebbe apprezzato e in cui poi si sarebbe fermato per il resto della vita. Le sue capacità improvvisative, basate su aggressioni premeditate al finora esile pianoforte alternate a inaudite dolcezze, scioccano l'uditorio.

Le sue opere, dapprima influenzate dai classici di sempre ( Haydn, Mozart) ma già marchiate da soverchia personalità, poi sempre più audaci e innovative, scuotono il pigro andazzo della vita artistica, seminano il panico estetico, gettano chi ha orecchie e cuore per intendere, nei terribili abissi della coscienza.

Mentre viene idolatrato, in primis dai nobili del tempo che fanno a gara per assicurargli vitalizi e vedersi omaggiati nei frontespizi delle opere, anche se scrive musica secondo le sue esigenze espressive e non secondo commissioni (primo artista della Storia), con lui una crepa, uno scollamento tra traguardo artistico e pubblico diverrà sempre più incolmabile.

Le ultime opere, scritte già in completa sordità stanno a testimoniarlo, esoterici incunaboli per i compositori a venire.

Il tarlo auditivo lo colpisce già in giovane età, causando crisi al limitare del suicidio e intensificando il suo orgoglioso distacco dal mondo, frutto non di banale disprezzo ma dell'umiliazione di non poter godere in modo semplice della compagnia altrui. Solo le passeggiate in campagna gli danno un po' di pace ma col tempo, per comunicare con lui, gli amici dovranno rivolgergli le domande per iscritto, edificando per i posteri i celebri "quaderni di conversazione".

Anche l'amore, cercato fra le blasonate di sangue blu (frequentatrici il suo ambiente abituale), non gli fu propizio: forse per insipienza da parte delle amate, immobili come gazzelle ipnotizzate davanti a quel leone indomabile, o forse per insuperabili pregiudizi sociali, la nobile non potendosi accoppiare col borghese, con l'umile servitore delle sette note.

Ansioso di calore familiare, non trovò di meglio che estorcerlo forzosamente al nipote Karl, orfano di padre, poi indotto addirittura al fortunatamente mancato suicidio dalle soffocanti attenzioni dello zio, in disdicevole competizione con la madre naturale.

Il 7 maggio 1824, a Vienna, Beethoven appare in pubblico per l'ultima volta, per l'audizione della sua celebre "Nona Sinfonia". Il pubblico prorompe in applausi fragorosi. Seduto accanto al direttore d'orchestra, le spalle rivolte al pubblico, il compositore sfoglia la partitura, materialmente inibito a sentire ciò che lui stesso ha partorito. Devono costringerlo a voltarsi perché possa constatare l'immenso successo riportato dalla sua opera.

Il 26 marzo 1827 cede ai mali che lo tormentano da tempo (gotta, reumatismi, cirrosi epatica), alza il pugno al cielo, come vuole una famosa immagine romantica, e muore di idropisia. Il suo funerale è fra i più colossali mai organizzati, l'intera città è attonita.

In un angolo, fra le orazioni funebri di Grillparzer e di eminenti esponenti della politica e della cultura, una figura anonima e meditabonda, avendo eletto il genio di Bonn a suo nume tutelare, osserva la scena: è Franz Schubert. Raggiungerà il nume l'anno dopo, a soli 31 anni, pretendendo di esservi sepolto accanto.

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Si tratta probabilmente del più grande compositore di ogni tempo e luogo, un titano del pensiero musicale, i cui traguardi artistici si sono rivelati di portata incalcolabile. E forse, in alcuni momenti della sua opera, anche il termine ''musica'' appare riduttivo, là dove lo sforzo di trasfigurazione compiuto dal genio appare trascendere l'umano sentire.

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Antonín Dvořák

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Antonín Dvořák

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Dvořák Symphony No 9 "New World" Celibidache, Münchner Philharmoniker, 1991

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Antonín Dvořák nacque nel 1841 a Nelahozeves vicino a Praga (nel Regno di Boemia, parte dell' Austria-Ungheria, ora Repubblica Ceca), la città dove trascorse la maggior parte della sua vita. Fu battezzato con rito cattolico nella chiesa di Sant'Andrea. Gli anni trascorsi a Pullir alimentarono la sua fede cristiana e il suo amore per l'eredità boema, caratteristiche che hanno fortemente influenzato la sua musica.

Il padre gestiva una macelleria e una locanda ed era anche un suonatore di , uno strumento a corda molto diffuso nelle regioni dell'impero d'Austria. Il padre desiderava che il giovane Antonín seguisse l'attività di famiglia; invece il precoce talento mostrato dal figlio al violino fece sì che questi seguisse prima un corso di studi formali nella piccola località di Zlonice e poi - dal 1857 - altri studi di carattere prevalentemente musicale alla Scuola per Organo di Praga. Dopo essersi diplomato, Dvořák cominciò a guadagnarsi da vivere lavorando come esecutore (al violino e alla viola) e impartendo lezioni di musica. Durante gli anni sessanta ricoprì il ruolo di viola principale nell'Orchestra del Teatro Provvisorio Boemo, che a partire dal 1866 fu spesso sotto la direzione del compositore ceco Bedřich Smetana. Dvořák compose in questo periodo (1865) due delle sue prime composizioni di rilievo, la Prima Sinfonia in Do minore B9 e Cipressi, un ciclo di canzoni per voce e pianoforte, probabilmente ispirato dall'angoscia per l'amore non corrisposto nei confronti di una giovane allieva, l'attrice Josefina Čermáková; tuttavia, qualche anno più tardi (1873), il musicista sposò Anna Čermáková, sorella minore di Josefina.

Altre composizioni di questi anni sono il Quartetto n. 4 in mi minore B19 (1869-70), l'opera Alfred (1870), la cantata Hymnus (1873) e la Terza Sinfonia in mi bemolle maggiore op.10 B34 (1873), opere ancora sotto l'influenza della musica di Richard Wagner. Grazie alla Terza Sinfonia, anche per l'interessamento di Johannes Brahms e del famoso critico musicale Eduard Hanslick, entrambi allora residenti a Vienna, Dvořák ottenne nel 1875 una borsa di studio statale. Lo stipendio annuale permise al musicista ceco di abbandonare i ranghi dell'orchestra e di avere più tempo da dedicare alla composizione.

Negli anni della maturità il linguaggio musicale di Dvořák incominciò a risentire dell'influenza del classicismo di Brahms - ritenuto all'epoca il campione dello schieramento "conservatore", contrapposto a Wagner il "progressista" - e ad assumere come segno distintivo la presenza di ritmi e melodie desunti dalla musica popolare ceca. Fra Brahms e Dvořák si stabilì un rapporto di stima reciproca e amicizia e il compositore tedesco segnalò la musica dell'amico all'editore musicale di Bonn Fritz Simrock, per il quale Dvořák compose la prima delle due serie di Danze Slave (1878), entrambe modellate sulle Danze ungheresi di Brahms. In questo modo la musica di Dvořák cominciò a divenire popolare, circolando con maggiore facilità in Europa.

Nel 1884 Dvořák si recò per la prima volta in Inghilterra, dove diresse con grande successo il suo Stabat Mater op. 58; inoltre compose numerosi lavori per le società corali di Birmingham e Leeds, fra cui la cantata The Spectre's Bride ( La Sposa dello Spettro) op. 69 B135 (1885), l' oratorio Santa Ludmilla op. 71 (1886) e il op. 89 (1891). Fra gli altri lavori destinati al pubblico britannico ci sono anche la Settima Sinfonia in Re minore Op. 70 B141 (1885) e l' Ottava Sinfonia in Sol maggiore op. 88 B163 (1888), commissionate dalla Royal Philharmonic Society.

Su invito di Jeannette Thurber, una ricca esponente dell'alta società, Dvořák si trasferì a New York, dove dal 1892 al 1895 assunse la direzione del Conservatorio Nazionale. La signora Thurber, che era stata fra i fondatori dell'istituto musicale, desiderava fortemente che il Conservatorio fosse diretto da una personalità di primo piano che fosse in grado di plasmare e dare impulso a una scuola di composizione "nazionale", una scuola per una musica nuova e autenticamente americana. Per accettare l'incarico Dvořák pose la condizione che gli studenti nativi americani e afro-americani dotati di talento, ma privi dei mezzi economici, sarebbero stati ammessi gratis alla scuola; questo fu un primo esempio di aiuto finanziario in base al bisogno, chiamato negli Stati Uniti " need-based financial aid".

Fu nel periodo in cui ricoprì la carica di direttore del Conservatorio che Dvořák divenne amico di Harry Burleigh, che successivamente diventò un importante compositore afro-americano. Dvořák insegnò a Burleigh composizione, e, in cambio, Burleigh trascorse ore a cantare tradizionali spiritual americani per Dvořák. Burleigh continuò a creare messe in scena di questi spiritual, che reggono bene il confronto con composizioni classiche europee.

Durante l'inverno e la primavera del 1893, mentre era a New York, Dvořák scrisse la sua opera più celebre, la Sinfonia n. 9 detta Dal nuovo mondo. A seguito di un invito della sua famiglia, trascorse l'estate del 1893 nella comunità di lingua ceca a Spillville, Iowa. Lì compose due delle opere da camera più famose, il Quartetto per archi in fa maggiore op. 96 (detto Americano) e il Quintetto d'archi in mi bemolle maggiore op. 97.

Negli Stati Uniti assistette anche all'esecuzione di un concerto per violoncello del compositore Victor Herbert. Dvořák fu così entusiasmato dalle possibilità che la combinazione di violoncello e orchestra offriva, da scrivere anch'egli un concerto per violoncello, il Concerto per violoncello in Si minore ( 1895). Da allora il concerto, considerato uno dei migliori del suo genere, è cresciuto in popolarità e oggi è frequentemente eseguito. Dvořák aveva lasciato incompiuta un'analoga composizione, il Concerto per violoncello e orchestra in la maggiore ( 1865), che fu completata e orchestrata dal compositore tedesco Günter Raphael tra il 1925 e il 1929 e da Jarmil Burghauser nel 1952.

Altro luogo importante per il percorso artistico del compositore fu Lužany. L'architetto e mecenate Josef Hlavka (1831-1908) risiedeva nel castello, che aveva ricostruito insieme con il parco nel 1886-1887. La seconda moglie di Hlavka, Zdenka Hlavková (1843-1902) era pianista e cantante e portò a Lužany un grande numero di artisti, pittori, scultori, scrittori e musicisti, tra i quali Dvořák, che compose qui l'opera Il Diavolo e Caterina (1898-1899). Per la consacrazione della nuova cappella del castello, Dvořák compose su commissione di Hlavka la Messa in re maggiore per soli, coro e orchestra op. 86, che fu eseguita l'11 settembre 1887 con la direzione del compositore stesso e la Hlavková tra i solisti. A Lužany venne data in forma privata la prima esecuzione del Concerto per violoncello n. 2 nell'agosto 1895.

Tornò, infine, a Praga, dove fu direttore del Conservatorio dal 1901 fino alla morte, nel 1904.
Dvořák aveva una personalità eclettica. Oltre alla musica, aveva due passioni: le locomotive e l'allevamento di piccioni. Negli ultimi anni si ritrovò in difficoltà finanziarie: aveva venduto molte delle sue bellissime composizioni per così poco che a stento aveva di che vivere.

È sepolto nel cimitero di Vyšehrad a Praga.

A Dvořák è stato intitolato il cratere Dvorák, sulla superficie di Mercurio.

Le opere di Dvořák sono organizzate in diversissime forme: le sue nove sinfonie si rifanno a modelli classici che Ludwig van Beethoven avrebbe approvato e sono comparabili a quelle di Johannes Brahms, ma egli lavorò anche nel campo del poema sinfonico e l'influenza di Richard Wagner è evidente in alcune composizioni. Molte delle sue opere mostrano anche l'influenza della musica folkloristica ceca, sia per i ritmi, sia per le forme melodiche; forse gli esempi più noti sono le due raccolte di Danze Slave ( Danze slave per pianoforte a 4 mani, op. 46 e 72, scritte nel 1878).

Oltre alle composizioni già menzionate, Dvořák scrisse opere (la più celebre delle quali è ), musica da camera (compreso un discreto numero di quartetti d'archi, fra cui l') e musica per pianoforte.

Le opere di Dvořák furono catalogate da Jarmil Burghauser in Antonín Dvořák. Thematic Catalogue. Bibliography. Survey of Life and Work (Export Artia Prague, Cecoslovacchia, 1960). In questa catalogazione, ad esempio, la Sinfonia Dal nuovo mondo (Op. 95) è B178.

Durante la vita di Dvořák solo cinque sinfonie furono largamente conosciute. Il suo editore, Simrock, non ambiva a pubblicare grandi opere sinfoniche, difficili da vendere. La prima a essere pubblicata fu la n. 6, poiché la sua stella internazionale si stava levando e famosi direttori come Hans Richter, cui era dedicata, desideravano nuove opere sinfoniche. Dopo la morte di Dvořák, la ricerca condusse ad altre quattro sinfonie, delle quali la prima persa dal compositore stesso. Tutto ciò portò a una confusa situazione in cui la Sinfonia n. 9 Dal nuovo mondo è stata alternativamente chiamata n. 5, n. 8 e n. 9. Esse sono qui numerate secondo l'ordine in cui furono scritte.

Al contrario di molti compositori che scrissero opere sinfoniche in un'età avanzata (v. Johannes Brahms), Dvořák scrisse la sua Sinfonia n. 1 in Do minore a ventiquattro anni. Sottotitolata Le Campane di Zlonice (un paesino della Boemia), è chiaramente l'opera di un compositore ancora inesperto, sebbene sia una buona promessa. Lo Scherzo è considerato il movimento più forte. Possiede molte somiglianze formali con la Sinfonia n. 5 di Ludwig van Beethoven, seppure in armonia e strumentazione la n. 1 di Dvořák sia un'opera più romantica, alla Franz Schubert.

La Sinfonia n. 2 in Si bemolle maggiore segue ancora Beethoven come modello; ma la Sinfonia n. 3 in Mi bemolle maggiore mostra chiaramente l'improvviso e profondo impatto di Dvořák con la musica di Richard Wagner e Franz Liszt.

L'influenza di Wagner non durò molto; non si può quasi più percepire nella Sinfonia n. 4 in Re minore, la migliore fra le sinfonie del giovane Dvořák. Ancora lo Scherzo è la parte che rifulge di più, ma è già netta la padronanza di Dvořák negli aspetti formali.

Le sinfonie intermedie di Dvořák, la Sinfonia n. 5 in Fa maggiore (pubblicata come n. 3) e la Sinfonia n. 6 in Re maggiore (pubblicata come n. 1), sono felici opere bucoliche, ma certo non famose quanto le cugine più tarde. La n. 5 è l'opera più pastorale, anche se c'è un buio e lento movimento il cui tema principale richiama quello dell'introduzione del Concerto per pianoforte n. 1 di Pëtr Il'ič Čajkovskij. La n. 6 è pesantemente ispirata dalla Sinfonia n. 2 di Brahms, in particolare dal primo e ultimo movimento.

La Sinfonia n. 7 in Re minore del 1885 è la sinfonia più romantica del compositore, la più bella, con più tensione formale e maggior intensità della celebre n. 9. La n. 7 potrebbe a malapena essere in contrasto più puro con la Sinfonia n. 8 in Sol maggiore (pubblicata come n. 4), un'opera che Karl Schumann (in appunti su un librettino della registrazione di tutte le sinfonie scritta da Rafael Kubelík) paragona a quelle di Gustav Mahler. Insieme con l'ultima sinfonia sono considerate il picco degli scritti sinfonici di Dvořák e tra le migliori sinfonie del XIX secolo.

Di gran lunga più celebre fu la Sinfonia n. 9 in Mi minore (pubblicata come n. 5), nota col suo sottotitolo, Dal Nuovo Mondo, scritta a New York tra gennaio e maggio del 1893. Dvořák affermò di aver usato elementi dalla musica americana come spiritual e musica nativa americana, ma in seguito lo negò. Nel primo movimento un assolo di flauto ricorda molto Swing Low, Sweet Chariot, e uno dei suoi studenti raccontò che il secondo dipingeva, in modo programmatico, i lamenti di Hiawatha. Il secondo movimento ricorda così tanto uno spiritual nero che furono scritti dei testi per esso e diventò Dvořák era interessato alla musica indigena americana, ma in un articolo del New York Herald il 15 dicembre 1893, scrisse "Nella Sinfonia n. 9 ho semplicemente scritto temi originali che racchiudono le peculiarità della musica indiana". È generalmente riconosciuto che l'opera ha più in comune con la musica popolare della Boemia nativa di Dvořák che con la musica americana.

Tre delle registrazioni più apprezzate di queste sinfonie sono i cicli di Rafael Kubelík con i Berliner Philharmoniker e la Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks per la Deutsche Grammophon, Libor Pešek e Istvan Kertész con la London Symphony Orchestra per la Decca Records.

I poemi sinfonici di Dvořák sono considerati alcuni dei suoi lavori più originali. Ne scrisse cinque, tutti tra il 1896 e il 1897, e presentano una numerazione Opus sequenziale: Il folletto delle acque, Op. 107; La strega di mezzogiorno, Op. 108; L'Arcolaio d'oro, Op. 109; La colomba selvatica, Op. 110; Canto d'eroe, Op. 111. I primi quattro poemi sono basati sulle ballate del folklorista Ceco Karel Erben. Canto d'eroe nasce da un'ideazione di Dvořák, e pare sia un lavoro autobiografico.

Composizioni (parziale)

Nota: tra parentesi è riportata la vecchia numerazione.

Quintetto per archi n. 1 in la minore op. 1 (1861)

Quartetto per archi n. 1 in la maggiore op. 2 B. 8 (1862)

Quartetto per archi n. 2 in si bemolle maggiore B. 17

Quartetto per archi n. 3 in re maggiore B. 18

Quartetto per archi n. 4 in mi minore B. 19

Quartetto per archi n. 5 in fa minore op. 9 B. 37 (1873)

Quartetto per archi n. 6 in la minore op. 12 B. 40 (1873)

Quartetto per archi n. 7 in la minore op. 16 B. 45 (1874)

Trio n. 1 per pianoforte, violino e violoncello in si bemolle maggiore op. 21 (1875)

Quintetto per archi n. 2 in sol maggiore op. 77 (1875)

Trio n. 2 per pianoforte, violino e violoncello in sol minore op. 26 (1876)

Quartetto per archi n. 8 in mi maggiore op. 80 B. 57 (1876)

Quartetto per archi n. 9 in re minore op. 34 B.75 (1877)

Bagatelle per due Violini, Violoncello e Harmonium op. 47 (1878)

Sestetto per archi in la maggiore op. 48 (1878)

Quartetto per archi n. 10 in mi bemolle maggiore op. 51 B. 92 (1879)

Quartetto per archi n. 11 in do maggiore op. 61 B. 121 (1881)

Trio n. 3 per pianoforte, violino e violoncello in fa minore op. 65 (1883)

Terzetto per due Violino e Viola in do maggiore op. 74 (1887)

Quattro Pezzi Romantici per violino e pianoforte op. 75 (1887)

Quintetto n. 2 per pianoforte e archi in la maggiore op. 81 B. 155(1887)

Trio n. 4 per pianoforte, violino e violoncello in mi minore op. 90 "Dumky" (1891)

Rondò per violoncello e pianoforte in sol minore op. 94 (1891)

Quartetto per archi n. 12 in fa maggiore op. 96 B. 179 "Americano" (1893)

Quintetto per archi n. 3 in la maggiore op. 97 (1893)

Sonatina per violino e pianoforte in sol maggiore op. 100 (1893)

Quartetto per archi n. 13 in sol maggiore op. 106 B. 192 (1896 a Praga con Oskar Nedbal alla Viola e Josef Suk al Violino)

Quartetto per archi n. 14 in la bemolle maggiore op. 105 B. 193 (1873)

Antonín Dvořák , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Antonín Dvořák , in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

(DE) Antonín Dvořák (XML), in Dizionario biografico austriaco 1815-1950.

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(DE, EN) Antonín Dvořák , su filmportal.de.

Antonín Dvořák (The Lied and Art Song Texts Page: Texts and Translations to Lieder, mélodies, canzoni, and other classical vocal music) The Lied, Art Song and Choral Texts Page a cura di Emily Ezust. Contiene i testi poetici originali musicati da Dvořák con traduzioni in italiano e in altre lingue.

úvod | antonin-dvorak.cz Sito omnicomprensivo della Repubblica ceca. Di pieno riferimento. Nato nella primavera 2007 e rinnovato nel febbraio 2010. Contiene anche un catalogo completo commentato e numerosissimo materiale di approfondimento. Versione originale e in lingua inglese, quest'ultima lanciata nell'autunno 2013 sotto gli auspici della "The Dvorak Society for Czech and Slovak Music".

www.antonin-dvorak.cz: galleria di immagini (sito vedi sopra).

www.antonin-dvorak.cz: elenco di incisioni delle singole composizioni di Dvořák (sito vedi sopra).

(EN) Elenco delle composizioni di Dvořák , su geocities.com. URL consultato il 16 marzo 2007 (archiviato dall'url originale il 25 ottobre 2009; seconda copia archiviata).

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Antonín Dvořák nacque nel 1841 a Nelahozeves vicino a Praga (nel Regno di Boemia, parte dell' Austria-Ungheria, ora Repubblica Ceca), la città dove trascorse la maggior parte della sua vita. Fu battezzato con rito cattolico nella chiesa di Sant'Andrea.

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 Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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 Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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Lista delle opere di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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Lista delle opere di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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Composizioni di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov - Wikipedia

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Lista delle composizioni di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (1844-1908), ordinate per genere.

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La biografia di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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La biografia di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov

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Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (; Tichvin, 18 marzo 1844 - Ljubensk, 21 giugno 1908) è stato un compositore e docente russo, particolarmente noto per la sua fine orchestrazione. Le sue composizioni più famose sono Il volo del calabrone, e La grande Pasqua russa.

Nato a Tichvin da una famiglia aristocratica con una lunga tradizione militare alle spalle, Rimskij-Korsakov mostrò doti musicali già in tenera età, ma fu avviato agli studi presso il Collegio della Marina militare Imperiale Russa e, successivamente, si arruolò nella Marina Imperiale Russa imbarcandosi sulla nave-scuola Almaz. Fu solo quando incontrò Milij Balakirev, nel 1861, che iniziò a dedicarsi seriamente alla musica. Quando fu sulla terra ferma e non in crociera, Balakirev l'incoraggiò e gli insegnò a comporre. Egli incontrò gli altri compositori del gruppo che sarebbe diventato famoso come il Gruppo dei Cinque o Potente mucchietto (in russo: Могучая Кучка). Durante gli anni trascorsi in Marina, Rimskij-Korsakov completò nel 1865 la sinfonia n.1 in Mi bemolle minore iniziata nel 1861, a volte definita come la prima mai composta da un russo, sebbene Anton Rubinštejn avesse concepito la sua prima sinfonia già nel 1850.

Sempre in marina completò anche le pièce orchestrali Sadko ( 1867), ( 1868, ispirata alla leggenda di Antarah ibn Shaddad) e l' opera La fanciulla di Pskov ( 1872). Nel 1873 prese congedo dalla marina. Il 12 luglio 1872 sposò Nadežda Nikolaevna Purgold ( 1848- 1919), pianista e compositrice, dalla quale ebbe 7 figli: Michail ( 1873- 1951), Sofija ( 1875- 1943), Andrej ( 1878- 1940), Vladimir ( 1882- 1970), Nadežda ( 1884- 1971), Margarita ( 1888- 1893) e Svjatoslav ( 1889- 1890). La moglie esercitò una forte influenza musicale su Rimskij-Korsakov, così come Clara Schumann la ebbe sul marito Robert.

Rimskij-Korsakov e gli altri compositori del Gruppo dei Cinque collaboravano spesso tra loro modificando le loro opere. In particolare, dopo la morte di Modest Petrovič Musorgskij nel 1881, Rimskij-Korsakov ne rivisitò diverse prima che fossero pubblicate ed eseguite. Per esempio, la revisione di Rimskij-Korsakov di Una notte sul Monte Calvo è stata a lungo la più eseguita. In tempi recenti la critica musicale ha rivalutato le versioni originali di Musorgskij, in passato giudicate "sporche", apprezzandone l'originalità. Per questo motivo alcuni rifacimenti di Rimskij-Korsakov, come quello del Boris Godunov, sono stati soppiantati dagli originali di Musorgskij.

Nel 1871, sebbene fosse in gran parte autodidatta, Rimskij-Korsakov divenne docente di composizione ed orchestrazione al Conservatorio di San Pietroburgo. Insegnò a vari compositori che in seguito avrebbero conosciuto la fama, come Glazunov, Prokof'ev, Stravinskij e pure l'italiano Respighi. Continuò ad essere un compositore molto prolifico, scrivendo diversi lavori orchestrali, tra cui la famosa , il Capriccio spagnolo e La grande pasqua russa. Scrisse anche quindici opere, tra cui Kaščej l'immortale, La leggenda dell'invisibile città di Kitež e della fanciulla Fevronija e La favola dello zar Saltan, l'ultima delle quali include il celeberrimo Volo del Calabrone che è stato arrangiato per tutti i tipi di strumenti musicali (reso noto anche dalla versione per pianoforte che appare nel film ).

Nel 1897 compose " Mozart e Salieri" (op. 48), opera in due scene. Il libretto si rifà al testo teatrale omonimo di Aleksandr Sergeevič Puškin. Involontariamente, le due opere andranno ad alimentare la leggenda che vuole Salieri assassino di Mozart.

Compose anche musica liturgica a cappella per il culto ortodosso, ad esempio la Liturgia di San Giovanni Cristoforo del Martirio giovane. Nel 1905 Rimskij-Korsakov fu rimosso dalla cattedra del Conservatorio di San Pietroburgo, a causa di alcune opinioni politiche non condivise dalle autorità dell'epoca. Questo provocò una serie di dimissioni da parte dei membri della Facoltà, che costrinsero le autorità a reinsediarlo nella sua carica. La controversia politica continuò con l'opera Il gallo d'oro del 1907, che costituiva un attacco alla Russia Imperiale e che fu censurata dopo la prima esecuzione pubblica.

Verso la fine della sua vita, Rimskij-Korsakov soffrì di angina pectoris. Morì a Ljubensk nel 1908 e fu sepolto nel cimitero di Tichvin presso il monastero Aleksandr Nevskij a Pietroburgo. Il figlio Andrej Nikolaevič sposò la compositrice Julija Weisberg e divenne un musicologo; la figlia Nadežda convolò a nozze con il compositore ed insegnante Maximilian Steinberg; il nipote Georgij Michajlovič Rimskij-Korsakov (1901-1965) fu a sua volta un compositore e letterato.

Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Opere di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su Liber Liber.

Opere di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov / Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (altra versione) , su openMLOL, Horizons Unlimited srl.

(EN) Opere di Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su Open Library, Internet Archive.

(EN) Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (musica per videogiochi e anime), su VGMdb.net.

Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su Last.fm, CBS Interactive.

(EN) Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su AllMusic, All Media Network.

(EN) Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su AllMovie, All Media Network.

(DE, EN) Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov , su filmportal.de.

The Rimsky-Korsakov Home Page , su geocities.com. URL consultato il 17 settembre 2005 (archiviato dall'url originale il 14 agosto 2001; seconda copia archiviata).

Rimskij-Korsakov - Sheherazade - High Quality Recording Ogg - Aac

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Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (; Tichvin, 18 marzo 1844 - Ljubensk, 21 giugno 1908) è stato un compositore e docente russo, particolarmente noto per la sua fine orchestrazione. Le sue composizioni più famose sono Il volo del calabrone , e La grande Pasqua russa .

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Michail Ivanovič Glinka

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Michail Ivanovič Glinka

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Listadelle opere di Michail Ivanovič Glinka

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Listadelle opere di Michail Ivanovič Glinka

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Nel 1830 Glinka si recò all'estero, dapprima in Italia, poi in Austria e Germania. In Italia si interessò in particolar modo allo stile del che secondo lui era la vera espressione dell'animo italiano e che più tardi gli avrebbe ispirato alcuni pezzi di gran valore.

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Glinka ‹ġl'inkë›, Michail Ivanovič. - Musicista (Novospasskoe, Smolensk, 1804 - Berlino 1857). Studiò con J. Field, C. Mayer, J. Böhm, in Italia con Zamboni, in Germania con G. Dehn. Nel 1826 fece rappresentare a Pietroburgo il suo capolavoro teatrale: l'opera La vita per lo Zar (o Ivan Susanin), con la quale ha inizio il teatro musicale nazionale russo.

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 Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Pëtr Il'ič Čajkovskij

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 Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Pëtr Il'ič Čajkovskij

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P. I. Tchaikovsky - Il lago dei cigni (op. 20) - Walzer

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Composizioni di Pëtr Il'ič Čajkovskij - Wikipedia

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Lista delle composizioni di Pëtr Il'ič Čajkovskij (1840-1893), ordinate per genere. Esse spaziano attraverso tutti i generi, includendo sinfonie, opere, balletti, musica sinfonica, musica da camera e musica sacra.

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Pëtr Il'ič Čajkovskij fotografato nel 1888.[6]

Pëtr Il'ič Čajkovskij, spesso traslitterato Ciajkovskij, Ciaikovski o Tchaikovsky ([ˈpʲɵtr ɪlʲˈjitɕ tɕɪjˈkofskʲɪj] , in russo Пётр Ильи́ч Чайко́вский; Votkinsk, 7 maggio 1840 - San Pietroburgo, 6 novembre 1893), è stato un compositore russo del periodo tardo-romantico, le cui composizioni sono tra le più note del repertorio classico. Ha unito nel suo stile caratteristiche della musica tradizionale russa alla prassi musicale classica, in contrasto con la visione estetica del Gruppo dei Cinque, improntata a un maggiore nazionalismo musicale.

Benché di talento musicale precoce, Čajkovskij studiò giurisprudenza. Nella Russia dell'epoca, l'istruzione musicale non era regolamentata e le opportunità di studiare musica accademicamente erano limitate. Al sorgere per lui di tali opportunità, abbandonò la carriera di avvocato ed entrò nel neonato Conservatorio di San Pietroburgo. Compiuti gli studi, forgiò un proprio stile musicale russo, consolidando l'uso di convenzioni compositive della musica classica accanto alla musica tradizionale russa, raggiungendo così notorietà internazionale, benché non sempre ben ricevuto dalla critica russa.

Nonostante il successo popolare, la sua vita fu costellata di eventi che lo condussero alla depressione e a una visione fatalista dell'esistenza: in gioventù la morte della madre, il naufragio delle relazioni interpersonali poi e l'inaccettabilità per la società dell'epoca della sua omosessualità contribuirono a questa condizione. La morte è ufficialmente attribuita al colera, ma le sue circostanze sono dibattute; è stato anche ipotizzato il suicidio, per contagio volontario con la malattia o mediante altra forma di avvelenamento.

Considerato oggi come uno dei più grandi musicisti russi e fra i più significativi nella storia della musica (oltre che eseguiti), Čajkovskij nacque nel villaggio di Votkinsk, contea di Sarapul, nel governatorato di Vjatka dell'allora Impero russo, (oggi città di Votkinsk, in Udmurtia), da un ingegnere minerario di origini ucraine e dalla sua seconda moglie, Aleksandra Andreevna d'Assier, una donna di nobili origini francesi e russe, ma nata a San Pietroburgo nel 1812. Le ascendenze complessive del futuro musicista mescolavano anche sangue polacco, cosacco e tedesco. Terzo di sette figli della coppia: Ekaterina, primogenita, nata nel 1836 ma morta nei primi anni di vita; Nikolaj, 1838 e - dopo il musicista - l'amatissima da lui sorella Aleksandra, 1842, quindi Ippolit, 1843 ed infine i due gemelli, Modest (suo futuro primo biografo) e Anatolij, 1850. La sorella Zinaida, 1829, era nata da un primo matrimonio del padre del musicista che si sposò tre volte nel corso della propria vita. Questa sorella ebbe un ruolo "negativo" nella fanciullezza di Čajkovskij, secondo diverse biografie tra cui quelle di Nina Nikolaevna Berberova e Hofmann. Il legame coi fratelli fu sempre molto intenso specie con Aleksandra e Modest in particolare, il quale può essere considerato il vero confidente assoluto di tutta una vita.

Iniziò a prendere lezioni di pianoforte all'età di cinque anni (dopo un primo intervento materno), da una serva liberata, Marja Markovna Palčikova. Fu in questo periodo che la forte inclinazione e sensibilità musicale si manifestò, tanto da preoccupare l'istitutrice Fanny Dürbach come lei stessa raccontò poi al fratello Modest. Alta sensibilità per la musica sì, ma anche in generale affettiva contrassegnarono l'infanzia di Pëtr delineando una personalità emotiva con punte di morbosità che tutta la bibliografia ha sottolineato: i rimproveri dell'istitutrice lo feriscono, la morte di un compagno di famiglia a cui ha trasmesso involontariamente la scarlattina lo fa sentire colpevole e se ne dispera all'eccesso. Del resto quando Pëtr a dieci anni era stato separato dalla famiglia a seguito della sua iscrizione alle scuole preparatorie in San Pietroburgo, la partenza della madre che faceva ritorno-dopo averlo accompagnato-alla dimora familiare, scatenò la sua disperazione nel momento in cui la carrozza s'allontanava ed il ragazzo urlando inseguiva in lacrime il veicolo. Gli studi musicali eran proseguiti nel 1848 con il pianista Filippov.

Nel 1850 assistette con la madre per la prima volta ad un' opera lirica: Una vita per lo Zar di Michail Ivanovič Glinka. Quest'opera e il Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart costituiranno sempre una pietra di paragone per il compositore.

Lo stesso anno, superò l'esame per l'ammissione alla Scuola imperiale di giurisprudenza di San Pietroburgo che frequenta per i successivi nove anni, un destino, quello di burocrate, notevolmente diffuso nel ceto al quale Čajkovskij apparteneva (anche i suoi due fratelli gemelli compirono eguali studi).
Nella Scuola di Giurisprudenza strinse amicizie che si prolungarono per tutta l'esistenza, scoprendo anche debolezze umane quali quella per il fumo ed il bere (fu sempre un accanito fumatore ed amante dell'alcool, inclinazione, quest'ultima, anche del di lui padre).

In questo ambiente si realizzarono per Čajkovskij anche le prime esperienze omosessuali; la non marginale questione dell'omosessualità del musicista è stata ed è ampiamente trattata.

Una conoscenza speciale avvenne con il futuro poeta Aleksej Nikolaevič Apuchtin che ebbe su di lui un forte influsso personale come è raccontato, per esempio, dalla Berberova nel suo libro. Molte di queste amicizie, indipendentemente dalla componente amorosa, furono importanti per Čajkovskij e in esse trovò sostegno e riferimento.

Durante gli anni alla Scuola di Giurisprudenza Pëtr Il'ič, ebbe ampio modo di frequentare tanto il teatro d'opera e di prosa quanto il balletto, con le sue celebrate stelle, cosa che gli sarebbe diventata in futuro utile. Nella Scuola stessa prese lezioni di canto corale (possedeva una bella voce di soprano ossia voce bianca) e ricominciò lo studio del pianoforte con il famoso costruttore di strumenti Becker.

A sedici anni ascoltò per la prima volta il Don Giovanni di Mozart: fu un colpo di fulmine, un'assoluta rivelazione del proprio destino per la musica: "A Mozart sono debitore della mia vita dedicata alla musica". Scrive anche in uno stesso articolo critico-musicale:

E sul Requiem del salisburghese non aveva dubbi:

Altri studi pianistici seguiranno alla conclusione della frequenza della Scuola di Giurisprudenza, 1859 e al conseguente impiego al Ministero della Giustizia (due cose alle quali Čajkovskij dava scarsa rilevanza, sebbene fosse uscito dalla Scuola come uno dei migliori del proprio anno): essi saranno appresi per tre anni (siamo nel 1855) attraverso un celebre maestro dell'epoca, Rudol'f Vasil'evič Kjundinger (1832-1913) .

Quel tempo (ultimo anno della Scuola di Giurisprudenza) fu per Čajkovskij ricco ed appagante sotto l'aspetto di vita di società, ove riscuoteva non marginali successi, anche nel campo femminile, riuscendo simpatico a tutti ("un giovanotto proprio per bene", scrive la Berberova).

Tuttavia, nel giugno del 1854, la sua adorata madre morì a seguito di un' epidemia di colera e anche il padre, il giorno dopo il funerale, ebbe un malore, riuscendo a scampare alla morte. Lo stesso musicista scriverà nel 1878: "È stata la mia prima esperienza di profondo dolore. La sua morte ha avuto un'influenza enorme su ciò che poi è stato di me e della mia intera famiglia [...] Ogni momento di quel giorno spaventoso è vivido in me come fosse ieri". Accettando la versione ufficiale della morte (vedi oltre nella pagine e alla voce Morte di Pëtr Il'ič Čajkovskij), risulta singolare che il compositore russo concluda la propria esistenza a causa dello stesso male, per quanto a quel tempo il colera fosse comune in Russia.

Lo stesso anno, 1854, vede la prima composizione che il musicista considerasse degna di essere conservata: Anastasie-Valse, dedicata alla governante Anastasija Petrovna (pubblicata nel 1913) . Una canzoncina infantile era stata "composta" a orecchio La nostra mamma a Pietroburgo già nel 1844 e sempre in anni vicini al 1854 fantastica più che altro su un'opera teatrale.

Čajkovskij fu per tutta la vita un viaggiatore instancabile (visitò circa 150 luoghi). Nel 1861 compie il primo viaggio estivo all'estero visitando Germania, Belgio, Parigi e Londra, frequentando opere e concerti.
Gli studi musicali post-diploma proseguiranno mentre era in forza al Ministero della Giustizia (dove lavorò con una certa trascuratezza per tre anni, cosa che gli permetteva del resto di far vita mondana, come ricorda il fratello Modest), ma successivamente al ritorno dal suddetto viaggio, pur riprendendo il lavoro al Ministero si dedicherà maggiormente alla musica, tralasciando i diversivi.

Anteriormente al 1859 in Russia non solo non esistevano scuole ufficiali per l'insegnamento musicale, ma anche lo "status" di musicista era negato. Un giovane dell'aristocrazia doveva frequentare l'opera, conoscere la musica e forse saper suonare e addirittura comporre qualche cosa, ma un gentiluomo che abbracciasse la musica come professione era una cosa da non prendersi nemmeno in considerazione. La maggior parte degli artisti e della musica eseguita era straniera. Gli italiani vi imperavano pur esistendo del resto una tradizione musicale, seppur più propriamente popolare e religiosa.

Fu merito del musicista Anton Grigorevič Rubinštejn (1829-1894) e del mecenatismo della granduchessa Elena Pavlovna (zia dello zar Alessandro II Romanov) fondare ( 1859) la cosiddetta Società Musicale Russa, poi trasformata, nel 1862, in Conservatorio diretto dallo stesso Rubinštejn, con autorevoli docenti. Sulla scia di tale avvenimento nel 1866 fu aperto un Conservatorio anche a Mosca, fondato e diretto dal fratello di Anton Rubinštejn, Nikolaj.
Va segnalato che sempre nel 1862 a Pietroburgo si iniziarono i corsi della Scuola Musicale Gratuita, rappresentante la corrente radicale e progressista della musica russa, che si opponeva all'accademismo di derivazione austro-tedesca ed italiana dominante nei Conservatori dei Rubinštejn, sotto la guida di Milij Alekseevič Balakirev (1837-1910) e in essa si formò il famoso Gruppo dei Cinque.

Docente di teoria musicale nel Conservatorio di San Pietroburgo era un musicista minore, Nikolaj Ivanovič Zaremba (1821-1879): Čajkovskij divenne suo allievo e studiò composizione con Anton G. Rubinštejn, abbandonando l'impiego statale nel 1863. In quegli anni compose svariati pezzi minori, romanze per canto e pianoforte, pezzi per pianoforte solo e un coro Prima del sonno (in origine a cappella poi rielaborato con l'aggiunta dell'orchestra) , un pezzo per archi in Sol maggiore Allegro ma non tanto.
Nel 1864 scrive : un' ouverture in Mi minore, op. 76 postuma, dal dramma omonimo di Aleksandr Nikolaevič Ostrovskij. Dirige pure l'orchestra del Conservatorio nel 1865 nella sua nuova Overture in Fa maggiore per piccola orchestra (prima versione, rivista pochi mesi dopo per grande orchestra, ed. postuma 1952). La direzione orchestrale sarà per Čajkovskij sempre un grande problema dato il carattere timido, ma nel tempo e con la maturità egli divenne un applaudito interprete non solo della propria musica e anche all'estero. Prima ancora del diploma gli venne offerto da Nikolaj G. Rubinštejn su suggerimento del proprio fratello, di trasferirsi a Mosca, per insegnare teoria nel nuovo Conservatorio.

Nel 1866 terminò gli studi al Conservatorio di San Pietroburgo iniziati nel 1861, diplomandosi con una composizione Alla gioia, per soli, coro ed orchestra, tratta da un testo di Schiller, tema obbligato in quella circostanza (lo stesso usato da Ludwig van Beethoven nel finale della Sinfonia n.9). In quell'anno fu nominato professore di teoria e armonia a Mosca mantenendo quella posizione fino al settembre del 1878. Nello stesso 1866 compone, non senza incertezze, la Sinfonia n.1 in Sol minore, op. 13, sottotitolata Sogni d'inverno, che verrà rielaborata più volte (una pratica abbastanza usuale nel musicista). Si tratta di una composizione giovanile, ma con tratti distintivi già presenti. L'anno seguente è la volta della prima opera lirica portata a reale compimento: (Il voivoda) dal dramma di Aleksandr Nikolaevič Ostrovskij.
L'opera ebbe quattro repliche e successo ma non fu più ripresa e l'autore distrusse la partitura, sebbene alcune parti siano finite nella successiva opera lirica (L'ufficiale della guardia) e nel balletto Il lago dei cigni (essa venne comunque ricostruita sui materiali d'orchestra e ripresentata nel 1949). La forte spinta autocritica di Čajkovskij va qui evidenziata, tanto nella suddetta prassi di rielaborare proprie composizioni, quanto nelle azioni più drastiche, come la distruzione, sebbene spesso venissero salvate parti che venivano trasferite opportunamente in altri lavori.
È di quegli anni l'avvicinamento, prudente, al Gruppo dei Cinque anche se le simpatie verso i musicisti che componevano il gruppo furono diverse, con aperta ostilità in particolare verso Modest Petrovič Musorgskij.

L'anno 1868 segna nella vita del musicista l'episodio sentimentale con la cantante belga Désirée Artôt: si parlerà per giunta di matrimonio. La cantante finì invece sposa di un celebre baritono spagnolo, ma restò amica di Čajkovskij, con cui mantenne una corrispondenza ed ebbe successivi incontri (il musicista scriverà musica sotto l'influsso di questo amore platonico e - più tardi - dedicò alla signora le Six Mélodies , op. 65, del 1888). Gradatamente si intensifica il lavoro compositivo, per il quale alla fine opterà, come si è visto, abbandonando l'insegnamento e dedicandosi alla critica musicale. L'ouverture-fantasia Romeo e Giulietta del 1869, ma rivista nel 1870 e 1880, è uno dei prodotti migliori tanto per la forma che per contenuti (il musicista non ha ancora trent'anni del resto) ed in essa Čajkovskij farà confluire (modalità a lui peculiare) il programma letterario shakesperiano, con le sue proprie spinte emotive, secondo molti biografi, attorno a un amore di allora per un allievo del Conservatorio, il quindicenne Eduard Zak. La vicenda ebbe un finale tragico quando nel 1873 il giovane si tolse poi la vita a diciannove anni..

Una nuova opera lirica (dopo due tentativi abbandonati) vede la luce tra il 1870 e il 1872, (L'ufficiale della guardia) ed un'altra ancora poco più tardi, nel 1874: Kuznec Vakula (Il fabbro Vakula), rielaborata, quest'ultima, sotto il titolo (Gli stivaletti) nel 1885. Come si vede l'attrazione verso la musica lirica teatrale fu sempre notevole nel musicista, anche se nel genere i titoli chiave saranno Evgenij Onegin ( Eugenio Onieghin) e Pikovaja dama (La dama di picche). Una gran parte della critica musicale ritiene del resto che il migliore Čajkovskij stia proprio nel settore teatro musicale e nelle ultime tre sinfonie nonché nel balletto.

Due nuove sinfonie si aggiungono: la cosiddetta Piccola Russia in Do minore, op. 17, del 1872 (poi rivista) e la Polacca in Re maggiore, op. 29, del 1875. Inoltre il musicista si dedica alla cameristica con tre quartetti per archi, l'op. 11 in Re maggiore (1871) e che riscuote il consenso di un illustre ascoltatore, Lev Tolstoj, l'op. 22 in Fa maggiore (1874) e l'op. 30 in Mi bemolle minore (1876).Tra il 1874 e il 1875 si realizza quello che diventerà uno dei pezzi più celebri dell'autore, il Concerto n. 1 in Si bemolle minore op. 23, rivisto due volte, anche se l'edizione pubblicata nell'agosto del 1879 (con modifiche del 1888) è quella correntemente eseguita.

Il primo tempo del celeberrimo Concerto n.1 per pianoforte ed orchestra op.23.

A trentacinque anni Čajkovskij compie l'apertura ad un genere musicale generalmente sottostimato all'epoca, la musica di balletto e ad essa dovrà buona parte della sua fama. Nel 1877 va in scena al Teatro Bol'šoj di Mosca Lebedinoe ozero (Il lago dei cigni), op. 20, scritto nei due anni precedenti e nato durante una delle tanti estati trascorse con la famiglia della sorella ed i nipoti, un angolo di serenità spirituale al quale il musicista fece ricorso sovente.
Il balletto ha un valore musicale davvero speciale, anche per le componenti "drammaturgico-musicali" (Čajkovskij fa un uso intensivo del cosiddetto leitmotiv e delle tonalità, con una cura particolare per la strumentazione).

Tra l'estate e l'autunno del 1876 compone il poema sinfonico op. 32 Francesca da Rimini, un altro dei suoi lavori per grande orchestra oggi più eseguiti.
Sempre nel 1876 assiste tanto alla di Georges Bizet, quanto alla prima assoluta della Tetralogia (L'anello del Nibelungo) di Richard Wagner, traendone - per diverse ragioni - motivi di entusiasmo (nel primo caso) o di critica (nel secondo, anche se le composizioni scritte in quel periodo risentono di effetti strumentali debitori al musicista tedesco). Carmen inoltre farà capolino anni dopo nel momento di creazione della propria opera lirica La dama di picche.

Gli eventi biografici che daranno una marcatura indelebile alla vita del musicista si verificheranno proprio tra la fine del 1876 e il 1877 e costituiscono due capitoli a sé, degni di essere indagati assieme al mistero sulla sua morte prematura (come infatti i biografi, ancora oggi, continuano a fare, per fini non solo di curiosità ma perché Čajkovskij fu un tipico artista dell'Ottocento, ove le sue proprie vicende personali si saldarono sempre con la creazione artistica). L'indagine critico-biografica, caratteristica dei secoli seguenti, poi con ricorsi anche alla psicoanalisi, cercherà di mettere in luce gli aspetti della sua complessa personalità più di quanto non fosse già blandamente avvenuto nelle prime, pur non marginali, opere biografiche (vedi sezione "Letteratura e cinema").

Madame von Meck, la mecenate del compositore.

Nadežda Filaretovna von Meck, nata nel 1831 e dunque più vecchia di nove anni rispetto a Čajkovskij, era una russa di classe media che aveva ottenuto il titolo nobiliare sposando Karl von Meck, un ingegnere ferroviario, originario della regione baltica dell'antico Impero. Le condizioni economiche della famiglia (con molti figli) furono disagiate per lungo tempo (lo ricorderà la donna stessa in una lettera a Čajkovskij), ma cambiarono tuttavia verso il 1860, in virtù della concessione governativa, ottenuta con intrighi e corruzioni, per la costruzione di tre importanti linee ferroviarie.

Rimasta vedova nel 1876, la donna si ritrovò un'immensa fortuna e - intelligente, pur se dispotica - amante delle arti e della musica in particolare, prese a diventare uno di quei mecenati che la storia russa del tempo vide non di rado. La von Meck, buona dilettante, cercava all'epoca un giovane violinista che potesse accompagnarla nel repertorio per solista e pianoforte. Tramite Nikolaj G. Rubinštejn la scelta cadde su Iosif Iosifovič Kotek, che aveva allora ventun anni, allievo di Čajkovskij ed anche-a suo tempo-uno degli amanti del musicista. Kotek fu il tipico "rappresentante" del giovane maschio medio che faceva perdere la testa al musicista e i documenti (lettere, diari) accuratamente salvati dal solerte fratello Modest, se letti alla fonte, danno certamente ragione ai biografi come Poznansky, che insistono per un Čajkovskij orgoglioso della sua omosessualità (o comunque sereno sulla propria condizione di omosessuale), rivelando altresì tratti del carattere balzano a dir poco dell'uomo.

Fu così che il nome del compositore venne fatto e una commissione inoltrata (Kotek sapeva benissimo dei bisogni economici di Čajkovskij): lautamente ricompensata, s'intende. La prima lettera della donna al musicista è del 30 dicembre 1876: "La prego di credere che con la sua musica la mia vita è davvero diventata più facile e piacevole". La risposta non si fece attendere ed arrivò il giorno dopo.
È l'inizio di un rapporto particolarissimo, fatto di detto e non detto tra i due, di una dipendenza spirituale reciproca, analizzata ormai sin troppo dai biografi e purtuttavia carica di fascino (ne ha data una personale lettura il regista Ken Russell nel suo film (vedi in "Letteratura e cinema" la sottosezione "Film e documentari televisivi"). La von Meck fu una delle tre donne importanti nella vita di Čajkovskij, assieme alla madre e alla sorella Aleksandra. A loro il musicista fece ricorso in varia misura e in diverse circostanze: più esattamente è possibile concordare con Maria Delogu quando dice: "Forse Čajkovskij sperava di trovare quella madre che tanto gli era mancata e di cui tutto sommato aveva molto più bisogno che di un'amante".

La von Meck divenne la principale finanziatrice del compositore, cui elargiva frequentemente grosse somme di denaro ed un regolare mensile. La cosa avveniva all'insegna di un autentico mecenatismo, pur apparendo scontata la "facilità" dell'atto, vista la ricchezza di lei. Il musicista, dal canto suo, non si fece invero molti scrupoli nell'accettare e ricorrere sovente alla generosità di madame. Questo sostegno economico, al quale la von Meck si riteneva come obbligata tanto dalla propria posizione sociale quanto dal trasporto affettivo verso il musicista, consentì a Čajkovskij di abbandonare la cattedra al Conservatorio, per dedicarsi a tempo pieno alla composizione.

La donna fu anche una confidente privilegiata del musicista e la persona con cui intrattenne una fittissima corrispondenza: si scrivevano praticamente ogni giorno e anche più volte al giorno (questo almeno per la prima parte della loro relazione epistolare) dal 1877 al 1890. Secondo lo specialista Brett Langston, curatore del sito in lingua inglese "Tchaikovsky Research", il numero complessivo sarebbe di milleduecentotré lettere (numero del 2009), di cui 768 scritte dal musicista e 435 dalla von Meck.

Čajkovskij fu un grafomane assoluto, capace di arrivare a scriver ben 18 lettere al giorno; uno spazio, serale di solito, era puntualmente riservato a questo. Le lettere repertoriate nel The Tchaikovsky Handbook... ammontano a 5.248 ("aggiornato" a 5.259). La sua corrispondenza e i Diari sono sovente rivelatori come non mai. Secondo la stima al settembre 2011, le lettere scritte dal musicista sarebbero 5.347 a 389 corrispondenti diversi, tenendo tuttavia presenti le "scoperte" più recenti di materiale sinora sconosciuto (quasi un centinaio).

Una interessante foto della famiglia von Meck attorno al 1875. La baronessa Nadežda Filaretovna è a sinistra mentre al centro è il marito (con cappello scuro). (Clicca sulla foto per altri dettagli).

I due per reciproca, concorde volontà, non si incontrarono mai, anche se non mancarono delle eccezioni volute dal caso o dall'astuzia della von Meck, contro ben altri sentimenti del musicista, che temeva l'approccio fisico con lei, fermo nella sua costante idealizzazione dell'altro sesso. Le circostanze sono riportate da più biografi. In una prima occasione, il musicista venne invitato (1878) a Firenze (una città prediletta, ove frequentemente tornava e compose) da madame che vi soggiornava. Il "gioco" era anche quello di visitare le reciproche dimore in assenza l'un dell'altro oppure, come scrive lo stesso Čajkovskij:

Un'ulteriore circostanza si verificò l'estate dell'anno seguente, ospite il musicista in una tenuta della von Meck presso Simaki. Nonostante i rispettivi orari fossero coordinati in modo da evitare possibili incontri, come racconta sempre il musicista:

La von Meck però gli scrisse:

Del resto il musicista temeva questo "pedinamento" (che avrebbe potuto nascondere chissà quali "pretese") e rifiutò di vedere persino l'ultimogenita della von Meck che, sembra autonomamente, aveva manifestato il desiderio di vedere l'uomo misterioso e chiedeva innocenti ragguagli fanciulleschi sul misterioso signore. E a "madame" scriveva sempre e comunque lettere piene delle sue tipiche circonlocuzioni, esternando un contegno che spesso non corrispondeva ai suoi sentimenti reali, viceversa rivelati ad amici e parenti.

La von Meck era una donna appassionata nelle proprie manifestazioni: durante gli anni di questa inusuale relazione con il musicista lo manifestò chiaramente e tutt'altro che con desideri "platonici" (sebbene sempre velati), quando si rivolse significativamente a lui chiamandolo "mio tesoro", "mio diletto" e "mio signore e Maestro". Il musicista per parte sua si guardò sempre bene dall'assecondare queste "voglie" di una vicinanza tangibile, che ovviamente capiva esservi da parte della mecenate.
È interessante tuttavia sapere che un accostamento fisico tra i due personaggi avvenne davvero, attraverso le nozze che i due favorirono (o si potrebbe dire "stabilirono", ovviamente per corrispondenza) tra un figlio della von Meck, Nikolaj e Anna, una delle figlie della sorella di Čajkovskij, Aleksandra Davydov (evento esplicito circa i desideri suddetti della baronessa).

Nel 2013 uno dei canali culturali della televisione russa, ha mandato in onda un Concerto-drammaturgia dedicato al rapporto tra la von Meck e il musicista (vedi sezione "Letteratura e Cinema").

Seriamente convinto che ogni vicenda umana, specie quelle che lo riguardavano, fosse sotto l'influsso del destino - con la maiuscola (aveva scritto del resto nel 1868 un lavoro sinfonico titolato ) - Čajkovskij lesse questa relazione con la von Meck in tal senso, ma non solo, come si vedrà. Del resto egli espresse tali convincimenti non unicamente a parole o con modalità tipicamente russe del tempo, ma nella propria "filosofia" di vita, nell'intera sua estetica e dunque nella concreta realizzazione artistica.
Il "ciclo" delle ultime tre sinfonie lo testimonia bene, quando, a proposito del celebre tema introduttivo della Sinfonia n. 4 in Fa minore, dedicata (non a caso) al "mio miglior amico" (ovverosia la von Meck), il musicista stesso spiega:

L'introduzione con il tema del "Fato" nelle battute 1-26 del primo movimento della Quarta Sinfonia.

Un vero e proprio "ciclo" con tema il "Fato" quello delle ultime tre sinfonie, con un unico discorso tripartito: così esso è ormai considerato dalla moderna critica e segnatamente dai direttori d'orchestra.

In queste condizioni costituzionali e di carattere (che non meritano esser sbrigativamente intese solo come un momentaneo "atteggiamento", considerati gli eventi familiari vicini e lontani), ha luogo il secondo avvenimento capitale nella vita di Čajkovskij, pure esso esplicitamente reso nel film di Ken Russell che vi dedica ampia parte nell' esatta progressione dei fatti reali.
Dell'avvenimento restano resoconti diretti dello stesso musicista e nel racconto dell'amico Kaškin. Essi sono lungamente rintracciabili nel volume di Aleksandra Orlova.

Lo spartito dell'opera Evgenij Onegin, 1877.

Le circostanze (che il musicista intese come fatali) vollero che in quel momento stesse iniziando la composizione di quello che sarà uno dei suoi massimi lavori per le scene liriche, Evgenij Onegin e lo cominciasse esattamente dalla celebre scena "della lettera", in cui la protagonista, Tat'jana, esprime le sue pene d'amore. In quel mentre, una sua ex-allieva (che egli poco o niente ricordava), Antonina Ivanovna Miljukova, nata nel 1849, gli scrisse una lettera-dichiarazione d'amore.
Il collegamento tra realtà ed arte, tra vita e ideale fu rapido per il musicista, tanto che - seppur poco convinto nell'intimo e contro il parere di amici e parenti - si decise per un matrimonio fulmineo. Ammise: "Ho deciso di non sfuggire al mio destino e che il mio incontro con questa ragazza è stato in qualche modo voluto dal destino" (lettera alla von Meck). E a Kaškin: "Amavo Tat'jana ed ero terribilmente arrabbiato con Onegin che vedevo come un bellimbusto freddo e privo di cuore [...] e mi è parso di comportarmi molto peggio di Onegin".

È interessante riportare la puntualizzazione in merito allo sviluppo del fatto secondo lo specialista Alexander Poznansky e ripresa da Ferruccio Tammaro, per cui, dice Tammaro "...il rapporto fra vicende compositive e vicende biografiche potrebbe essere visto anche in senso inverso: sarebbe stata la relazione con la Antonina ad avvicinare Čajkovskij all' Onegin [...] e non il contrario".

Le nozze furono celebrate il 18 luglio 1877 (Calendario gregoriano). L'esito di tale atto fu disastroso. Le conseguenze sulla sua psiche furono devastanti. Scriverà fra l'altro:"Dal punto di vista fisico, mi è diventata assolutamente ripugnante [corsivo della fonte]" ed ancora: "Avrei potuto strozzarla".
Costantemente in preda ad una fortissima repulsione verso la moglie scivolò nella Moscova tentando un suicidio "indiretto" (l'amico Kaškin lo seppe esattamente da lui e lo riportò nelle proprie "Memorie"), ma che si risolse in semplice raffreddore. Ripresosi fisicamente, passò presto ad un grave esaurimento nervoso; venne aiutato da familiari, amici e dalla stessa von Meck (che aveva sapientemente celato, all'inizio, la gelosia ed ora poteva esser certo felice del naufragio matrimoniale).

L'opportunità di un matrimonio, medicina inappropriata all'omosessualità, fu determinata in Čajkovskij paradossalmente proprio da tale condizione. Al fratello Modest, anch'egli apertamente omosessuale, aveva scritto nell'autunno del 1876 che pensava al matrimonio più che altro per i suoi familiari che per se stesso, in quanto era amareggiato dai pettegolezzi che la collettività poteva fare. Segreto di Pulcinella la sua condizione e vivo il senso di frustrazione (come è ovvio se si pensa all'epoca) tanto da farlo trasalire ovunque, in treno, al ristorante, quando leggeva negli innocenti sguardi di sconosciuti disprezzo e condanna.
Matrimonio di convenienza dunque, per "copertura sociale", alla fine, romanticismi e fatalismi a parte, anche se essi vanno considerati. Queste soluzioni erano del resto all'ordine del giorno come nel caso dell'amico intimo Vladimir Stepanovič Šilovskij.
Ma non sono pochi i critici che hanno notato come fu anche questo suo "isolamento", questa sua "diversità" una delle spinte a scrivere una musica piena di vero páthos (con valore etimologico, di "sofferenza").

Uno dei diari del compositore, quello del 1887, dove egli annotava una quantità di fatti intimi.[100]

Per completezza si noterà che-nonostante quanto appena detto e più oltre meglio evidenziato, (oltre che nelle stesse copiosissime testimonianze epistolari del musicista o del Diario, per tacere della musica stessa)-esiste un filone della critica il quale vede Čajkovskij meno tribolato di quanto in realtà non fosse, talvolta un poseur, non di rado melodrammatico al massimo grado. Il musicologo Hofmann ne è un esempio e con amorevole equilibrio:"Era stato scelto davvero dal destino per soffrire in questo mondo [corsivo originale] oppure tale destino se l'era imposto?".

Due dei suoi tre celeberrimi balletti ("Schiaccianoci" e "La bella Addormentata") videro la luce per esempio, con questa contraddittoria personalità: "Čajkovskij si rifugia-per sfuggire al suo démone-nell'infanzia... Compose... la musica più luminosa, più allegra che esista; perfino nei momenti più angosciosi della vicenda, si sente penetrare una luce: come i bambini che, anche se hanno paura, sanno che per loro il male non può durare".

Antonina rappresentò una spina nel fianco per tutta la vita, rifacendosi viva, dopo la separazione di fatto (inopportuno il divorzio, per i pettegolezzi e problematiche giuridiche che avrebbe suscitato, anche se fu meditato dal musicista), con richieste di denaro e minacce della donna (nonostante ricevesse una pensione da Čajkovskij), mentre aveva dato pure alla luce tre figli morti tuttavia nei primi anni di vita e avuti dal convivente Aleksandr Aleksandrovič Shlykov, un malaticcio avvocato con il quale essa viveva senza matrimonio dal 1880 e che morì nel 1888. I figli avuti da lui furono affidati ad orfanotrofi per ragioni di opportunità, malgrado un tentativo di far adottare dal compositore la di lei terza figlia Antonina Petrovna. Anche se il matrimonio con il compositore non fu mai annullato, essi non portarono il nome di Čajkovskij (l'orfanotrofio non chiedeva cognome). Già debole di mente (ma questo giudizio deriva anzitutto da Modest), Antonina finì i suoi giorni, sia pure per polmonite, in manicomio nel 1917, con un lascito testamentario del musicista di 100 rubli al mese, che la mantennero agevolmente, anche con interessamento del fratello di Čajkovskij, Anatolij

Non mancano, è bene precisarlo, nella bibliografia attorno a questo sfortunato personaggio, prese di posizione (documentate, oltre che oggetto di discussione) a favore di Antonina, vista sì come una donna debole, ma che ebbe la sfortuna di incrociare il proprio cammino con quello di un uomo tanto problematico quale Čajkovskij. Antonina lasciò una versione propria dei fatti, pubblicata nel 1894 e ristampata una sola volta nel 1913. Nel film di Ken Russell L'altra faccia dell'amore il regista "riabilita" non poco l'immagine della Miljukova talvolta sbrigativamente passata come pura ninfomane delirante.

Il magistrale pizzicato che pervade il terzo movimento della Quarta sinfonia. Sir Thomas Beecham durante il suo tour europeo con la Royal Philharmonic Orchestra nel 1957.

Riprendendosi, Čajkovskij scriverà grato a Nadežda von Meck (il cui nome proprio-curiosamente-significa in russo "speranza"): "D'ora innanzi ogni nota che uscirà dalla mia penna sarà dedicata a Voi!".

La conclusione della vicenda con la moglie ed il periodo di riposo che ne seguì, auspici in particolare la von Meck e la sorella Aleksandra, segnano una graduale ma costante rinascita spirituale ed artistica del compositore. Le musiche scritte da allora, non solo aumentano quantitativamente, ma cresce la qualità e il successo in Russia come all'estero.
È un crescendo che non si interromperà di fatto sino all'ambigua morte, tanto che molti musicologi sono certi che se Čajkovskij fosse sopravvissuto avrebbe scritto ancora molta musica, con soluzioni pure e senz'altro innovative e al passo con i tempi: la particolare scrittura de La bella addormentata, Lo Schiaccianoci, e della Sesta sinfonia (Pathétique), sembrano testimoniarlo. A tale proposito, Igor' Fëdorovič Stravinskij si lascia andare a commenti circa una precisa influenza che Čajkovskij avrebbe avuto secondo lui, sul giovane Mahler della prima e seconda sinfonia (e citava i passaggi).

Le composizioni che vedono la luce da allora sono tutte o quasi destinate alla celebrità. Fra esse la Quarta Sinfonia in Fa minore op. 36 e l'opera lirica Evgenij Onegin, già citati, la Suite n.1, in Re minore op. 43, mentre a Firenze su invito della von Meck, nell' Italia che tanto gradiva, cura la composizione di una nuova opera lirica: Orleanskaja deva (La pulzella d'Orléans).

Termina il Capriccio italiano iniziato a Roma nel gennaio 1880 e poi la Serenata per archi in Do maggiore e l'Ouverture Solennelle "1812"; la sua fama cresce ulteriormente, testimoniata anche dall'offerta di direzione del Conservatorio di Mosca dopo la morte di Nikolaj Grigor'evič Rubinštejn nel 1881, che egli rifiuta. Alla fine dell'anno viene eseguito il Concerto in Re maggiore, per violino e orchestra, op. 35 stroncato da Eduard Hanslick ma pure esso tra le opere più popolari del musicista. Alla memoria di Nikolaj Rubinštejn dedica il Trio in La minore , per pianoforte, violino e violoncello, op. 50, intitolato "Alla memoria di un grande artista". Viene eseguito nel 1882 il Concerto n. 2 in Sol maggiore per pianoforte ed orchestra, op. 44. La Suite n.2, in Do maggiore op. 53 , sottotitolata Suite caractéristique , fu scritta e orchestrata tra giugno e ottobre 1883 ed anticipa diverse atmosfere stravinskiane di (sono previste "ad libitum" quattro fisarmoniche nel terzo movimento ( Scherzo burlesco).

La "Serenata per archi", op. 48 (1880), II-Valse, interpretata da Evgenij Aleksandrovič Mravinskij, uno dei massimi direttori ċajkovskijani. Registrazione del 1949.

Viaggi e spostamenti gli consentono di vedere ed ascoltare molto repertorio musicale del tempo e di ogni composizione si ritrovano nella sua sterminata corrispondenza annotazioni critiche (ad esempio di Wagner trova tremendamente lungo il Tristano e Isotta; dell'autore tedesco continuerà a prediligere .

L'ultimo tempo del Concerto per violino ed orchestra op.35

Una sintesi della Terza suite in Sol maggiore op.55, diretta da Sir Adrian Boult con l'Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire di Parigi. Questa fu una delle proprie composizioni più dirette dallo stesso Autore, almeno 16 volte, in Russia, Europa ed America.

Il 1885 incomincia positivamente. Hans von Bülow dirige la Suite n. 3, in Sol maggiore op.55 ottenendo grande successo, lo zar e la corte assistono ad una recita di Evgenij Onegin. Pochi mesi prima il musicista aveva avuto un'udienza personale a corte, ricevuto un'onorificenza e appreso dalla voce di Alessandro III d'essere il musicista della famiglia regnante. Quest'ultimo avvenimento e la protezione ufficiale che ne seguì mitigarono alcune ferite dell'animo inquieto dell'artista, sempre del resto alla ricerca di conferme ufficiali e riconoscimenti che sanassero la sua perenne insoddisfazione esistenziale.
Čajkovskij decise allora, come evidenza tangibile del "traguardo" raggiunto, di affittare una casa in campagna tra Mosca e San Pietroburgo: la scelta cadde su Maidanovo, nei dintorni di Klin. Il musicista potrà dire con fierezza: "Che gioia essere a casa mia... Capisco ora che il mio sogno di passare il resto della mia vita nella campagna russa non è un capriccio passeggero, ma un'esigenza naturale e profonda".

Enrico Caruso interpreta Pimpinella, op.38 n.6, una canzone italiana che Čajkovskij raccolse nel suo viaggio fiorentino del 1878. L'incisione è del 1913.

Sebbene ben lontano dalla propria morte, il musicista si abbandona a frequenti osservazioni sul mistero della vita che emergono puntualmente dai suoi diari e lettere: "Nella mia mente c'è il buio e non potrebbe essere altrimenti di fronte alle domande insolubili per la debole ragione, come la morte, lo scopo e il significato della vita, la sua eternità o caducità [corsivo della fonte]".

Nel 1885 Čajkovskij viene eletto direttore della sezione moscovita della Società Musicale Russa, un'istituzione cardine a quei tempi ed i suoi rapporti con parenti, amici e la von Meck proseguono in linea di massima con regolarità di contatti come nel passato. Dorme di più, fuma e beve di meno e conduce una vita all'insegna del controllo psicofisico con regolarità d'abitudini quotidiane, lui che, nevrotico, aveva condotto spesso una vita disordinata. Il suo umore è generalmente buono, anche se non mancano regolari crisi depressive, spesso scatenate da un episodio minore, come la partenza di un amico, un tramonto, il paesaggio russo, un ricordo lontano. L'anniversario della morte della madre non gli permette di chiudere occhio una notte, dopo che ha ritrovato reperti epistolari dell'epoca; scrive a tal proposito infatti: "La nostalgia di mia madre...che amavo di un amore morboso ed appassionato...".

Dal 1885 sembra che siano cominciate da parte dei figli della von Meck lamentele per le sovvenzioni che madame proseguiva ad elargire nonostante le mutate condizioni economiche dell'artista.

A Parigi, nel 1886 tra caffè, ristoranti e ritrovi vari, "mignons" ufficiali e incontri occasionali, Čajkovskij ebbe una delle più grandi emozioni della sua vita: in casa della cantante Pauline Viardot gli fu permesso di vedere l'autografo manoscritto del Don Giovanni di Mozart e ne fu sconvolto. Fu per lui come parlare con il grande artista:

Seguono altri viaggi all'estero per la direzione di proprie composizioni nel 1887 e nel 1888, un anno questo che vedrà la nascita della Sinfonia n. 5 in Mi minore op. 64 (un anno, il 1888, peraltro ricco di molte celebri composizioni di altrettanto celebri musicisti, come Gustav Mahler, Richard Strauss, César Franck e Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov..

Il primo movimento della Quinta Sinfonia, nella interpretazione della Concertgebouw Orchestra (Amsterdam), direttore Paul van Kempen, 1951.

Al ritorno in Russia una nuova sistemazione sempre vicina a Klin, esattamente a Frolovskoe, in campagna e l'assegnazione di un vitalizio annuo di tremila rubli accordatogli motu proprio dallo Zar (segno della sua alta considerazione) e che con i proventi dal lavoro e la pensione della von Meck, potevano certo metterlo al sicuro (nonostante Čajkovskij fosse anche uno "spendaccione" per sé e gli altri, generoso atteggiamento sempre manifestato, nell'ambito di quel proprio carattere insicuro e non senza ombre).

Sono gli anni della composizione anche di altre opere liriche, sebbene considerate di valore inferiore rispetto a Evgenij Onegin e La dama di picche. Questi i titoli: 1881-1883, (Gli stivaletti), 1885 (che è una rielaborazione di Il fabbro Vakula) e L'incantatrice, 1885-1887. Nel settore sinfonico laSinfonia Manfred del 1885 e la , in Sol maggiore, op. 61, 1887.
Nel 1888 compiendo la già citata sua prima tournée all'estero e toccando Lipsia conoscerà Johannes Brahms (che non gli risulterà particolarmente simpatico ripagato parimenti dall'altro artista) e Grieg (il contrario); a Praga sarà invece la volta di Antonín Dvořák con il quale nasce una spontanea comprensione e che già lo apprezza intensamente.

Importante fu la commissione del suo secondo balletto La bella addormentata, già iniziata nel 1888 e composta seguendo strettamente le indicazioni librettistiche di Ivan Aleksandrovič Vsevoložskij (1835-1909) , direttore dei Teatri Imperiali e soprattutto quelle meticolose di Marius Petipa, il coreografo. Alla prova generale era presente l'imperatore che se ne uscì con un laconico "Molto grazioso!". Il musicista ne fu offeso: "Sua Maestà mi ha trattato molto sbrigativamente. Dio sia con lui.". Protagonista fu la celebre Carlotta Brianza assieme a Pavel Gerdt e al celebre Enrico Cecchetti. Musicalmente e drammaturgicamente il balletto è prossimo aIl lago dei cigni ma con dettagli più elaborati.

Nel 1889 "scopre" tra l'ammirato e l'entusiasta il fonografo di Edison, che giudica la più interessante invenzione del XIX secolo. Nel 1890 parte per Firenze dove appronta La dama di picche su libretto del fratello Modest e i suoi scritti autografi testimoniano del fervore creativo che accompagna la creazione di quest'opera vivamente sentita, il cui fatalismo si ispira anche alla Carmen di Bizet e, se mai avesse avuto dubbi nel credere alle beffe del Fato, ecco che un drammatico avvenimento accade al suo rientro nell'ottobre di quel 1890.

L'addio di Madame von Meck

Con una prima lettera (4 ottobre, data del Calendario gregoriano) madame von Meck lo avvisava di diverse disgrazie economiche cui era andata incontro. Questa missiva si chiudeva tuttavia con le tradizionali formule affettuose e in un post-scriptum lo invitava a scriverle a Mosca anche se lei ora si trovava all'estero. Pochi giorni dopo però il musicista ricevette una seconda lettera della donna comunicantegli che a causa di ulteriori e definitivi dissesti finanziari, ella non avrebbe potuto più sovvenzionarlo.

Tale lettera (non conservatasi) si chiudeva con parole (lo si deduce dalla risposta del musicista, rimasta) in cui la von Meck chiedeva di non essere dimenticata completamente. Čajkovskij comprensibilmente allarmato, si precipitò a rispondere, manifestando il suo affetto e la sua fedeltà, la sua eterna riconoscenza. Le reazioni del musicista furono però di profondo malessere, come testimoniano sue corrispondenze al proprio editore ed amico Pëtr Ivanovič Jurgenson . Non dandosi pace, tentò di riallacciare i rapporti con intermediari, ma alcuni di questi - per vari interessi e motivazioni personali si rifiutarono od ostacolarono tutto. Modest Čajkovskij nella sua biografia sul fratello usa due parole sole per definire il gesto comunque fosse avvenuto: "crudeltà immeritata".

È stato ipotizzato ed è verosimile che le ultime somme elargite lo fossero state contro la volontà dei familiari diretti o acquisiti come nel caso del genero della von Meck Wladislaw Pachul'skij. La von Meck del resto stava attraversando anche un periodo di malattia e la vecchiaia la rendeva sempre più dipendente dai figli che, mai sazi di denaro, vedevano con costante preoccupazione il protrarsi del mecenatismo materno, ancorché preoccupata della sua numerosa figliolanza. Significative sono le parole immaginate dallo scrittore russo, Jurij Markovič Nagibin (1920-1994), in un suo racconto ( Contrappunto, 1973) ove madame alle lamentele dei figli esplode così:

L'assoluto silenzio della Von Meck, probabilmente dovuto agli ostacoli posti dai suoi prossimi, furono una dura prova per Čajkovskij.

Sul letto di morte, nel delirio, il musicista pronunziò ripetutamente la parola "maledetta" e il fratello Modest pensò che essa fosse rivolta alla von Meck, ma il biografo Warrack ha sostenuto che essa poteva invece riferirsi alla malattia che lo stava uccidendo (in russo "colera" è di genere femminile) e che del resto era stata la causa della morte a suo tempo dell'amatissima madre.

Nel 1891 il teatro Mariinskij lo incarica dell'opera lirica in un atto e del balletto Lo Schiaccianoci da darsi congiuntamente. L'opera, l'ultima composizione lirica del musicista, è diversa da tutte le altre scritte, tende al simbolismo con forti accenti panteistici ed ha sorprendenti anticipazioni che la critica, specie posteriore, noterà. Quanto al balletto, anch'esso costruito con meticolosa precisione come avvenuto per La bella addormentata, è lo stesso musicista a fornire una chiave di comprensione generale e di alcuni suoi elementi costitutivi, in questa lettera di tempo addietro: "I fiori, la musica e i bambini, sono i gioielli della vita. Non è strano che amando tanto i bambini il destino non mi abbia dato di averne?".

La seconda variazione del Passo a due del II atto del balletto Lo Schiaccianoci, nota come "Danza della Fata Confetto", caratterizzata dall'uso della celesta.

Alla morte dell'amata sorella Aleksandra, nel 1891, appresa all'estero su un giornale (e che egli tentò come di rimuovere), riversò sul di lei figlio, Vladimir detto Bob, l'affetto pieno e totale che era già stato ampiamente manifestato negli anni precedenti. Il giovane (morirà suicida nel 1906, per i dolori di una grave malattia) fu l'ultimo serio oggetto di passione amorosa del musicista, ma avendo una valenza particolare come è facile intuire. A lui fu dedicata la Sinfonia n.6 in Si minore, op. 74 Pathétique, 1893. I rapporti tra zio e nipote hanno dato modo ai biografi di scrivere molto e non a torto, in quanto "Bob" approfittò della generosità e debolezza dello zio in ogni senso.

La voce del musicista: Voices of the Past , su YouTube.

In questi anni la fama di Čajkovskij è al culmine. Inizia un giro concertistico negli Stati Uniti, chiamato ad inaugurare i concerti della nuovissima Carnegie Hall; trova l'America e gli americani strani e curiosi, ma simpatici: vede un mondo veramente nuovo e ne scrive copiosamente, sempre festeggiato ed onorato come il "Re", assalito dai giornalisti si accorge di essere popolare in America dieci volte di più che in Europa.

Čajkovskij, come mostra chiaramente la lettura di tutta la sua corrispondenza e le testimonianze nella grande biografia del fratello Modest, era stato per tutta la vita un umorale, tanto nella vita quotidiana, quanto nell'attività artistica. Allorché doveva o voleva emettere giudizi sul valore della propria arte e quella altrui (pubblicamente attraverso la critica esercitata sui giornali o in privato nelle confidenze epistolari) riusciva però ad essere molto acuto e malgrado le inevitabili preferenze estetiche, sapeva esprimere la verità oggettiva. D'altra parte tale caratteristica di equanimità quando riguardava la sua propria opera era siglata da una altalenanza che lo portava oggi a giudicare favorevolmente la musica da lui stesso scritta, poi a rivedere il verdetto sino a giungere alla distruzione o archiviazione di versioni o parti della composizione fatta. Verso la fine della propria esistenza tuttavia si diede maggior pace ed esattamente negli anni di cui si sta dicendo, si esprimeva all'amico Taneev, rimarcando di fatto e per primo caratteristiche fondamentali sue che la stessa critica ufficiale posteriore avrebbe sancito (vedi "Stile").

Nel 1892 Gustav Mahler, che lo impressiona come direttore non comune, dirige ad Amburgo alla sua presenza Evgenij Onegin. Ascolta in quel momento anche la Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni che gli piace molto.
In primavera cambia casa per la terza ed ultima volta proprio a Klin e ne fu pienamente soddisfatto: assomigliava a quella in cui era nato ed aveva un giardino di betulle e fiori, che il compositore amava; questa dimora diventerà un giorno l'attuale "Museo Čajkovskij", pieno di suoi ricordi, materiali e documenti per volontà primaria del fedele domestico Aleksej Sofronov, del fratello Modest e del nipote Bob Davidov ed in seguito divenuta monumento nazionale per pubblico omaggio da parte di Lenin

Comincia a pensare ad una nuova sinfonia che dovrebbe raccogliere la sua "vita" (e questo primitivo titolo circola nei suoi appunti). Ne abbozza qualcosa (la tonalità è in Mi bemolle maggiore) ma viene messa da parte; il primo movimento confluirà poi nel Terzo Concerto per pianoforte ed orchestra, op. 75 postuma.
È però interessante sapere che all'inizio del 1891 tali schizzi portavano delle annotazioni le quali saranno di fatto "trasportate" e seguite (se non tali e quali ma come traccia di massima), nel programma "segreto" della Sesta Sinfonia, segno che il compositore stesse arrovellandosi su questi temi. Scrive: "Prima parte - tutto impeto e sicurezza, voglia di attività. Deve essere breve (alla fine "morte", risultato del collasso). Seconda parte: amore. Terza: disinganno. La quarta finisce morendo (anche questa breve)". Indicò anche alcuni titoli: "I Gioventù II Ostacoli! Assurdità... Coda - Avanti, avanti!" (è un'ipotesi che in quel tempo stesse rimuginando sulla propria storia con la von Meck).

Un fatto evidente emerge chiaro dalla fase terminale e "calante" della vita e del fare artistico: la necessità quasi "biologica" di scrivere l'opera capolinea, riassuntiva e conclusiva del proprio percorso poetico. Da un certo momento dunque, come dimostra la cronologia biografica e artistica, il musicista è verosimilmente ossessionato da questa Sesta Sinfonia, oscura, con un'ansiosa ostinatezza di programma preciso quanto gelosamente celato, l'atto finale, il riassunto di un'intera esistenza, vita, morte ed ufficio funebre. L'abbozza, inizia a scriverla, la riprende, la modifica, non sa decidersi, un continuo cruccio alla fine compiutamente risolto.

La morte sembra davvero battere alla porta. Continuano a spegnersi gli amici e gli amori di una vita, anche il poeta Apuchtin nell'agosto del 1893: gli si chiederà di musicare il di lui Requiem, ma, declinando, precisa che nella propria ultima sinfonia, soprattutto nel finale, l'atmosfera è "quella stessa". Il caso lo porta a rivedere la sua ormai vecchia governante Fanny Dürbach e l'onda dei ricordi lo sommerge e commuove.

All'inizio dell'ultimo anno di vita esegue un ultimo giro concertistico, poi inizia la stesura della sua ultima sinfonia Pathétique, ma, prima di chiuderla, utilizza il materiale dell'abbandonata sinfonia in Mi bemolle maggiore per il Terzo Concerto per pianoforte ed orchestra in un solo tempo e per due movimenti Andante e Finale, sempre per piano ed orchestra, poi rivisti dall'allievo Sergej Ivanovič Taneev.
L' Università di Cambridge lo insignisce del dottorato in musica, assieme a Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg, Arrigo Boito e Max Bruch.
Il 16 ottobre (data russa, per cui il 28 ottobre del Calendario gregoriano) 1893 avviene la prima della Pathétique a San Pietroburgo sotto la sua personale direzione che lascia l'uditorio in uno stato di ammirata sorpresa, ma con ampie zone di incomprensione. Il "Requiem per me stesso", la sinfonia con un programma "misterioso" è il proprio testamento spirituale ed artistico.

L'ultimo movimento della Sinfonia "Patetica" nella interpretazione dei Berliner Philharmoniker diretti da Wilhelm Furtwängler (Registrazione: Ottobre-Novembre 1938).

Le ipotesi sulla scomparsa

Soltanto nove giorni dopo il musicista muore. È opinione comune (sebbene non da tutti condivisa) che abbia commesso suicidio, anche se il modo e le circostanze sono ancora incerte: si è parlato di colera, contratto bevendo acqua infetta, benché sia più probabile l' avvelenamento da arsenico che produce una sintomatologia pressappoco identica a quella del colera. Ma i dubbi circolarono diffusamente ovunque all'indomani della morte. La versione alternativa, che si oppose a quella ufficiale (sancita dal biografo e fratello Modest) per colera tramite acqua infetta, è quella di un imposto suicidio tramite veleno autonomamente assunto dal musicista. Il racconto di Modest invece nella sua grande biografia del 1900-02 sul fratello è assai lineare e senza incertezze: il musicista beve un bicchiere di acqua non bollita, per sbadataggine, in casa, la mattina del 2 novembre 1893 (calendario gregoriano). Non trovandolo come suo solito al tavolo di lavoro, Modest:

Quando Čajkovskij cominciò a star male, la confusione su cosa stesse in realtà succedendo fu generale e i dubbi nacquero immediati. Tra i primi, famosi personaggi stupefatti in proposito, fu Rimskij-Korsakov che scrisse nelle sue Cronache (1906-1909): "Non solo per me, è stata oggetto di meraviglia la constatazione che non venne adottata alcuna precauzione d'ordine sanitario in quei giorni a casa sua, nonostante si dicesse in giro che il colera era stato la causa del decesso. Ricordo bene di aver visto... un insegnante... del Conservatorio, baciare il morto in fronte e sulle guance".
Numerose persone avevano avuto accesso all'appartamento prima e dopo la morte; per due giorni la salma restò esposta all'omaggio della gente, in casa di Modest: l'appartamento disinfettato e il corpo avvolto in un lenzuolo imbevuto anch'esso di antisettico, mentre un'infermiera disinfettava con una garza il volto trasfigurato del musicista, sul quale la folla depose il rituale bacio d'addio. È del resto anche vero che alcune scoperte scientifiche relative al morbo avevano reso le persone molto meno terrorizzate da una in sé remotissima possibilità di contagio.

La spiegazione della versione del suicidio per imposizione esterna trova le sue radici nella relazione amorosa nata con il diciassettenne nipote di un certo conte Stenbock-Fermor (Aleksej Aleksandrovič Stenbock-Fermor, secondo la Orlova), il quale furioso del fatto, era intenzionato a denunciarlo direttamente allo zar. Lo scandalo che ne sarebbe derivato avrebbe avuto probabilmente drammatiche ripercussioni su Čajkovskij, un personaggio tanto universalmente noto e simbolico per la Russia (la legge prevedeva la perdita di ogni diritto e l'esilio in Siberia, anche se di fatto questo "delitto" rimaneva sottaciuto e tollerato anche, specie - o perlomeno - in ambienti aristocratici). Non minor danno (secondo i sostenitori di tale versione) sarebbe ricaduto sulla Scuola di Giurisprudenza e sui suoi ormai famosi ex-allievi, tutti viventi ed altolocati (alcuni amici e persino ex-amanti del musicista).
La soluzione più pratica apparve quella di un "giurì d'onore" al quale avrebbero partecipato, presente il compositore, sette alti personaggi. La lettera in cui il conte denunciava Čajkovskij non sarebbe stata trasmessa allo zar, ma il musicista si impegnava ad assumere il veleno, che gli venne recapitato successivamente, onorando tale assurdo impegno, anche proseguendo agli occhi di tutti, in particolare di amici e familiari, la vita d'ogni giorno.

Il giornalista inglese Anthony Holden sostiene che Čajkovskij e Modest avrebbero potuto darsi una gran pena di mascherare la verità. Aver messo in scena la bevuta di acqua infetta di comune accordo per amor di famiglia, amici, ammiratori e fama futura. Dato che il musicista era stato in vita una sorta di venerato monumento nazionale, Holden suppone che i medici coinvolti nel caso potessero aver assecondato la versione edulcorata dei fatti (il bicchiere d'acqua non bollita appunto), a scapito di una verità imbarazzante.

Le vere cause sono comunque ancora dibattute, come lo furono del resto all'epoca dei fatti, con opposti sostenitori della versione ufficiale di morte per colera e altri del suicidio tramite veleno. Non mancano peraltro "varianti" a queste due ipotesi fondamentali, sulle quali si è sbizzarrita la bibliografia. Se pure fu colera, la discussione si è accesa su attraverso quali "vie" il compositore venne contagiato (acqua, rapporti sessuali, eccetera). Čajkovskij si trovava in un periodo depressivo (il suo "testamento" rappresentato dalla "Patetica") come era ed è il parere di molti oggi, oppure lontano da tutto questo ed anzi in procinto e desideroso di continuare la sua attività artisticaa(?) Modest non ha in apparenza alcuna incertezza: il fratello era normale.

Maria Delogu riguardo alla possibilità di suicidio "volontario" (ossia bevendo acqua non bollita con deliberata leggerezza se non addirittura come atto inconsulto) scrive tuttavia in risposta a chi nega tale possibilità: "Chi ha la tendenza al suicidio, non ha sempre ragioni oggettive per farlo: molto più spesso si tratta di ragioni soggettive e inspiegabili". E parla di "istinto autodistruttivo".

Cosa accadde è un mistero verosimilmente destinato a restare tale per sempre. Il 6 novembre 1993 nel centenario della morte, in un documentario radiofonico, la BBC interpellò vari esperti che avevano preso parte al confronto sulla questione (tra cui Aleksandra Orlova e Alexander Poznansky, oltre a storici russi e medici specialistici): la conclusione pendeva in gran parte per il "giurì d'onore" e l'avvelenamento.
Un altro documentario, stavolta televisivo, venne prodotto nello stesso anno per la serie BBC 1 "Omnibus" prendendo in esame gli stessi argomenti e con interviste simili.

La sua conclusione-dopo le più ampie e diverse esposizioni da parte di fonti diverse e autorevoli, sempre contrastanti fra loro-era tuttavia interlocutoria, pur inclinando sul "colera" e "suicidio". La giornalista Leonetta Bentivoglio ha scritto su la Repubblica, sempre nel 1993, un articolo sulla questione con un sintetico e puntuale ritratto complessivo dell'uomo ed artista Čajkovskij. Sullo stesso giornale si era parimenti già espresso anche il musicologo Claudio Casini.. Tanto la Bentivoglio che Casini riferiscono delle diverse ipotesi senza pronunciare - in quelle sedi giornalistiche - un solo e proprio univoco verdetto.

Per lo specialista Alexander Poznansky non vi sono dubbi: il musicista muore attorno alle tre antimeridiane del 6 novembre 1893 per complicazioni derivanti dal colera ( uremia ed edema polmonare). Di fatto egli elenca con pignoleria gli eventi, si conforma ai fatti "ufficiali" e alla versione di Modest, contesta ogni altra teoria, ma non può dire con precisione come il musicista abbia contratto colera seppur escludendo l'atto volontario (da qui le ipotesi di alcuni sul contagio oro-fecale, anche e soprattutto a questo punto per trasmissione sessuale e con anche una "variante" come proposto da Aldo Nicastro).

Ma il biografo più accreditato, David Brown (David Clifford Brown, 1929-2014), avverte: "Lasciatemi dichiarare categoricamente [...] che non esiste una sola prova che la morte di Čajkovskij sia stata dovuta al colera preso bevendo dell'acqua non bollita e non ad altre cause naturali, anche si vi sono altre ipotesi, spesso confermate da più di un testimone diretto, che sembrano indicare chiaramente che qualcosa d'altro fosse successo, ma poiché nessuna di esse può essere confermata restano appunto ipotesi". Ed infine (sempre Brown) conclude e sentenzia: "Ci sono state lunghe discussioni, spesso piene di acrimonia, su questi fatti e sui vari annessi, e la sola conclusione possibile è che non ci sarà mai dato modo di sapere che cosa sia veramente accaduto né-cosa ancora più importante-perché".

Queste due opposte versioni sulle vere cause della morte, sono parallele alle due interpretazioni o "letture" esistenti nella letteratura biografica sul musicista, rappresentate ai giorni nostri dai due maggiori specialisti sul compositore. Da un lato l'inglese David Brown, ufficializzando la tesi del suicidio imposto con avvelenamento della musicologa russa Aleksandra Orlova, già archivista al Museo Čajkovskij di Klin poi emigrata negli Stati Uniti. Dall'altro il russo Alexander Poznansky, immigrato dall'URSS nel 1977 sempre negli Stati Uniti, bibliotecario specialista in slavistica all'Università di Yale, che ha scritto numerose opere sul musicista, che perora la tesi della malattia.

Per chi segue perciò la prima interpretazione, quella di uomo e artista tribolato, il suicidio "onorevole" appare un'uscita di scena in linea con il personaggio, in pieno stile romantico. Di contro, la tradizione con capofila Poznansky, ridimensiona la questione e la rinnova, leggendo i documenti biografici ed artistici quasi l'uno all'opposto dell'altro: Čajkovsky è emotivamente integro, equilibrato e addirittura "fiero" del proprio stato di omosessuale e di conseguenza pura idiozia l'ipotesi di suicidio o omicidio, ma condannato dalla fatalità della vita.

Non senza ironia dopotutto Madame de Staël aveva scritto: "In Russia tutto è segreto, ma nulla è ignoto". Luigi Bellingardi aggiunge: "Nonostante la sua fragilità neuropsichica, sarebbe vissuto chissà quanto", "Invece un laccio della vita, del destino, gli fu fatale. Senza scampo".

La spiegazione migliore forse è tuttavia quella da molti pensata e che rinvia alla stessa musica della Sesta Sinfonia più che alle vicende biografiche: "Si trattò di una fuga dal mondo per evitare di continuare a essere maltrattato dal mondo".

La tomba del compositore nel cimitero Tichvin di San Pietroburgo.

Alle esequie di Stato, un onore fino ad allora concesso solo alla storico Karamzin e a Puškin, era attesa la partecipazione dello zar Alessandro III che, tuttavia, rimase ad osservare la folla da una finestra. Il suo commento fu: "Avevamo un solo Čajkovskij". Nella Cattedrale di Kazan' sulla bara venne posta una corona di rose bianche, dono personale dello zar, ed un cuscino di velluto nero con le decorazioni di San Vladimiro. La Cattedrale ove si officiò il rito poteva contenere 6.000 persone, ma le richieste per assistere ai funerali furono dieci volte tanto e nel luogo sacro si riuscirono a stipare 8.000 astanti. Madame von Meck morì due mesi dopo il musicista, lontano dalla Russia, per tubercolosi. Anna Davydova-von Meck, nipote di Čajkovskij, quando le fu domandato come ella avesse accolto la scomparsa del suo amico, rispose: "Non poté accettarla"; al funerale del musicista fu la grande assente, rappresentata da una corona di fiori.

Al momento della sepoltura si tennero diversi discorsi funebri, tra cui spiccò per enfasi mista a distacco personale, quello del giurista Vladimir Gerard, che era stato compagno di studi, amore (adombrato secondo alcuni nel Romeo e Giulietta, in alternativa all'altro di Eduard Zak) e che forse aveva fatto parte del "giurì d'onore". Il funerale termina alle cinque del pomeriggio del 9 novembre (calendario gregoriano). L'ultima persona a parlare è il tenore Nikolaj Nikolaevič Figner (aveva cantato alla prima de La dama di picche), che può solo dire, con le lacrime agli occhi e una voce tremante: "Addio, caro amico! Che la tua memoria possa vivere per sempre!". Gli assistenti del cimitero poi iniziano a spalare la terra sulla bara, mentre la folla si disperde solennemente.

Tra i numerosi commenti alla scomparsa, significativo quello di Lev Tolstoj: "Mi dispiace tanto per Čajkovskij... Più che per il musicista mi dispiace per l'uomo intorno a cui c'era qualcosa di non completamente chiaro. Quanto improvviso e semplice, naturale ed innaturale, e quanto vicino al mio cuore".
La tomba del compositore si trova al cimitero Tichvin, situato nel monastero di Aleksandr Nevskij di San Pietroburgo, là ove sono sepolti molti altri artisti russi tra cui, emblematicamente, l'intero Gruppo dei Cinque.

Čajkovskij mostrò un'ampia varietà stilistica, variando dalle composizioni per il balletto al genere della sinfonia, senza dimenticare e anzi coltivando assiduamente l' opera lirica.

Diversamente dai compositori russi a lui contemporanei d'ispirazione nazionaliste, passati alla storia come il Gruppo dei Cinque, Čajkovskij rivelò nella sua musica uno spirito cosmopolita. Alcune sue creazioni, come le variazioni rococò, impiegano uno stile dichiaratamente d'ispirazione classicista, rifacendosi particolarmente a Mozart. Diversamente dai colleghi russi, Čajkovskij studiò per tutta la vita e si formò su musica dell'Europa occidentale. Mozart fu il suo compositore prediletto, mentre è noto che non amasse particolarmente Bach e Beethoven e, specialmente, il Beethoven della maturità. Si ispirò anche agli operisti italiani (in particolare a Rossini, Verdi e Bellini), alla nuova scuola francese di Bizet e Massenet, ai romantici tedeschi, fra cui Schumann il più amato, e preferito a Johannes Brahms, da lui considerato un compositore mediocre; riuscì così a dare alla sua arte un respiro decisamente internazionale. Nondimeno, le sue partiture presentano tratti talora distintamente russi, sia nella predilezione per il modo minore, sia soprattutto nel profilo delle melodie, talvolta ricavate dalla tradizione popolare o dalla liturgia ortodossa.

In questo senso, la sua figura di artista aperto, capace di assorbire e rielaborare qualsiasi linguaggio e qualsiasi forma musicale, è fondamentale sia in ambito romantico, sia per la comprensione del futuro percorso artistico di Igor' Fëdorovič Stravinskij, che non si stancò mai di spendere parole di elogio ed ammirazione, definendolo "il più russo di tutti i musicisti russi". Egli disse infatti:

Molte composizioni di Čajkovskij si ispirano a temi o melodie della musica popolare ucraina o li incorporano. Fra questi, le opere , Gli stivaletti, e Il fabbro Vakula; le sinfonie n. 2, Piccola Russia e ; il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 in si bemolle minore; l'Ouverture 1812, il cui tema iniziale si basa sul primo modo del canto liturgico di Kiev.

Come altri compositori romantici, Čajkovskij si basò fortemente sull'orchestrazione per ottenere significativi effetti musicali. Iniziando con la terza sinfonia, egli sperimentò con una sempre maggiore varietà timbrica, fra i molti aspetti della sua figura poliedrica di compositore, spicca la sua sensibilità timbrica. Čajkovskij seppe indagare le possibilità espressive degli strumenti tradizionali, fra cui i fiati, ricavandone suoni e impasti originali, raffinatissimi e divenuti inconfondibili esempi accademici di orchestrazione, in particolare nelle sinfonie.

L'importanza che egli attribuì ai colori dell'orchestra fu tale da relegare la produzione pianistica in secondo piano, nonostante la straordinaria fama guadagnata dal suo primo concerto per pianoforte e orchestra.

È essenziale la collocazione storica del musicista e degli altri compositori russi suoi coevi, antecedenti e posteriori, giacché Čajkovskij fu risolutivo nel determinare l'influenza russa nella storia della musica europea di oltre due secoli.

Grazie al mecenatismo di Nadežda von Meck, Čajkovskij poté dedicarsi a tempo pieno alla musica, forgiando il proprio stile personale, sviluppato nella sua ampia produzione, non contando neppure su una tradizione consolidata prima di sé. Egli, forte della sua preparazione accademica, volle creare una musica che riflettesse il carattere nazionale russo, mentre al tempo stesso fosse all'altezza della complessità della musica classica europea. Così la sua anima cosmopolita permise alla sua musica di varcare i confini culturali della Russia e appartenere all'intera musica classica, determinando un posto per la Russia nella storia della musica europea.

Il vasto catalogo delle composizioni di Pëtr Il'ič Čajkovskij spazia attraverso tutti i generi, includendo sinfonie, opere, balletti, musica sinfonica, musica da camera e musica sacra.

Pëtr Il'ič Čajkovskij nella letteratura e nel cinema, come per altri artisti, è rappresentato in modalità di natura differente: dalla biografia più o meno in senso tradizionale (ma "diversa" a seconda dell'epoca in cui è stata stilata), alla biografia-romanzata o romanzo-biografico talora (come nel caso di quello di Klaus Mann, Sinfonia Patetica, 1935), al saggio-biografico, allo studio "scientifico" ed analitico. Le diversità in tal senso sono comprensibili e costituiscono un arricchimento alla conoscenza della materia.

1. ^ Ciajkovskij, Petr Il´ic , in Enciclopedia dantesca, Roma, Istituto dell'Enciclopedia Italiana, 1970.

2. ^ Bruno Migliorini et al., Scheda sul lemma "Ciaikovski" , in Dizionario d'ortografia e di pronunzia, Rai Eri, 2010, ISBN 978-88-397-1478-7.

3. ^ "Tchaikovsky". Random House Webster's Unabridged Dictionary.

4. Le date di nascita e morte sono il 25 aprile ^ 1840 e il 25 ottobre 1893 secondo il calendario giuliano, in vigore in Russia nel XIX secolo.

5. "Čajkovskij, negli ultimi anni di vita, sarebbe stato celebrato ovunque come il più grande compositore vivente russo-anzi, dopo ^ Tolstoj, come il più grande tra i russi viventi." (Brown, 2012, p. 33)

6. ^ a b c

7. ^ Hofmann.a b c d

8. Il legame e peso affettivo tra Modest e il compositore sono stati ben espressi ad esempio dalla biografa Nina Berberova che per tutto il suo libro "Il ragazzo di vetro" (vedi "Bibliografia") parla di due vite parallele, con il fratello minore costante emulatore del maggiore in ogni aspetto intimo e pubblico, vizi e virtù inclusi. ^

"Sono pazzo di fronte al fatto che non sei libero da nessuno dei miei difetti e questo è vero, vorrei trovare assente in te almeno uno dei miei tratti negativi, e non posso, mi assomigli troppo, e quando sono arrabbiato con te, sono di fatto arrabbiato con me stesso, tu fai sempre da specchio in cui vedo il riflesso di tutte le mie debolezze, di conseguenza puoi concludere che se provo antipatia per te, significa che lo sento per me stesso"

9. ^ a b

10. Il didatta venne interrogato dal padre del musicista dopo qualche mese dice ^ Bellingardi, p. 24 nella propria biografia. "Ha orecchio, memoria, buone mani... Come musicista però è senza avvenire, risultando privo di quella vocazione al genio, che un compositore oggi proprio deve avere". In seguito Kjundinger, precisa Nicastro, p. 13 nel saggio proprio, dovette ammettere "a mio disdoro" di non aver saputo cogliere a suo tempo la stoffa del musicista in quel giovane

11. Robert C. Ridenour, ^ La Russia di Musorgskij, in "Convegno Internazionale Musorgskij", Teatro alla Scala, Milano, 1981, pp. 1-8 e Valeria Esposito, Compositori italiani in Russia nel XVIII secolo, in "Rassegna sovietica", Roma 2-1985, pp. 180-188.

12. I suoi 57 articoli scritti tra il ^ 1868 e 1876, come altro materiale affine, sono a disposizione dell'appassionato in traduzione inglese su Tchaikovsky Research.

13. Anche un direttore come ^ Arturo Toscanini che non aveva mai particolarmente gradito il musicista russo, scrisse dopo un'esecuzione della "Patetica" nel 1938, "che l'ultimo movimento [fosse] non solo bello ma profondamente ispirato". Toscanini aveva diretto la prima italiana diEvgenij Onegin nel 1900 alla Scala di Milano, ma l'aveva preceduto all'estero il rivale Gustav Mahler. Del resto Toscanini non diresse mai nessuna sinfonia del musicista russo, ad eccezione appunto della Sesta che incise anche. Diresse ed incise tuttavia altre sue composizioni. Il ciclo del "Fato" fu realizzato, ed è rimasta la registrazione, dall'"allievo" Guido Cantelli, con la stessa orchestra di Toscanini, la NBC Symphony Orchestra, in un'interpretazione che ha movenze toscaniniane. Le notizie qui riportate sono essenzialmente nel volume a cura di Harvey Sachs, 2003.

14. Per la ^ Carmen di Bizet scrive: "Ritengo che sia uno chef-d'oeuvre nel pieno significato del termine, cioè una di quelle poche cose destinate a riflettere in sé, al più alto grado, le aspirazioni musicali di un'intera epoca" (Orlova, p. 203). Pochi giorni prima della propria morte, la sera del 21 ottobre 1893, il musicista assisterà ad una recita al Teatro Mariinskij di San Pietroburgo dell'opera di Bizet dicendo ad un amico:"Potrei ascoltare quell'opera ogni giorno!". Per Wagner: "Sono venuto via [dalle recite delRing, ndr] con il dubbio sulla validità della concezione di Wagner sull'opera...ma allo stesso tempo con il desiderio di continuare i miei studi su questa musica, la più complessa che sia mai stata scritta...In ogni caso L'anello dei Nibelunghi è uno degli eventi più significativi della storia dell'arte" (Orlova, p. 57). Čajkovskij ascoltò pressoché tutte il repertorio wagneriano, ma le sue riserve furono sempre molto ampie.

15. ^ a b

16. Aiutò anche ^ Nikolaj Rubinštejn e Claude Debussy che diciottenne entrò al suo servizio come pianista ed insegnante dei figli.

17. Quanto "sereno" tuttavia è sempre stato un motivo di dibattito, sulla base peraltro dei documenti diretti. Lo studioso David Brown (dal collega Alexander Poznansky) ha riportato una sconcertante annotazione da una lettera di Čajkovskij al proprio fratello Modest, che descrive l'incontro con un giovane prostituto nel febbraio 1879 a Parigi e le reazioni ambivalenti e auto giudicanti dell'artista: prima la passione erotica, il giorno appresso il biasimo sul proprio comportamento. ^

"Un letto, un miserando e piccolo baule, un tavolo piccolo e sudicio con una candela ormai consumata, poche paia di pantaloni consunti e una giacca [...]. Eppure [...] mi sembrò che questa miserabile cella fosse il centro della felicità umana [...]. Là ci furono ogni sorta di tenerezze, [...] poi mi prese una frenesia per la felicità amorosa e provai un piacere incredibile [...]. Il giorno dopo il musicista proseguiva e precisava: Mi svegliai preda del rimorso e con una piena consapevolezza della disonestà e dell'esagerata considerazione della felicità provata ieri, [...] non è stata altro che una forte inclinazione sessuale fondata sulla corrispondenza con le capricciose esigenze del mio gusto [...] Dio mio, quanto è pietoso il suo stato [si riferisce al ragazzo]... E invece di aiutarlo a migliorarsi, ho soltanto contribuito a spingerlo ancora più in basso"

18. L'intera Bibliografia mondiale ha sempre sottolineato le ricorrenti "necessità materiali" che il compositore mantenne per tutta la vita, più pronunciate ovviamente in età giovanile, e che l'arrivo della von Meck coi suoi finanziamenti risolse non poco. Ma va detto anche con Marina Moretti che "Pëtr Il'ič non condusse mai una vita sregolata. Tutti i suoi debiti erano dovuti all'aiuto costante che egli dava ai suoi fratelli gemelli Modest e Anatolij. Inoltre egli pagava gli studi al conservatorio ad alcuni suoi allievi. Non gli era difficile trovare chi gli prestava del denaro: aveva entrate fisse ed era preciso nei conti: Ma a volte i debiti si accumulavano, e questo era avvenuto nel 1877". (Marina Moretti, ^ Pёtr Il'ič Čajkovskij, Lettere da Sanremo (1877-1878), Varese, Zecchini Editore, 2022, nota 10 alla pag.8).

19. (^ RU) selezione di 497 lettere, divise per anno, tra i due, Č. alla v.M. e viceversa

20. I dati sul numero complessivo di lettere scambiate sono stati variamente riportati dai biografi. In ^ Seroff, 1960, p.29 sgg., nelle pagine esplicite sulla von Meck e il musicista parla di "oltre duemila [lettere], di cui ne furono pubblicate milleduecento". Il numero abnorme di dodicimila, citato in Casini & Delogu, p. 179, riconfermato tuttavia indirettamente ivi ("migliaia e migliaia di lettere") è ambiguo, ma questo varrebbe anche per il numero totale dell'intero carteggio del compositore a tutti i suoi corrispondenti. Il punto è controverso in quanto in alcuni autori (Hofmann, Seroff) si accenna a distruzione o perdita dell'enorme epistolario generale: per Langston, che nega peraltro ammanchi o scomparsa dello stesso, il totale sarebbe di oltre cinquemila lettere.

21. Per il carteggio superstite o comunque sia tra compositore e la von Meck è stata iniziata una nuova edizione russa^ [70]. Tchaikovsky Research si prefigge la graduale pubblicazione on-line entro il 2018 di tutte le lettere superstiti, ed entro il 2020 la loro traduzione in lingua inglese.

22. Sebbene dati di un'epoca in cui lo scrivere era una necessità, il musicista ha suscitato lo stupore di molti su come riuscisse a trovare il tempo per una vita fatta di accurata composizione musicale, viaggi, incontri, rapporti personali e tanto tempo speso nella corrispondenza: si pensi che l'amico e critico musicale Herman Augustovič Laroš (1845-1904)^ [3] ricevette circa 4.000 (quattromila) lettere da lui (Hofmann, p. 90). L'artista passava diverse ore impegnato nello scrivere lettere e nell'Opera Omnia esse occupano numerosi volumi. Ogni dieci anni circa, afferma Langston, saltan fuori, tuttavia, in aste pubbliche, una dozzina di "nuove" lettere, con conseguente variazione del numero totale.Vedi l'intervento di Brett Langston del 22 luglio 2009 sul "Forum" del "Tchaikovsky Research". Per quanto detto sopra il numero generale globale delle sue missive appare incerto. Del resto appare altresì ovvio e comunque possibile che tante sue lettere ai numerosi propri corrispondenti siano andate, nel tempo, perdute alla destinazione.

23. In una lettera alla stessa von Meck, del 1º marzo 1878. Tale documento, citatissimo, è tuttavia variamente riportato dalla bibliografia. Qui è stata trascritta la versione - attendibilissima - di ^ Orlova, pp. 109-111, 1990. Si può anche vedere il testo completo con esempi musicali originali riproposti, nel sito in lingua inglese "Tchaikovsky Research".

24. ^ Orlova, pp. 73-74; ma qualche biografo, lo ridimensionerebbe, vedi le discussioni sul Forum del Tchaikovsky Research.

25. ^ Leonetta Bentivoglio, Ciajkovskij, l'avvelenata , in la Repubblica, 24 aprile 1993, p. 33 (sezione: Cultura). URL consultato il 27 settembre 2008.

"...negli scritti può rivelarsi anche meschino, vittimista, avido, dissipatore, colpevolizzante, afflitto da manie di persecuzione, ingeneroso..."

Anche lo storico Hofmann del resto non ha esitato ad osservare tratti così negativi.a b

26. Le quattro "Suite" scritte da Čajkovskij tra il 1878 e il 1887, rappresentano un lato produttivo molto particolare del musicista, con il loro carattere estremamente slegato dagli "obblighi" formali della sinfonia come pratica allora più usata in musica. Gli consentivano una libertà e varietà tanto strutturale che creativa a lui gradita e confacente. Tali sue produzioni non sono da confondere con le "Suite" dai suoi propri balletti, ma vanno collocate nella più ampia accezione del termine ^ "Suite". Sulla rilevanza che esse rivestono nell'opera čajkovskiano molto chiarificatore il capitolo IX nel saggio di Tammaro e quanto compare nella Voce a proposito della sua Suite n.3.

27. ^ Orlova, per l'edizione italiana del suo libro, pp. XXIII-XXIX, ha scritto un capitolo aggiuntivo proprio sul rapporto affettivo del musicista verso l'Italia. Čajkovskij imparò abbastanza bene l'italiano scritto, parlandolo meno bene. Oltre Firenze, visitò Roma, Napoli, Venezia, Milano e non solo. Vedi in
Da ricordare che questo interesse per l'Italia come "luogo di delizie" era certo non sconosciuto all'epoca agli stranieri (Casini & Delogu, pp. 210-211). Nel caso del musicista è abbastanza noto l'episodio connesso ad un cantore, e alla romanza che vi è legata Pimpinella[4] (op. 38, n. 6). Ma il suo miglior ricordo e testimonianza dell'amore italiano fu nella scrittura del Sestetto per archi in Re minore sottotitolato Souvenir de Florence, op. 70, 1890 che realizzava un progetto di qualche anno prima.

28. Mahler scrive la sua Prima sinfonia, Strauss il poema sinfonico ^ Don Giovanni, Franck la Sinfonia in Re minore e Rimskij-Korsakov Sheherazade

29. Testimonianza "a suo tempo formulata dall'^ entourage čajkovskiano, secondo cui Pachul'skij, il compositore e violinista di casa von Meck in seguito divenuto marito di Julia v. M. e pertanto genero di Madame, avrebbe occultato la quasi totalità delle lettere inviatele da Čajkovskij, negli ultimi tempi (pare per screzi di natura professionale col compositore)". (Nicastro, p.219)

30. La versione ^ ricostruita degli avvenimenti fatta da parte del figlio di madame Nikolay von Meck, 10 anni dopo la morte del musicista, in una lettera all'amico di Čajkovskij Nikolaj Dmitrievič Kaškin, insisteva sul senso di colpa della madre, nel momento sia del dissesto economico, sia-soprattutto-della malattia mortale del fratello maggiore Vladimir: "lei non si considerava in diritto di continuare qualsiasi forma di relazione, dal momento che il destino l'aveva crudelmente punita...";

31. Altre versioni affermano che il musicista pronunziasse proprio il nome della von Meck, ora maledicendola, ora invocandola (^ Berberova). Tuttavia, nella ridda di notizie, una sorta di "chiarimento" tra la von Meck e Čajkovskij sarebbe forse avvenuto (da lontano) poco prima della morte del musicista, non direttamente ma attraverso la nipote Anna, la figlia di Aleksandra I. Čajkovskij, quella che aveva sposato uno dei figli della von Meck (Brown, The Final Years,1885-1893, pp. 292-3; ripresa anche da Bellingardi, p. 38). Se ciò fosse davvero avvenuto, la versione di Warrack avrebbe una sua logica. Ma tutto è ormai entrato nella leggenda.

32. Non è un caso se fu amata da Mahler (^ Bellingardi, p. 82). Su di essa e le sue variegate implicazioni, nella produzione del musicista si vedano: Nicastro, p. 230 e segg., Hofmann, pp. 150-1, Tammaro, passim.

33. Si sa per certo (dalla biografia del fratello Modest ma anche dai discendenti di Mascagni), di un mancato incontro tra i due musicisti. Si veda: ^ [5] ed anche: [6]

34. L'intenzione di produrre una nuova sinfonia daterebbe già tra la fine del 1889 e la metà del 1890; una grande sinfonia in tre parti, dedicate rispettivamente alla vita, all'amore e alla morte (^ Casini & Delogu, p. 457). Il "seguito" alla Quinta sinfonia fu piuttosto tormentato, come si vedrà, fatto di ripensamenti ed indecisioni, segno più che del proprio tradizionale carattere, delle tensioni che l'artista provava nel voler comporre un lavoro del tutto particolare, come poi, alla fine, sarebbe stata la Patetica.

35. Particolarmente rilevanti alcune dichiarazioni dello stesso autore in merito alla sua sinfonia ultima: "ho in essa riposto tutta la mia anima", "ed essa è penetrata da un carattere che resterà per chiunque altro un enigma" (^ Tammaro, p. 262 e capitolo XII). Tipica contraddizione čajkovskijana dalla critica ampiamente osservata: "...un'intenzione, invero un po' civettuola" (Tammaro, p. 266) riproponendo il commento di Mario Bortolotto per cui "È evidente che un programma taciuto non è più tale". Aveva forse ragione il fratello Modest per cui il musicista nel momento compositivo, andava a compiere un esorcismo per cacciare tutti gli oscuri dèmoni, che lo possedevano da molto tempo (Hofmann, p. 266). Del resto se il programma non fu di fatto pubblicato esso apparve sufficientemente leggibile a parenti ed amici, quantomeno ad opera eseguita ma non soltanto. Da tempo ormai l'artista manifestava un disagio esistenziale, un presagio della propria fine (Hofmann, p. 160). Peraltro in un autografo conservato a Klin, esiste un appunto sulla sua articolazione: "Il motivo sotterraneo è la Vita, con la sua antitesi in essa connaturata: il primo movimento è soltanto passione, fiducia, slancio vitale, il secondo movimento raffigura l'amore; il terzo la fine delle illusioni per l'incalzare minaccioso delle forze del male, il quarto è la Morte, cioè l'annientamento della Vita" (Bellingardi, p. 131). Ma poi probabilmente "il programma doveva rimanere segreto anche perché non del tutto chiaro allo stesso Čajkovskij, per il quale la composizione era in fondo un lavoro di autoanalisi, di introspezione..." (Tammaro, p. 266). E non oltre che una curiosità poi l'interpretazione del premuroso Modest, sul discusso programma, in una lettera del 1907 ad un musicologo ceco, con candida ammissione di reale ignoranza (Tammaro, p. 267). Quindi corrette le proposte appena citate di una ricerca intima o - più crepuscolarmente - il rituale per liberarsi dai fantasmi di un'intera vita. Non peregrina in conclusione la proposta di una "confessione musicale di un nichilista che vorrebbe sbarazzarsi di tutto ciò che di malvagio vi è in lui, dal momento che la sua musica implica il rifiuto di ogni consolazione, si tratti di felicità umana o religiosa - ed ugualmente la derisione di tutti i valori" (Hofmann, p. 160).

36. ^
"Se la Patetica avrebbe dovuto essere, secondo il suo autore, un mistero da decifrare, deve dirsi, invece, che nulla vi è di più impietosamente solare nelle linee gravide di contrasto e lutto di questo opus del commiato: il "senso della tragedia", sottolineato da Šostakovič..."

37. ^ (RU) La "Pathétique" de Tchaikovski, (La "Patetica" di Čajkovskij) , su YouTube, Live Novosibirsk Philharmonic.

38. Si trattò del primo concerto della XXXV stagione della Società musicale russa a San Pietroburgo. Secondo il critico Victor Kolomiytsov, che era tra il pubblico: "quando Čajkovskij apparve in scena-come al solito era un po' imbarazzato e nascondeva la sua ansia con movimenti esagerati. L'intera sala della nobiltà, piena di persone, lo salutò con una lunga ovazione e l'orchestra gli fece un tributo particolare, anche se, a quanto pare, non c'era un motivo specifico per una tale festa e gioia... Quando tutto si placò, Čajkovskij mise i suoi occhialetti da vista, e con gesto sicuro aprì la partitura del manoscritto della Sinfonia che stava sul leggio del direttore, batté con la propria bacchetta su esso, e i suoni della "Patetica" si riversarono per la prima volta...". Durante l'intervallo, attorno alle 21, dopo che la sinfonia era stata eseguita con una accoglienza educata ma poco convinta, Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov chiese all'autore se la composizione avesse un programma. Čajkovskij rispose che certo, essa lo possedeva, ma che non l'avrebbe divulgato. Il concerto riprese con molta altra musica (è poco noto), tra cui il celebre Concerto per pianoforte n.1, interpretato dalla pianista tedesca Adele Aus Der Ohe (1861-1937) ^ [7]. Era ben la quarta volta che l'allora celebre esecutrice suonava il concerto sotto la direzione del compositore (la prima volta era stato all'inaugurazione della Carnegie Hall a New York nel maggio 1891). La pianista alla fine sullo scròscio degli applausi si avvicinò al podio direttoriale, prese la mano di Čajkovskij, per indicare che il tributo andava verso l'autore e non a lei (così le cronache dei giornali). Il compositore lasciò la sala dei concerti conAleksandr Konstantinovič Glazunov, col quale si lamentò amaramente che la sinfonia non aveva avuto molto successo specie fra gli orchestrali. Ma pur riconoscendo che lui stesso seppur tendesse sempre ad essere deluso dopo la prima esibizione delle sue opere, questa volta era compiaciuto della sua nuova creatura. ("Tchaikovsky Research", da Poznansky et a.)

39. Ma addirittura lo specialista Alexander Poznansky favorevole a credere alla "versione ufficiale" per l'appunto, ha pure osservato la stranezza del comportamento del fratello minore in quei frangenti: ^

"Nel fatidico giorno in cui Čajkovskij si ammalò di colera, Modest, troppo preoccupato per le prove del suo ultimo lavoro teatrale [che stava per andare in scena], non prestò sufficiente attenzione ai sintomi allarmanti e lasciò il fratello per alcune ore cruciali senza assistenza medica, cosa che ritardò l'urgenza di una diagnosi e quindi indirettamente contribuito al tragico risultato. Il senso di colpa di Modest è responsabile di sottili distorsioni e omissioni che vanificano il suo lungo resoconto degli ultimi giorni di Čajkovskij e lo rendono inaffidabile"

La sera stessa dopo i funerali del musicista, il fratello Modest si recò al Teatro Aleksandrinskij per la prima del proprio lavoro: la recita non venne annullata e i contemporanei lo rimarcarono come segno di insensibilità (Poznansky).

40. ^ (EN) Modeste (Ilich) Tchaikovsky, The life & letters of Peter Ilich Tchaikovsky, introduzione di Rosa Newmarch, Londra, 1905, p. 723.

41. ^ Orlova, p. 418. a b c

42. ^
"In questi ultimi giorni non era né molto allegro, e neppure depresso. Nella cerchia dei suoi amici intimi era contento e gioviale; tra estranei era, come al solito, nervoso ed eccitato e, col passare del tempo, stanco e noioso. Ma nulla ha dato il più piccolo accenno della sua prossima fine. [...] Il primo novembre è andato a vedere la commedia di Ostrovskij, Un cuore caldo, al Teatro Aleksandrinskij. Durante l'intervallo è andato a trovare l'attore Varlamov nel suo camerino. La conversazione si spostò sullo spiritismo [e la morte] [...] "C'è un sacco di tempo", diceva Čajkovskij "Ma prima o poi dobbiamo fare i conti con questo orrore camuso, verrà a strapparci via appena lo vorrà. Quanto a me sento che vivrò a lungo!""

43. Maria Rosaria Boccuni, in una nota dell'edizione italiana del libro della Orlova, posta a p. XXXI del volume citato, scrive che al Museo di Klin si conservasse in un cofanetto una lettera contenente la verità sulla vicenda e che avrebbe dovuto essere aperta soltanto cent'anni dopo la morte del musicista (quindi nel 1993). Durante la ^ guerra, il materiale fu prudenzialmente posto al riparo (i tedeschi entrarono comunque a Klin nelle stanze mettendole a soqquadro). Il cofanetto tuttavia non fece ritorno al museo. La Boccuni precisa che la fonte della notizia risaliva ad uno dei nipoti di Čajkovskij. La cosa interessante è che la Boccuni aggiunge di aver nel 1991 personalmente chiesto notizie del cofanetto e della lettera all'allora responsabile del Museo di Klin. E scrive testualmente: "Il diniego è stato immediato e fermo. Nessun cofanetto, nessuna lettera". A solo titolo di curiosità si può far notare, sulla scorta di quanto riporta la bibliografia anglosassone in proposito e sulle presunte, innumerevoli cause del decesso, che l'arsenico lascia tracce nel corpo umano per un centinaio d'anni circa. È stato, ovviamente, avanzato il "suggerimento" di un'esumazione (Holden), cosa peraltro che appare tuttavia "difficile" per molteplici e comprensibili motivazioni. Quindi, mancando prove inconfutabili, appare evidente che nessuna conclusione definitiva può esser stilata e che mai potrà conoscersi la vera fine del compositore, restando viceversa ampio spazio alle supposizioni e giochi "polizieschi" .

44. ^ (EN) Pride of Prejudice, BBC Radio 3, 1993.

45. ^ (EN) Anthony Holden, Omnibus: Who Killed Tchaikovsky?, BBC 1, 1993.

46. L'ultima parola veniva data a David Brown che non esitava in quella sede: "Per me, non c'è dubbio che si sia suicidato ... ". Poco prima dell'estremo intervento dello storico inglese, il responsabile del Museo di Klin precisa di dubitare fortemente che negli archivi vi sia ancora qualcosa che getti più luce su come il musicista sia morto. E per parte propria un altro studioso è ^ sicuro-in base alle proprie ricerche-che Čajkovskij "morì di colera", pur ammettendo candidamente: "Naturalmente, non possiamo mai dire il cento per cento se non abbiamo la prova al cento per cento". Ma sui titoli di coda la voce del direttore d'orchestra Vladimir Aškenazi avverte anche: "Forse uno degli ingredienti di grandezza di Čajkovskij è che la sua tragedia personale è trascesa. Per le mie orecchie, non è più una tragedia personale. É qualcosa che nessuno e tutti capiranno e in cui potrebbero identificarsi".

47. ^ Claudio Casini, Patetico Ciaikovskij , in la Repubblica, 10 marzo 1990, p. 8 (sezione: Mercurio-Musica). URL consultato il 27 settembre 2008.

48. In una nota della curatrice Marina Moretti a pag.3 del volume ^ Pëtr Il'ič Čajkovskij - Lettere da Sanremo (1877-78), che chiosa la seconda introduzione (Il filo del destino] al suddetto volume, introduzione firmata dallo specialista russo Valeriĵ Sokolov (Aprile 2022), si precisa quanto segue: "Una notevole ricerca [...] è stata svolta dal microbiologo N.O.Blinov e dal compositore V.S.Sokolov ed è contenuta nel libro L'ultima malattia e la morte di P.I. Čajkovskij, Muzyka, Mosca, 1994. In esso sono raccolte varie testimonianze tratte da archivi e da articoli di giornale, che smentiscono su basi scientifiche le leggende e le varie congetture che si diffusero sulla improvvisa fine del compositore

49. Adrienne Sharp, ^ La ballerina dello zar, 2010

50. ^ (EN) Solomon Volkov, St. Petersburg: A Cultural History, New York, The Free Press, 1995, p. 128.

51. ^ Casini & Delogu, p.491 e Orlova, p.420

52. Cit. in: Modeste (Ilich) Tchaikovsky, ^ The life & letters of Peter Ilich Tchaikovsky; edited from the Russian with an introduction by Rosa Newmarch, London, 1905, pp.621-622.

53. "E doveroso é ricordare che Pietro [Čajkovskij] è anche uno dei più grandi autori di teatro musicale: almeno due capolavori, l'^ Eugenio Onegin e La donna di picche, sono quasi all'altezza di Verdi e Wagner"; Paolo Isotta, Altri canti di Marte, 2015.

54. ^ Michele dall'Ongaro, Brahms e Cajkovskij , Radio3 Suite, 27 agosto 2011. URL consultato il 20 novembre 2015.

55. ^ Giovanni Bietti, Lezioni di musica: Il tardo Ottocento tra orchestra e teatro , Rai Radio3, 28 novembre 2011.

56. ^ Encyclopedia Of Ukraine Vol. 5 , 1993.

57. Si veda sull'intero argomento l'esemplare scritto: ^ Casini & Delogu, Lo stile di Čajkovskij, p. 497 e segg. ed il profilo critico di Mioli.

Luigi Bellingardi, Invito all'ascolto di Čajkovskij, Milano, Ugo Mursia Editore, 1990, ISBN 88-425-0544-7.

Nina Nikolaevna Berberova, Il ragazzo di vetro, tit. orig.: Čajkovskij: istorija odinokoj ž Parmaizni (Čajkovskij: storia di una vita solitaria), pubblicato per la prima volta da Petropolis, Berlino, 1936; trad.it. di Riccardo Mainardi, Parma, Guanda, 1993 [1936], ISBN 88-7746-482-8.

() David Brown, Čajkovskij. Guida alla vita e all'ascolto, tit. orig. Tchaikovsky: The Man and his Music, 2007, Pegasus Books, New York, (trad. italiana di Alessandra Burani e Luca Fontana), il Saggiatore, Milano, 2012, 2012, ISBN 978-88-428-1497-9.

In quattro volumi: I: The Early Years, 1840-1874 (ed. 1978) - ISBN 0-575-02454-2; II: The Cris Years,1874-1878 (ed.1983) - ISBN 0-393-01707-9; III: The Years of Wandering,1878-1885, (ed.1986) - ISBN 0-393-02311-7; IV: The Final Years,1885-1893, (ed 1991) - ISBN 0-393-03099-7

() David Brown, Pëtr Il'ič Čajkovskij, in Stanley Sadie (a cura di), The New Grove Dictionary of Music and Musicians, in 20 voll. (aumentati nelle edizioni successive), Londra, MacMillian, 1980 e sgg., ISBN 0-333-23111-2.

, 3 voll. In italiano letteralmente sta per La vita di Pëtr Il'ič Čajkovskij; prima versione occidentale in lingua tedesca edita da Paul Juon, 2 voll., Moskva e Leipzig, 1901-03, poi in lingua inglese a cura di Rosa Newmarch, 1 vol., London 1905; ed. americana attuale: Modest Tchaikovsky, The Life And Letters of Peter Ilich Tchaikovsky, University Press of The Pacific, 2004 ISBN 1-4102-1612-8; ed. tedesca attuale: Modest Tschaikowsky, Das Leben Peter Iljitsch Tschaikowskys, riedizione a cura di Alexander Erhard e Thomas Kohlhase, Mainz, 2011 ISBN 978-3-7957-0778-1.

; ripubblicato in seguito presso Bompiani, Milano, 2005 ISBN 978-88-452-5548-9 (le citazioni nella Voce, da questo libro, fanno riferimento all'edizione 1993)

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Antoine Golèa, Storia del Balletto, traduzione di it. di Vittoria Ottolenghi, Torino, Edizioni Rencontre, 1967.

Ghislaine Juramie, Piotr Iljic Caikovski, ed. originale Tchaikovski, Librairie Hachette, Paris, 1970; (trad. it. di Luciana Fusi e Carla Maria Casanova), Milano, SugarCo Edizioni Srl, 1978.

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() Vladimir Lakond (a cura di), The Diaries of Tchaikovsky, ristampa dell'ediz. americana 1945, W. W. Norton & Company, Inc., New York)- ISBN 0-8371-5680-7 (edizione originale russa a cura di Ippolit Il'ič Čajkovskij, Dnevniki P. I. Čajkovskogo sta per: Diari di P. I. Čajkovskij, Moskva, 1923; gli anni a cui i diari fanno riferimento sono 1873, 1884, 1886, 1887, 1888, 1889, 1890 e 1891, 10 diari), Seconda edizione, Greenwood Press, Westport, 1976.

() Francis Maes, A History of Russian Music: From Kamarinskaya to Babi Yar , Los Angeles, University of California Press, 2002, ISBN 0-520-21815-9.

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The Lied and Art Song Texts Page created and mantained from Emily Ezust - Testi originali dei Lieder del musicista con traduzioni in varie lingue.

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(RU) Belcanto Tchaikovsky: "Tchaikovsky: La vita e l'opera del compositore russo"

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(RU) Casa-museo del musicista a Klin Archiviato il 9 dicembre 2015 in Internet Archive..

(EN) Casa-museo di Klin. Con numerose immagini della casa e ambienti dove visse il musicista; vedi anche qui.

(EN) I manoscritti del compositore on-line - Tchaikovsky, Open World (Чайковский, открытый мир) è un database online contenente le riproduzioni digitali di materiali che sono stati totalmente o parzialmente scritti a mano dallo stesso compositore.

Tchaikovsky Research

(EN) Tchaikovsky Research È il sito (accademico) di riferimento, "omnicomprensivo", sul musicista. Nato nel febbraio 2006. È stato ottimizzato e adeguato il 6.11.2013.

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Pëtr Il'ič Čajkovskij, spesso traslitterato Ciajkovskij, Ciaikovski o Tchaikovsky ([ˈpʲɵtr ɪlʲˈjitɕ tɕɪjˈkofskʲɪj] , in russo Пётр Ильи́ч Чайко́вский; Votkinsk, 7 maggio 1840 - San Pietroburgo, 6 novembre 1893), è stato un compositore russo del periodo tardo-romantico, le cui composizioni sono tra le più note del repertorio classico.

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Bedřich Smetana

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Bedřich Smetana

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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L'Orchestra Virtuale del Flaminio mette a disposizione la biografia di Bedřich Smetana

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Jean Sibelius 

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Jean Sibelius 

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Jean Sibelius nacque nel 1865 a Hämeenlinna nel Granducato di Finlandia, sotto il dominio russo. La sua famiglia, per metà svedese, decise consapevolmente di mandare Jean in un'importante scuola di lingua finlandese. Ciò deve vedersi come parte della più ampia crescita del movimento dei fennomani, un'espressione del nazionalismo romantico che sarebbe diventata una parte cruciale della produzione artistica e delle idee politiche di Sibelius.

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Jean Sibelius: la vita, biografia, musica, album, Cd, DVD

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Edvard Grieg  

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Edvard Grieg  

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Edvard Grieg, In the Hall of the Mountain King from "Peer Gynt"

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Vita e opere di Edvard Munch con illustrazione di alcune delle sue opere. Testo scaricabile gratis in formato pdf.

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Edvard Hagerup Grieg ( Bergen, 15 giugno 1843 - Bergen, 4 settembre 1907) è stato un compositore e pianista norvegese. È considerato il più grande compositore norvegese, conosciuto in particolare per ilConcerto per pianoforte in La minore, le musiche di scena per il di Henrik Ibsen (trasposte successivamente in due suite), per l' Holberg Suite e per molti dei suoi Pezzi lirici. Questi ultimi, composti tra il 1867 e il 1901 e raccolti in dieci quaderni, sono da considerarsi come il suo capolavoro.

Norvegese per parte di madre, ma di lontane origini scozzesi per parte di padre (il nonno, il cui cognome era Greig, si era trasferito a Bergen verso la metà del XVIII secolo), Edvard Grieg fu il quarto di cinque figli. Le ottime condizioni economiche consentirono alla famiglia Grieg di offrire una buona preparazione musicale a tutti i figli. Il maggiore dei maschi, John Grieg, diventò violoncellista e uno dei migliori critici musicali di Norvegia. Edvard, precocissimo e ipersensibile, studiò pianoforte con la madre Gesine Judith Hagerup, ottima cantante e pianista, applicandosi però malvolentieri agli esercizi di prammatica. La sua natura di compositore lo spingeva piuttosto a cercare sul pianoforte insolite combinazioni di accordi.

Nell'estate del 1858 Grieg incontrò il più noto violinista norvegese del tempo, Ole Bull, amico di famiglia e il cui fratello aveva sposato una zia del giovane compositore. Bull notò il talento del quindicenne e convinse i coniugi Grieg a far proseguire gli studi del figlio a Lipsia, dove Edvard si trasferì nel 1858. Superato l'esame di ammissione, l'impatto non fu tuttavia buono: l'impostazione aridamente tecnica dell'insegnante di pianoforte, Louis Plaidy, spinse Grieg a chiedere di essere trasferito in un'altra classe. L'approccio didattico del nuovo insegnante, Ernest Ferdinand Wenzel, già amico di Schumann, si rivelò più vicino alla sensibilità del musicista norvegese, ma nel complesso la scuola di musica non riuscì a soddisfare le aspettative di Grieg, che anni dopo ricorderà come in tutto il Conservatorio di Lipsia non ci fosse una sola classe dove si potesse imparare l'arte dell' orchestrazione. Il soggiorno nella città sassone gli offrì comunque la preziosa opportunità di ascoltare una grande quantità della migliore produzione da camera e sinfonica del primo Ottocento.

Nella primavera del 1860 sopravvisse a una grave malattia ai polmoni. L'anno seguente debuttò come pianista a Karlshamn in Svezia.

Conclusi gli studi nel 1862, Grieg tornò per qualche tempo in Norvegia, prima di trasferirsi nel 1863 a Copenaghen dove risiedette per tre anni. Il suo primo concerto da pianista in Norvegia lo tenne a Bergen.

Nel periodo di Copenaghen egli fece la conoscenza dei compositori danesi J. P. E. Hartmann e Niels Gade e di un compositore norvegese suo coetaneo, Rikard Nordraak, destinato a morire prematuramente nel 1866. Nordraak era un acceso nazionalista, ed ebbe il grande merito di risvegliare nell'amico, la cui musica di questo periodo appare influenzata da modelli tedeschi, l'entusiasmo per la musica popolare della sua terra. Per Nordraak Grieg scrisse una marcia funebre.

Dopo un viaggio in Italia ( Roma, Napoli, Ravello), dove tra gli altri incontrò Henrik Ibsen, il futuro autore di , Grieg fece ritorno a Oslo. Qui si esibì in concerti di musica norvegese, diventò direttore della Società Filarmonica e nel 1867 fondò l'Accademia Norvegese di Musica, facendo eseguire composizioni dei maestri classici e romantici fino ad allora sconosciute in Norvegia. L'11 giugno di quell'anno sposò la cantante Nina Hagerup, sua prima cugina, da tempo sua compagna nell'attività concertistica. L'anno seguente nacque la loro unica figlia, Alexandra. L'estate successiva durante una vacanza in Danimarca Grieg scrisse il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore una delle sue composizioni più famose e certamente la più impegnativa sul piano costruttivo. La prima di quest'opera fu eseguita a Copenaghen dal pianista Edmund Neupert il 3 aprile 1869. Grieg non fu presente alla prima avendo impegni con un'orchestra a Christiania (oggi Oslo).

Quattordici anni dopo, nel 1883, Grieg tentò di cimentarsi nuovamente nella composizione di un concerto per pianoforte e orchestra, ma alla fine dovette rinunciare: proprio la consapevolezza dei difetti strutturali del primo concerto l'avevano nel frattempo orientato verso la composizione di pezzi brevi, di tipo bozzettistico, spesso per pianoforte.

Nell'autunno del 1869 Grieg ricevette dallo Stato norvegese una borsa di studio per recarsi in Italia e perfezionarsi con Franz Liszt, il musicista ungherese che ne aveva intuito il talento, dopo aver letto alcune sue composizioni pianistiche.

Nell'estate del 1869 sua figlia Alexandra si ammalò e morì all'età di tredici mesi.

Di ritorno a Oslo, Grieg si cimentò per la prima volta col teatro musicale, componendo le musiche di scena per il Sigurd Jorsalfar di Bjørnstjerne Bjørnson e soprattutto per il Peer Gynt di Ibsen. Tra queste due composizioni cominciò anche la composizione di un' opera lirica, Olav Trygvason, su libretto dello stesso Bjørnson, di cui completò solo tre scene.

In seguito, dai 22 pezzi musicali composti per il , Grieg ricaverà le due suite orchestrali - ciascuna formata di quattro brani - destinate a raggiungere una notevole popolarità.

Nell'agosto del 1876 Grieg si recò a Bayreuth per assistere alla prima assoluta della Tetralogia di Richard Wagner, restandone folgorato. In questi anni la sua attività compositiva si ridusse sensibilmente a causa dell'acutizzarsi di una malattia polmonare che lo affliggeva da tempo.

Dopo aver ricoperto per due anni il posto di direttore della Società Filarmonica di Bergen, nel 1882 Grieg firmò un vantaggioso contratto con l'editore Peters di Lipsia, che ne acquistò la pubblicazione in esclusiva di tutte le opere. Libero da necessità economiche, abbandonò ogni regolare attività professionale e acquistò una casa a Troldhaugen, nella campagna vicina a Bergen, dove amava trascorrere la primavera e l'estate con la moglie, dedicandosi alla composizione, mentre la stagione fredda era impegnata dall'attività concertistica. Scrive Grieg:

"La mia Troldhaugen, la mia Norvegia e più indietro il resto del mondo, formano dei cerchi concentrici; non sono uno sportivo, e non ho affatto voglia di correre sul perimetro di uno dei cerchi. Come artista, io sto seduto al centro dei tre cerchi e, per fortuna, il mio pianoforte si trova accanto a me."

La sua fama era frattanto giunta al culmine e il compositore aveva ormai scelto la sua strada: quella della miniatura musicale, nella forma del foglio d'album e del Lied.

Negli ultimi anni, specie d'inverno, la sua salute mostrò i segni di un rapido peggioramento, ma ancora nel 1907, l'anno della sua morte, Grieg si esibì in concerto in Germania e in Russia. Al funerale di Edvard Grieg parteciparono dalle trentamila alle quarantamila persone e fu eseguita la marcia funebre di Fryderyk Chopin. Grieg e sua moglie sono seppelliti in una cripta inaccessibile ricavata sulla parete rocciosa che, dalla collina su cui è posta la loro casa di Troldhaugen, scende verso il mare.

Personalità

Tra i compositori del XIX secolo che la storiografia musicale include nella categoria delle scuole nazionali Grieg è quello per il quale si può più a buon diritto parlare di arte naïf, fresca, ingenua e diseguale. Lo studente insofferente alle regole, che di malavoglia si applica negli studi musicali tradizionali e che sente la tecnica come una limitazione alla sua immaginazione, si trasformerà in un compositore che rifugge le grandi forme, dedicandosi con gli anni sempre più esclusivamente al bozzetto lirico.

Il lavoro di Grieg sul folklore musicale norvegese mira a creare un linguaggio diverso da quello delle correnti romantiche dell'Europa centrale e in questa sua lunga ricerca gli risulterà congeniale la forma del quadretto di genere, soprattutto pianistico, ma anche quella del lieder e della musica per coro. È in particolare nella scrittura pianistica che il musicista di Bergen rivela la propria originalità: nei Pezzi lirici, oltre che nelle danze e nei motivi tradizionali norvegesi, Grieg esprime il carattere personale e talvolta audace della sua armonia, sovente costruita su un libero accostamento di accordi che riproducono i timbri degli strumenti popolari. Sotto certi aspetti, Grieg rappresenta una sorta di "ponte" tra Liszt e Debussy e le sue musiche di scena per il Peer Gynt hanno già un'impronta impressionistica.

A indicare a Grieg la via verso la formazione del proprio stile fu senz'altro la lingua musicale materna del folklore norvegese, prima quasi dimenticato negli anni di Lipsia, poi riconquistato anche grazie all'amico Nordraak. La facile riconoscibilità di questo stile contribuì in modo significativo al successo della sua musica mentre egli fu in vita (tra i compositori di fine Ottocento, egli godette in particolare dell'ammirazione di Johannes Brahms, di Čajkovskij e del vecchio Verdi) ma fu in genere considerata con sospetto o disinteresse dai musicisti del Novecento. Tuttavia è incontestabile che Grieg diede un contributo significativo al processo di allargamento del sistema tonale: la sua scrittura armonica, sciolta e tendenzialmente paratattica, sviluppa elementi propri della musica tradizionale norvegese, ma al tempo stesso converge in modo sorprendente verso l'esperienza condotta da autori contemporanei quali Antonín Dvořák, Anton Bruckner o Georges Bizet.

Grieg fu per altro consapevole di collocarsi alla periferia della vita musicale europea (ciò che dice della sua casa di Troldhaugen vale in realtà soprattutto per la sua musica) e realizzò i suoi lavori migliori tutte le volte che seppe accettare pienamente tale dimensione culturale. È il caso di molti Pezzi lirici per pianoforte, di alcuni numeri del Peer Gynt (tra cui sono notissimi , la Canzone di Solveig e Nell'antro del re della montagna) o della Holberg Suite, in stile antico, dove al sentimento di isolamento geografico subentra quello della distanza storica.

Nei momenti meno felici invece il suo stile rivela la presenza di modelli scarsamente metabolizzati, siano quelli scolastici appresi a Lipsia, come nel caso del Concerto per pianoforte e orchestra, o quelli delle partiture wagneriane, del cui cromatismo sono impregnate le composizioni degli ultimi anni.

Composizioni (selezione)

Le date indicate si riferiscono all'anno della pubblicazione nel catalogo dell'editore Peters di Lipsia eccetto l'op. 7 (editore Breitkopf & Härtel, Lipsia), le opp. 12 e 29 (editore Hornemann, Copenaghen), l'op. 11 (edita a Stoccolma), l'op. 11/1 (editore Rieter-Biederman, Lipsia), l'op. 17 (editore Rabe, Bergen) e l'op. 22 (edita a Copenaghen).

Quattro Pezzi per pianoforte, op. 1 (1867)

Quadri poetici, op. 3 (1864)

Sonata in Mi minore, op. 7 (1865)

Danze e canti norvegesi, op. 17 (1870)

Scene di vita popolare, op. 19 (1872)

Ballata in forma di variazioni su un canto popolare norvegese, op. 24 (1876)

Quattro Pagine d'album, op. 28 (1878)

Improvvisazione su due motivi popolari norvegesi, op. 29 (1878)

Melodie popolari norvegesi, op. 66 (1896)

Danze contadine norvegesi, op. 72 (1903)

Adagio e intermezzo trascrizioni dalla Sinfonia in do minore (1865)

Danze Norvegesi, op. 35 (1881)

Sinfonia in do minore (1864) nascosta dal compositore, ritrovata nel 1981

Due melodie elegiache, op. 34 (1881)

Danze Norvegesi, op. 35/1, trascrizione dell'originale per pianoforte a quattro mani

Sigurd Jorsalfar, tre brani orchestrali, op. 56 (1893)

Danze Sinfoniche, op. 64 (1898)

Antica melodia norvegese con variazioni, op. 51/1 (1905)

Concerto per pianoforte e orchestra in Si minore (incompiuto)

Sonata per violino e pianoforte in Fa maggiore, op. 8 (1865)

Sonata per violino e pianoforte in Sol maggiore, op. 13 (1871)

Quartetto per archi in Sol minore, op. 27 (1879)

Sonata per violoncello e pianoforte in La minore, op. 36 (1883)

Sonata per violino e pianoforte in Do minore, op. 45 (1887)

Quartetto per archi in Fa maggiore (incompiuto, completati solo i primi due movimenti)

Davanti a un monastero del Sud, per soprano, contralto, coro femminile e orchestra, op. 20 (1871)

Lo schiavo montano, per baritono e orchestra, op. 32 (1878)

Album per voci maschili, per tenore, baritono, basso, coro maschile senza accompagnamento, op. 30 (1880)

Avvistamento di terra, per baritono e coro maschile senza accompagnamento, op. 31 (1881)

Quattro Salmi, per baritono e coro a cappella, op. 74 (1907)

Romanze e ballate, su testi di Peter Andreas Munch, op. 9 (1867)

Quattro Romanze, op. 15 (1870)

Cinque Lieder, su testi di John Paulsen, op. 26 (1876)

Dodici melodie, su testi di Aasmund Olavsson Vinje, op. 33 (1881)

Ricordi di viaggio dai monti e dai fiordi, su testi di Holger Drachmann, op. 44 (1886)

Sei Lieder, su testi di Holger Drachmann, op. 49 (1889)

Norvegia, cinque lieder su testi di John Paulsen, op. 58 (1894)

Poemi Elegiaci, su testi di John Paulsen, op. 59 (1895)

Cinque Lieder, su testi di Vilhelm Krag, op. 60 (1895)

Canti dei bambini, op. 61 (1895)

Ciclo di Lieder di Haugtussa, su testi di Arne Garborg da Fortaeling, op. 67 (1898)

Cinque Lieder, su testi di Otto Benzon, op. 69 (1900)

Cinque Lieder, su testi di Otto Benzon, op. 70 (1900)

Libera aggiunta di parti di un secondo pianoforte a 4 sonate pianistiche di Mozart , (in fa magg. K 533, in do min. K 457, in do mag. K 545, in sol mag K 283), Fantasia K 475 (1876/79)

Gammelnosk romanse med Variasjoner, opera 51 (1891)

Edvard Grieg , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Edvard Grieg , in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Opere di Edvard Grieg , su Liber Liber.

Opere di Edvard Grieg / Edvard Grieg (altra versione) , su openMLOL, Horizons Unlimited srl.

(EN) Opere di Edvard Grieg , su Open Library, Internet Archive.

(EN) Edvard Grieg (musica per videogiochi e anime), su VGMdb.net.

Edvard Grieg , su Last.fm, CBS Interactive.

(EN) Edvard Grieg , su AllMusic, All Media Network.

(EN) Edvard Grieg , su AllMovie, All Media Network.

(DE, EN) Edvard Grieg , su filmportal.de.

Grieg: ascolta i suoi brani musicali su Magazzini-Sonori.

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Edvard Hagerup Grieg ( Bergen, 15 giugno 1843 - Bergen, 4 settembre 1907) è stato un compositore e pianista norvegese. È considerato il più grande compositore norvegese, conosciuto in particolare per ilConcerto per pianoforte in La minore , le musiche di scena per il di Henrik Ibsen (trasposte successivamente in due suite), per l' Holberg Suite e per molti dei suoi Pezzi lirici .

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Franz Joseph Haydn - "Surprise" (Symphony no. 94)

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L'Orchestra Virtuale del Flaminio mette a disposizione l'elenco delle composizioni di Franz Joseph Haydn che hanno un numero di Opus

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Composizioni di Milij Alekseevič Balakirev - Wikipedia

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Lista delle composizioni di Milij Alekseevič Balakirev (1837-1910). Tutte le opere sono per pianoforte solo, se non diversamente indicato.

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La biografia di Milij Alekseevič Balakirev

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La biografia di Milij Alekseevič Balakirev

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Milij Alekseevič Balakirev ( Nižnij Novgorod, 2 gennaio 1837 - San Pietroburgo, 29 maggio 1910) è stato un compositore, pianista e direttore d'orchestra russo, fondatore del Gruppo dei Cinque, che ebbe grande rilevanza nella storia della musica russa.

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Questa lista di opere liriche è un elenco non esaustivo e di rapida consultazione di opere storicamente significative, che comprende le opere presenti in almeno cinque delle nove autorevoli liste di opere elencate nella #Bibliografia.

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Cezar' Antonovič Kjui, anche Cesarius-Benjaminus Cui o César Cui ( in russo Цезарь Антонович Кюи; Vilna, 6 gennaio 1835 - Pietroburgo, 13 marzo 1918), è stato un compositore, generale e ingegnere russo.

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Modest Petrovič Musorgskij

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Ascoltiamo insieme l'opera (a parer mio) più bella di Modest Petrovič Musorgskij

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Modest Petrovič Musorgskij (1839-1881) : Méditation [feuillet d'album] (1880)

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Composizioni di Modest Petrovič Musorgskij - Wikipedia

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Lista delle composizioni di Modest Petrovič Musorgskij (1839-1881), ordinate per genere.