# data[].attributes.attachment_link.readable_text
" J'ai tendance à rêver très haut ". Miss Tic est née Radhia Novat, le 20 février 1956 à Paris. Son engagement politique s'inscrit loin des habitudes, des carcans, dans la vie et la liberté, cet effort à goûter, à tenter, à défendre, dans l'art et sa représentation des femmes. Elle dira " Je suis souvent cataloguée comme féministe. Dès que l'on est une femme qui s'exprime et qui pense, on est féministe. Je le suis comme une évidence. Mais je ne suis pas une militante ". Avec La Gabin, artiste, elle décrète un 8 mars, Journée de la salope. C'est à lire dans un livre flashback où elle se raconte. Un an, jour pour jour, après son décès, patchwork de ses mots, couplés à ceux de celles et ceux qui l'ont connue, croisée, rencontrée. Comme Sophie qui insiste : " Fais un beau portrait d'elle. C'était une femme remarquable ".

Ce qui m'inspire le plus dans la vie, c'est la vie

S'il fallait définir son travail en trois mots ?

" Pour définir mon travail en trois mots, je dirai audacieuse, populaire et sensuel. J'ai hésité avec sexy mais je préfère sensuel " ( Interview Galerie Sakura)

Je suis totalement autodidacte.
Je n'ai aucune formation. Je n'ai que des déformations
(Interview Galerie Sakura)

Ses influences ? Ses inspirations ?

" Les dadaïstes, les surréalistes, les situationnistes, les lettristes, les nouveaux réalistes, les droguistes, le rock and roll, le Rimbaud, le subversif toutes catégories, les enfants du Paradis, les femmes qui courent avec les loups, les romantiques qui prennent la rosée pour du rosé d'Anjou, l'utopiste debout, les mamans et les putains, les piétons de paris, les Claudettes, les gens de Dublin, les Miss Argentina et surtout les animaux " (Flashback, 30 ans de création)

C'est pour ce dessin que je suis poursuivie aujourd'hui, mais je n'ai aucune regret. Parce que je m'offre la plus belle galerie du monde, Paris. La légende Miss Tic, Culture Prime, France télévision

Quelle place occupe-t-elle dans le milieu de l'art ?

"Ne relevant ni tout à fait de l'histoire du street art, ni tout à fait de celle du graffiti", pour le spécialiste du street art et commissaire d'exposition au Palais de Tokyo Hugo Vitrani, Miss. Tic est à part : "elle représente une veine poétique de l'art de la rue, avec ses jeux de mots mis en dessins." Si sa poésie urbaine n'a pas vraiment fait école, c'est au fond plutôt du côté des Femen et des colleuses que l'on pourrait lui chercher une descendance. Une féministe d'avant MeToo ". (Libération, Miss. Tic, fin de combat pour une guérillera poétique)

Pourquoi cette femme ? Pourquoi 'ses' femmes ?

" J'ai aimé un imbécile. C'est arrivé à beaucoup de femmes. Il m'a dit qu'il ne voulait plus me voir en peinture. Maintenant, il ne me voit plus qu'en peinture ". La légende Miss Tic, Culture Prime, France télévision

" Je détourne, la plupart du temps, les femmes qui sont dans les revues féminines, dans la mode ". Je me suis servie de l'image des femmes que l'on nous donne à voir dans la publicité, dans les médias, dans les magazines féminins, qui est l'image générique de la femme "

L'homme est un loup pour l'homme et un relou pour la femme

Féministe ?

" Je n'ai pas de message. Je fais de la poésie. Et c'est aux gens d'imaginer ce qu'il veulent ".

" Je suis anarchiste, hédoniste. Je suis pleine de " iste ". En fait, je pense que je suis pire que féministe - MISS TIC - Rencontre avec une icône de l'art urbain - ART Interview

Art de rue contre galerie ?

" Je n'aime pas être enfermée dans la rue. J'aime l'intérieur, l'extérieur, l'intime, le privé, le public et je pense que les choses ne s'annulent pas entre elles... " La légende Miss Tic, Culture Prime, France télévision

Graffeuse ou poète ?

" J'ai décidé d'écrire sur les murs. Comme c'était tout nouveau, au début des années 80, c'était subversif, c'était transgressif et c'est cela qui m'a plu, intéressé. J'ai tout de suite su que je voulais m'inscrire dans la mémoire de Paris, que j'avais quelque chose à faire, là. Je ne me suis pas lassée d'écrire sur les murs. Ce qui m'a surprise, ce qui me surprend toujours, c'est que je pensais que d'autres se mettraient à écrire sur les murs. Je pensais que cela ferait sortir les poètes dans la rue. Je n'ai pas été suivie. Tout ce qui est image, c'est très riche mais les poètes sont restés dans leur club, le club des poètes. C'est dommage. Cela aurait donné un autre mouvement, plus littéraire ".

Pourquoi on existe ? Pourquoi on s'agite ? Pour moi, pour le désir. Celui de désirer toujours et encore. Comme disait Paul Éluard, le dur désir de durer.
Portrait, Thomas Granovsky

Qu'est-ce que l'art ? Qu'est-ce qu'un.e artiste ?

" Les prétendus artistes songent souvent plus à faire carrière qu'à faire œuvre ".

" Je ne théorise pas ma création (...) Laisser l'interprétation libre, c'est laisser une ouverture au sens, au monde, au sens du monde... "

" Être artiste, c'est une façon d'être au monde. C'est l'espace où je me sens la plus libre " . Rencontre avec une icône de l'art urbain - ART Interview

Le trait de caractère qui me définit le plus serait l'indépendance.
C'est un gros travail mais j'essaie d'être libre et de le rester.

Que reste-t-il ?...

" La Miss était une figure incontournable du street art français car à l'image de ses icônes, insoumises et libres. Ses blessures étaient comme une proue et un moteur qui lui permettaient d'avancer et d'enfoncer les portes. Avec son talent, ses fragilités étaient sa richesse... " Carl Huguenin, fondateur-gérant de la Librairie Artazart

" Un gros caractère. Une détermination. Une grande vivacité. Sans langue de bois, abordable. Le succès n'a pas crée de carapace. Elle était vivante, au-dessus du lot, du fait de toutes ces qualités qui lui étaient naturelles. On se retrouvait régulièrement, par l'intermédiaire d'un ami commun... Fais d'elle un beau portrait. C'était une personne remarquable... ". Sophie, une relation amicale

CAPITAINEs. est une femme de plus de 35 ans, active, intéressée et interpellée par l'actualité, la politique, l'écologie, l'être féminin, sa place dans la société, celle qui existe, celle qu'elle envisage, cette invisibilisation dont elle est victime souvent, qu'elle entend dépasser par ses propositions, ses positions. Elle entend les bruits du monde. Elle entend s'en faire l'écho, faire entendre sa voix, partager son expérience. CAPITAINEs. est une citoyenne engagée, qui garde les yeux et l'esprit ouverts. Son objectif ? Créer sa place. Prendre sa place. Toute sa place. Voir tous les articles par Dominique URBINO - Osez, CAPITAINEs !

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Voir tous les articles par Dominique URBINO - Osez, CAPITAINEs !

# data[].attributes.attachment_link.title
Mystique, Miss Tic - Inscrire une femme remarquable dans la mémoire de Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
"J'ai tendance à rêver très haut ". Miss Tic est née Radhia Novat, le 20 février 1956 à Paris. Son engagement politique s'inscrit loin des habitudes, des carcans, dans la vie et la liberté, cet effort à goûter, à tenter, à défendre, dans l'art et sa représentation des femmes..."

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sur le mur de la favela, le dessin d'une femme aux lèvres pulpeuses et aux formes généreuses attire immanquablement le regard des passants. De ses beaux yeux coulent pourtant des larmes de sang. Cette œuvre fait partie des dizaines de peintures signées Anarkia Boladona, nom d'artiste de cette brésilienne de 35 ans, militant inlassablement pour la cause féminine.
Défense et illustration du droit des femmes

Depuis plus de quinze ans, Panmela Castro arpente sans relâche les rues de Rio afin de transmettre son message. Cette militante a très tôt choisi son combat et cela par la force des choses : victime de violences au sein de sa famille, la jeune artiste n'a de cesse de se battre pour que le droit des femmes soit enfin reconnu et appliqué. Ses œuvres sont capables d'être, selon son humeur, d'une douceur acidulée ou d'une violence extrême rappellent que, chaque jour, au Brésil et partout dans le monde, des femmes sont victimes de mauvais traitements et que, parfois, elles en meurent.

Panmela Castro : enfance de l'art

Son père, selon ses propres dires, était un " ignorant et un machiste ". Ce milieu familial très conservateur s'avérait lourd et étouffant. Pour exprimer sa rébellion, l'adolescente issue des quartiers désœuvrés tague le mot " anarchie " (Anarkia) sur les murs de Rio. Son attitude d'alors, colérique et indocile, lui vaut quant à elle le surnom de " Boladona ". Son nom d'artiste était né.

Incontestablement douée pour le dessin, la jeune femme se tourne alors vers les Beaux-Arts sans pouvoir se conformer aux règles strictes imposées par ses enseignants. La rue lui laisse carte blanche et c'est sur ses murs que son talent peut librement mûrir et s'exprimer. Avec toutefois des limites : si le milieu des graffeurs se révèle plus ouvert, elle n'en demeure pas moins l'une des rares femmes à faire partie de sa bande d'artistes. Elle décide alors d'abandonner le simple tag pour se lancer dans la fresque murale, seule capable, selon elle, de véhiculer un message fort : la défense du droit des femmes.

Placer le corps féminin au cœur du paysage urbain

Ses activités ne se cantonnent pas à la peinture : Panmela Castro utilise aussi la photo et la vidéo. Ses performances ne tardent pas à la faire remarquer, d'abord à Rio puis dans tout le Brésil et enfin à l'international. Des associations et des municipalités font appel à elle. C'est ainsi que l'on peut croiser ses œuvres à Berlin, Toronto, Johannesburg, Istanbul, Lisbonne, Bogota, Prague ou Washington.

Toutes ses fresques n'ont qu'un thème : la femme. En 2012, seules deux Brésiliennes figurent dans le classement Newsweek des " 150 femmes qui font bouger le monde " : elle-même et l'ex-présidente Dilma Rousseff. Les prix internationaux qui se succèdent la confortent dans son combat. En 2011, elle fonde Rede Nami, une association promouvant les femmes artistes. En parallèle, des ateliers de sensibilisation sont créés, instruisant les femmes sur leurs droits et la manière de les revendiquer.

Un engagement sur le long terme

Car trop nombreuses sont celles qui se taisent par peur, par honte ou par absence d'interlocuteur. Ce fut longtemps le cas de Marinha da Penha. Martyrisée, rendue paraplégique suite à ses mauvais traitements, laissée pour morte par un mari ayant tenté de l'électrocuter, cette femme brisée a bataillé durant plus de 20 ans pour que les violences domestiques soient enfin prises en compte par la justice. Porte-étendard de la lutte des femmes, cette passionaria a donné son nom à la loi de 2006 qui porte son nom. Mais les mentalités n'évoluent que très lentement dans un pays qualifié de " misogyne " par l'éducatrice Viviana Santiago en charge de l'ONG Plan international. Cette dernière dénonce aussi la censure exercée par une église catholique toute puissante.

La société brésilienne devra se réformer, aidée en cela par le travail au long cours de Panmela Castro. Sur toutes ses œuvres figure, bien visible, le numéro 180, qui est celui dédié à la prise en charge des femmes maltraitées.

# data[].attributes.attachment_link.title
Panmela Castro, un street art dévoué à la cause des femmes

# data[].attributes.attachment_link.description
C'est à coup de bombes de peinture, par le biais de fresques murales, que l'artiste brésilienne Panmela Castro a choisi de consacrer son œuvre à la défense des femmes.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
L'artiste Tatyana Fazlalizadeh dénonce le harcèlement de rue en placardant des portraits de femmes dans l'espace public. Son projet "Stop telling women to smile" est à voir actuellement sur les murs de l'Usine à Genève.

Le projet "Stop telling women to smile" de Tatyana Fazlalizadeh a débuté en 2012 à Brooklyn lorsque l'artiste américaine décide de travailler sur le harcèlement de rue en se basant sur sa propre expérience et sur celles d'autres victimes.

Pour ce faire, elle utilise l'espace public pour y afficher des dessins de femmes harcelées qu'elle a rencontrées. Ces portraits sont accompagnés de phrases-chocs comme "Ma tenue n'est pas une invitation", destinées directement aux harceleurs. Une manière de renverser le rapport d'occupation de l'espace public.
En vidéo: présentation du projet "Stop telling women to smile" (en anglais)
Une table ronde à Genève

Après Mexico et Paris, l'exposition "Stop telling women to smile" ou "Arrête de dire aux femmes de sourire" fait escale à l'Usine à Genève - dans le cadre Des Créatives, le festival 100% féminin qui se déroule cette année du 10 au 26 novembre à Genève et en Suisse romande.

Une table ronde en présence de l'artiste intitulée "Harcèlement: identifier, visibiliser, résister" a lieu ce lundi 13 novembre à 18h30 au Café des Volontaires à Genève.

Geos/aq
"Stop telling women to smile", Tatyana Fazlalizadeh, L'Usine, Genève, jusqu'au 26 novembre 2017

# data[].attributes.attachment_link.title
Tatyana Fazlalizadeh dénonce le harcèlement de rue grâce au street art

# data[].attributes.attachment_link.description
L'artiste Tatyana Fazlalizadeh dénonce le harcèlement de rue en placardant des portraits de femmes dans l'espace public. Son projet "Stop telling women to smile" est à voir actuellement sur les murs de l'Usine à Genève.

# data[].attributes.attachment_link.title
Yayoi Kusama - retour sur une carrière extraordinaire - Lucydelic

# data[].attributes.attachment_link.description
Yayoi Kusama, c'est d'abord une femme qui n'a peur de rien : peinture, sculpture et écriture, l'artiste ose s'attaquer à tout, et avec brio, depuis les années 1960 jusqu'à aujourd'hui. Retour sur la carrière d'une femme à la renommée internationale. Née en 1929 au Japon dans une famille que Kusama qualifie de " toxique ", [...]

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Après un cursus scolaire brillant au lycée Fénelon de Paris, Louise décroche son baccalauréat en 1932 et démarre des études en géométrie à la Sorbonne. L'artiste confiera plus tard : " Pour exprimer des tensions familiales insupportables, il fallait que mon anxiété s'exerce sur des formes que je pouvais changer, détruire et reconstruire ".

Elle étudie par la suite les Beaux-Arts dans plusieurs académies de Paris puis à l'École du Louvre dès 1936. Le jeune Louise rencontre en 1937 Robert Goldwater, un historien d'art américain, qu'elle épouse et avec qui elle part s'installer à New York où elle vivra le restant de sa vie. Mère de trois enfants, Louise Joséphine Bourgeois meurt le 31 mai 2010 à l'âge de 98 ans.

louie bourgeois " engagée et agrippée "

À New York, Louise Bourgeois suit des cours du soir à l'Art Student League. Elle fréquente le milieu surréaliste constitué d'artistes français installés aux États-Unis. Elle côtoie ainsi des artistes tels que Marcel Duchamp, Yves Tangy, Vaclav Vytlacil et Le Corbusier.
Sa première exposition en 1945 marquera le début de sa carrière d'artiste. Bien que proche des courants artistiques de son époque, Louise Bourgeois se définit comme une femme enragée et agrippée qui ne se laisse pas " ratiboiser ".
Elle affiche ainsi une liberté dans son art qu'elle voyait comme une thérapie. Elle suivra d'ailleurs dès 1951, à la mort de son père, et pendant 30 ans, une cure psychanalyste pour surmonter le traumatisme subi dans son enfance du fait de l'infidélité conjugale de son père.

" Je suis une femme, je n'ai donc pas besoin d'être féministe ", déclarait Louise Bourgeois qui ne se réclame pas féministe. Elle apporte toutefois, dès les années 70, son soutien à plusieurs artistes et activistes féministes. Elle participe à plusieurs expositions féministes du Mouvement de libération des femmes. Le monument de Steilneset en Norvège, sa dernière grande réalisation, entre 2006 et 2010, est une commémoration des femmes exécutées durant le procès des sorcières de Vardo. Le 21 septembre 2008, l'artiste reçoit à New York la Légion d'honneur des mains du Président de la République française Nicolas Sarkozy. Plusieurs autres distinctions et hommages sont également décernés à l'artiste, aussi bien aux États-Unis qu'en Europe.

Louise Bourgeois oeuvres majeures

Au début de sa carrière, dans les années 40, Louise pratique le dessin, la peinture et la gravure.
Elle explore des thèmes centrés sur la maternité, la procréation et la famille. Une série de toiles titrées les " femmes-maisons " représentant le corps féminin portant une maison sur les épaules fut sa réalisation majeure à cette époque. Ce sont d'ailleurs ces œuvres, décrivant la femme comme le centre du foyer domestique, qui lanceront la carrière de l'artiste.

Dans les années 50, Louise abandonne la peinture pour la sculpture. Ses réalisations prennent alors des formes longitudinales sous forme de totems qu'elle dénomme " Personnages ". La mise en scène des personnages dans l'environnement lui permet alors d'affronter le mal du pays qui l'affectait à l'époque.

À partir de la fin des années 60, Louise remet en lumière les thèmes de la maternité et de l'érotisme déjà présents au début de sa carrière.

Elle réalise ainsi plusieurs œuvres dont les plus emblématiques sont :

Fillette, 1968 : une sculpture faite de plâtre et de latex sous la forme d'un pénis géant

Janus Fleuri, 1968 : une sculpture bipolaire inspirée du dieu romain et symbolisant la dualité mêlant sexe féminin, phallus, seins et épaule

Cumul I., 1969 : une œuvre sculpturale composée de bulbes émergeant d'un voile plissé

Destruction du père, 1974 : une installation représentant une scène de crime, l'assassinat sanglant d'un père dominateur par ses enfants révoltés au cours d'un repas familial

Maman, 1999 : un moulage en acier d'une araignée géante qui symbolise la mère protectrice

Cellule, 2008 : grandes cages métalliques renfermant divers objets

À la fois surréaliste et minimaliste, mêlant subtilement géométrie abstraite et réalité organique, le travail de Louise Joséphine Bourgeois échappe aux standards classiques de l'art moderne.
Durant toute sa carrière, elle a exploré des thématiques variées telles que les rapports humains, l'amour, la procréation, la famille ainsi que la sexualité qui reste très présente dans ses créations. Les souvenirs d'enfance, marqués par les tensions familiales et l'autoritarisme de son père infidèle, seront la principale source d'inspiration de Louise. Elle a dessiné, tissé, peint et sculpté. Elle a aussi travaillé sur divers matériaux tels que le bois, l'acier, le marbre, le latex, le plâtre et autres.

Louise Bourgeois l'araignée et la maternité

Nous nous intéressons tout particulièrement à la centration de Louise Bourgeois sur l'araignée, une thématique qui occupe une place importante dans son art, symbolisant la maternité, la mère protectrice. " L'araignée est une ode à ma mère. Comme les araignées, ma mère était tisserande et très intelligente. Les araignées sont des présences amicales qui dévorent les moustiques. Nous savons que les moustiques propagent les maladies et sont donc indésirables. Par conséquent, les araignées sont bénéfiques et protectrices, comme ma mère ", confie l'artiste.

" Maman " est une sculpture d'araignée femelle géante de près de dix mètres de haut en acier inoxydable. Créée en 1999 par la plasticienne américaine, cette œuvre reste l'une de ses créations phares. C'était une commande du Tate Modern à Londres pour son "Turbine Hall". D'autres répliques en bronze de " Maman " sont également exposées à Bilbao, Ottawa, Tokyo, Saint-Pétersbourg et autres. Mais les premiers dessins d'arachnide de Louise, Spider, remontent à 1947. En 1994, l'artiste réalise la première sculpture Spider d'environ un mètre de hauteur. Ce fut le début d'une série qui se poursuivra jusqu'en 1999.

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ Louise Bourgeois : une créatrice aussi décalée que son art

# data[].attributes.attachment_link.description
Carré d'artistes vous emmène à la découverte de Louise Bourgeois, l'une des plus grandes artistes plasticiennes et sculpteuses du siècle dernier.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle

ArtWizard 16.03.2020
"L'art des femmes, l'art politique - ces catégorisations perpétuent un certain type de marginalité à laquelle je résiste. Mais je me définis absolument comme une féministe." Barbara Kruger
Barbara Kruger est une artiste conceptuelle américaine influencée par le mouvement féministe de son temps. La plupart de son travail consiste en photographies en noir et blanc, superposées avec une légende déclarative. Les phrases de ses œuvres incluent souvent des pronoms tels que "vous", "votre", "je", "nous" et "ils", abordant les constructions culturelles du pouvoir, de l'identité et de la sexualité. Kruger vit et travaille à New York et Los Angeles et est professeur à la UCLA School of the Arts and Architecture.

L'artiste est né en 1945, à Newark, New Jersey. Elle a passé un an à l'Université de Syracuse en 1964 et un semestre à la Parsons School of Design de New York en 1965, où elle a étudié avec Diane Arbus et le graphiste Marvin Israel. En 1966, elle travaille dans le département de design du magazine Mademoiselle en tant que designer en chef. Pendant la décennie suivante, Kruger s'est appuyée sur la conception graphique de magazines, la conception de jaquettes de livres et la retouche d'images indépendante. À la fin des années 1960, elle a développé un intérêt pour la poésie, assistant aux lectures et à l'écriture.

Les premières œuvres de Kruger datent de 1969. De grandes tentures murales tissées en fils, perles, paillettes, plumes et rubans, elles illustrent la récupération féministe de l'artisanat pendant cette période. Parmi ses pièces les plus célèbres figurent "Je fais mes achats, donc je suis" 1987 et "Ton corps est un champ de bataille" 1985. Informé par le féminisme, le travail de Kruger critique le consumérisme et le désir, et est apparu sur des panneaux d'affichage, des affiches et dans les parcs publics, la gare, des plates-formes et d'autres espaces publics.

Barbara Kruger, Untitled (I shop therefore I am), 1987 Barbara Kruger, Untitled (Your body is a battleground), 1989
L'artiste a également travaillé sur des installations spécifiques composées de vidéo, film, audio et projection. Malgré son inclusion à la Biennale de Whitney en 1973 et ses expositions personnelles en 1974 et 1975 à Artists Space et à la Fischbach Gallery de New York, elle était insatisfaite de son présent en tant qu'artiste et de son détachement de ses préoccupations sociales et politiques croissantes. À l'automne 1976, Kruger a abandonné la création artistique et s'est installée à Berkeley, en Californie, où elle a enseigné à l'Université de Californie pendant quatre ans et s'est imprégnée des écrits de Walter Benjamin et Roland Barthes.

Plus tard, l'artiste a développé un intérêt pour la photographie et en 1977, elle a produit plusieurs séries de détails en noir et blanc d'extérieurs architecturaux associés à ses propres expressions textuelles du féminisme.

En 1979, Kruger a cessé de prendre des photos et a commencé à utiliser des images trouvées dans son art, principalement de sources médiatiques américaines du milieu du siècle, avec des mots utilisés comme collage et placés sur les images. Quelques exemples de tels collages sont le "Untitled (Perfect)" 1980, dépeignant le torse d'une femme, les mains jointes dans la prière, évoquant la Vierge Marie, et symbolisant l'incarnation de la féminité soumise. Ces premiers collages, dans lesquels Kruger a déployé des techniques qu'elle avait perfectionnées en tant que graphiste, ont inauguré les provocations et commentaires politiques, sociaux et surtout féministes de l'artiste sur la religion, la sexualité, les stéréotypes raciaux et de genre, la société de consommation et la culture.

Au début des années 1980, Kruger a perfectionné un style de propagande caractéristique, en utilisant des images photographiques en noir et blanc recadrées à grande échelle avec des barres de texte rouges. L'inclusion de pronoms personnels dans des œuvres comme " Untitled (Your Gaze Hits the Side of My Face) " ,1981, implique les téléspectateurs en confondant toute notion claire de qui parle. Ces œuvres matures rigoureusement composées fonctionnent avec succès à toutes les échelles. Leur large diffusion (sous la supervision de l'artiste), sous forme de parapluies, de sacs fourre-tout, de cartes postales, de tasses, de T-shirts, d'affiches, etc., brouille les frontières entre art et commerce et attire l'attention sur le rôle de la publicité en public débat.
Barbara Kruger, Untitled (Money can buy you love), 1985
En 1990, Barbara Kruger a scandalisé la communauté américano-japonaise de Los Angeles, avec sa proposition de peindre une partie du drapeau national américain, accompagnée de quelques questions provocantes.

Après ce projet, elle a étendu ses recherches esthétiques dans l'art, en créant des installations publiques de son travail dans des galeries, des musées, des bâtiments municipaux, des gares et des parcs, ainsi que sur des bus et des panneaux d'affichage à travers le monde. Murs, sols et plafonds qu'elle couvrait d'images et de textes, provoquant le spectateur. Depuis la fin des années 1990, Kruger a incorporé la sculpture dans son art et continue de lutter contre de la culture américaine moderne.
Barbara Kruger, Untitled (Just be yourself), 1999-2000
La sculpture "Justice", 1997, en fibre de verre peinte en blanc, représente J. Edgar Hoover et Roy Cohn (deux personnalités publiques de droite qui seraient des homosexuels) s'embrassant.
Barbara Kruger, Justice, 1997
En 1994, "L'empathie peut changer le monde" de Kruger a été installé sur un quai de gare à Strasbourg, en France. Un an plus tard, avec les architectes Henry Smith-Miller et Laurie Hawkinson et l'architecte paysagiste Nicholas Quennell, elle conçoit les lettres sculpturales de 60 m de long "Picture This" pour une scène et un amphithéâtre en plein air au North Carolina Museum d'art.

Sur un autre projet pour une pièce spécifique au site qu'elle a produite au Musée d'art paroissial en 1998, Kruger placé à travers la plage supérieure de la façade romane du musée des lettres rouges vives qui se lisent, "Vous appartenez ici".

L'une de ses installations les plus intéressantes que Kruger a réalisé dans le cadre de la Biennale de Venise en 2005. Elle a installé une peinture murale en vinyle imprimée numériquement sur toute la façade du pavillon italien, le divisant ainsi en trois parties: verte à gauche, rouge à droite, blanc entre les deux. En anglais et en italien, les mots "argent" et "pouvoir" gravissaient les colonnes du portique; le mur de gauche disait: "Faites comme si les choses se passaient comme prévu" et "Dieu est de mon côté, il m'a dit" était à droite.
Barbara Kruger, Drawing for Untitled (Facade), Venice Biennale, 2005
Plus récemment, Kruger a également utilisé des films pour faire sa déclaration artistique. Sa vidéo "Plenty" 2008, a utilisé des publicités pour faire des remarques sur le consumérisme, et un tourné en boucle sur les panneaux d'affichage du Sunset Strip, qui faisait partie de l'exposition d'art public viral du comté de Los Angeles Musée d'art "Les femmes dans la ville" 2008.

Une des installations emblématiques recennt de l'artiste a été réalisée en 2012, nommée "Croyance + Doute". Il couvrait une superficie de 6 700 m² (6 700 m²), imprimé sur des feuilles de papier peint aux couleurs de l'artiste rouge, noir et blanc. L'installation a été exposée au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington.
Barbara Kruger, Belief+Doubt, 2012

# data[].attributes.attachment_link.title
Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle | Article sur ArtWizard

# data[].attributes.attachment_link.description
Barbara Kruger est une artiste conceptuelle américaine influencée par le mouvement féministe de son temps. La plupart de son travail consiste en photographies en noir et blanc, superposées avec une légende déclarative.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En bref

Connue essentiellement pour ses monumentales Nanas, Niki de Saint Phalle (1930-2002) a laissé derrière elle une œuvre protéiforme faite de tableaux-performances, de sculptures féministes ou encore de films psychanalytiques. L'artiste, qui appartient au groupe des Nouveaux Réalistes, n'a cessé de puiser ses influences dans les réalisations d'artistes tels qu'Antoni Gaudí, Jackson Pollock ou le Facteur Cheval, avant d'inspirer à son tour toute une génération de créateurs. Autodidacte, Niki de Saint Phalle a placé sa vie et ses idées personnelles au cœur de son art, livrant une œuvre engagée et féministe.

Elle a dit

" J'ai eu la chance de rencontrer l'art parce que j'avais, sur le plan psychique, tout ce qu'il faut pour devenir terroriste. Au lieu de cela j'ai utilisé le fusil pour la bonne cause, celle de l'art. "

Sa vie

" Enfant de la Dépression ", Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle est née le 29 octobre 1930 à Neuilly-sur-Seine, un an après le départ précipité de sa famille des États-Unis. Ruiné par le krach boursier de 1929, son père dut, en effet, renoncer à la banque new-yorkaise Saint Phalle & Co. dont il était propriétaire. Renommée " Niki " par sa mère à l'âge de 4 ans, la petite fille passe les premières années de sa vie au domicile de ses grands-parents dans la Nièvre, avant de rejoindre ses parents, réinstallés aux États-Unis, à Greenwich. Là-bas, elle est élevée par une nourrice qu'elle surnomme " Nana ".

L'année de ses 11 ans, elle est violée par son père. Traumatisée par cet acte dont elle ne guérira jamais vraiment, Niki de Saint Phalle explique plus tard avoir trouvé dans l'art une sorte de thérapie qui " calmait le chaos qui agitait [son] âme et fournissait une structure organique à [sa] vie [...] ".

Elle travaille un temps comme mannequin pour Vogue et Life Magazine, puis se marie, à l'âge de 18 ans, avec l'écrivain Harry Mathews. La jeune femme, pourtant issue d'une vieille lignée d'aristocrates français, a un tempérament de révoltée : elle refuse le puritanisme religieux et se dresse contre le maccarthysme. Un an après son mariage, elle donne naissance à une fille, Laura, et déménage à Paris.

L'année 1953 marque un tournant : souffrant d'une grave dépression, Niki de Saint Phalle est hospitalisée à Nice. Peignant et dessinant beaucoup lors de son rétablissement, la jeune femme décide dès lors de se consacrer pleinement à l'art. En 1955, elle donne naissance à son second enfant, Philip, puis part à Madrid et Barcelone où elle découvre le travail de l'architecte Antoni Gaudí. L'année suivante, elle rencontre l'artiste suisse Jean Tinguely à Paris. Par son entremise, elle rejoint le groupe des Nouveaux Réalistes, fondé dans les années 1960 par Yves Klein et Pierre Restany. Leur travail, qui consiste en un " recyclage poétique du réel urbain, industriel et publicitaire ", influence celui de Niki de Saint Phalle.

Après avoir quitté son premier mari en 1960, l'artiste s'installe avec Jean Tinguely, avec qui elle partage un atelier parisien. Elle réalise l'année suivante ses premières séries de Tirs, qui scandalisent et lui apportent une reconnaissance internationale. Lors de cette peinture-performance, l'artiste vise avec une carabine des poches remplies de couleurs qui éclatent alors sur un panneau de plâtre, parfois agrémenté d'objets ou sculpté. Elle affirme alors tirer " sur la société et ses injustices ".

Engagée politiquement, féministe, Niki de Saint Phalle n'a de cesse d'intégrer des épisodes de sa propre vie au sein de ses œuvres. Expliquant avoir été élevée " pour le marché du mariage " et refusant de ressembler, un jour, à sa mère, elle commence à créer ses célèbres Nanas en papiers collés et résine dès 1964. Ces femmes monumentales sont " libérées du mariage et du masochisme ", explique la sculptrice. " Elles sont elles-mêmes, elles n'ont pas besoin de mecs, elles sont libres, elles sont joyeuses ".

En 1971, Niki de Saint Phalle épouse Jean Tinguely. Elle travaille sur des projets d'installations monumentales comme le Jardin des Tarots en Italie ou la Fontaine Stravinski à Paris. Elle réalise également des films, dont Daddy en 1972. Elle reste engagée tout au long de sa vie : lorsque le virus du SIDA se répand, elle crée d'immenses phallus colorés, comme une incitation à utiliser des préservatifs, elle dénonce également les violences faites aux Noirs aux États-Unis, ainsi que la domination patriarcale. À la mort de Jean Tinguely en 1991, elle se bat pour que son œuvre soit reconnue et participe à la réalisation du musée Tinguely de Bâle. Elle meurt en 2002 à San Diego (États-Unis), à l'âge de 71 ans.

À lire aussi : Niki de Saint Phalle à la galerie Vallois en 100 secondes chrono

Ses œuvres clés
Tir, 1961
Présenté pour la première fois au public lors de l'exposition " Feu à volonté " à la galerie J en 1961, le tableau Tir fait partie d'une longue série d'œuvres réalisées à la carabine. Niki de Saint Phalle, habituée à manipuler les armes et visant telle une tireuse d'élite, ouvre le feu sur un tableau enduit de plâtre et de divers objets, sur lesquels des poches remplies de couleurs sont disposées. Lorsqu'elles se retrouvent percées par les balles, les poches délivrent la couleur, qui dégouline alors sur le tableau tels des " drippings " de Jackson Pollock. Tirer est alors une façon pour l'artiste d'exorciser ses maux et ceux de la société, et de " tuer " symboliquement tout ce avec quoi elle était en désaccord.
My Heart belongs to Black Rosy, 1965
Révoltée par les violences faites aux Noirs, Niki de Saint Phalle a rapidement donné sa voix aux minorités raciales. L'œuvre My Heart belongs to Black Rosyest très probablement une référence à Rosa Parks, figure emblématique de la lutte contre la ségrégation raciale qui, en 1955, refusa de céder sa place à un Blanc dans un bus en Alabama. Faite de papiers collés et de résine, cette immense Nana aux larges épaules et aux vêtements bigarrés n'est pas la première à avoir la peau noire dans l'œuvre de la sculptrice, qui plaçait sur le même plan la situation des femmes et celle des populations noires américaines.
Daddy, 1972-1973
Les vidéos de Niki de Saint Phalle sont, encore aujourd'hui, peu connues du grand public. Elle crée le film expérimental Daddy en collaboration avec le réalisateur Peter Whitehead, connu pour avoir documenté la contre-culture à Londres et à New York dans les années 1960. Fondé sur sa propre relation à la figure paternelle, Daddy est une sorte de règlement de compte psychanalytique. L'artiste y exprime ses sentiments ambigus à l'égard de son père, entre violence et perversion sexuelle, haine et amour.
Jardin des Tarots, 1979-1993
Niki de Saint Phalle se consacre pendant près de 20 ans à la création du Jardin des Tarots, situé à Capalbio, en Italie. Aidée de Jean Tinguely, qui a construit les structures des différents monuments du jardin, l'artiste fonde son œuvre monumentale sur les 22 arcanes majeures du tarot. On y trouve la figure du Magicien, de la Grande Papesse ou du Pendu. L'ensemble des constructions, dont certaines sont habitables, sont recouvertes de mosaïques réalisées avec des fragments de miroirs ou de céramique. L'œuvre, inaugurée en 1998, n'est pas sans rappeler celle d'Antoni Gaudí, que Niki de Saint Phalle appréciait beaucoup.

# data[].attributes.attachment_link.description
Connue essentiellement pour ses monumentales Nanas, Niki de Saint Phalle (1930-2002) a laissé derrière elle une œuvre protéiforme faite de tableaux-performances, de sculptures féministes ou encore de films psychanalytiques.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Son drôle de prénom, elle le doit à son père, Allemand émigré en terre aztèque en 1890. Dans sa langue natale, " Friede " signifie la paix. Funeste méprise ou tragique ironie : la vie de sa fille sera tout sauf paisible. D'ailleurs, dès sa naissance, en juillet 1907, ce choix engendre une querelle, sa mère s'effrayant de ce que le nom ne figure pas au calendrier des saints. Le prêtre menace de refuser le baptême. Ce sera donc Magdalena Carmen Frieda pour le registre de l'église, mais Frida tout court pour la vie, Frida déjà rebelle à l'ordre établi, Frida qui claque comme un drapeau annonciateur de la révolution.

La ballerina au corps brisé

Elle a grandi à Coyoacán, alors banlieue un brin provinciale de Mexico, dans la " Maison bleue ", maison coloniale construite par son père. Enfant curieuse et vive, elle le seconde dans son métier de photographe, il lui prodigue toute son attention. D'autant qu'à huit ans, elle est frappée d'une attaque de poliomyélite qui lui laisse la jambe droite atrophiée. La voici désormais " pata de palo ", Frida la bancale. Une anecdote en comparaison de ce que le destin lui réserve.
Le 17 septembre 1925, elle est, avec son ami Alejandro, à bord d'un de ces autobus flambant neuf qui sillonnent Mexico à vive allure. Un tramway les percute, le bus plie, puis explose, le sol se jonche de morts. On retrouve Frida la colonne et la jambe brisées, l'épaule démise, le pied écrasé, empalée sur une barre de fer. Scène hallucinante, quasi surréaliste: la poudre d'or que transportait un ouvrier s'est répandue, voile sublime, sur son corps nu, ensanglanté... Elle entend dans une semi-conscience les passants s'écrier " la ballerina ! ", croyant voir une danseuse étendue sur la chaussée...

Peindre ce que l'on connaît le mieux : l'autoportrait

Sa vie est tout autant mutilée que son corps. La brillante étudiante doit renoncer à des études de médecine, mais pas aux rapports médicaux qui seront désormais sa littérature de chevet. De lit d'hôpital en salle d'opération, elle passera tant de temps allongée qu'elle exigera, dans ses dernières volontés, d'être incinérée assise ! Recluse, Frida lit beaucoup: Proust, Bergson, de la poésie chinoise et se découvre des compagnons nouveaux : Bosch, Bruegel, Cranach, Botticelli... Elle se forge une solide culture qui impressionnera ses interlocuteurs et nourrira ses oeuvres. Pour la distraire, sa mère fixe un miroir au baldaquin de son lit, son père lui offre une boîte de couleurs.
Elle commence à peindre. Sa famille, ses amis d'abord. Très vite, l'autoportrait s'impose : " Si je me peins, c'est que c'est le sujet que je connais le mieux ! ". Images " de l'intérieur ", d'une conscience en devenir, témoignages des métamorphoses de son être, les autoportraits de Frida sont aussi les jalons de son immense passion pour la peinture.

La colombe et l'éléphant

L'autre inextinguible flamme qui l'habite s'appelle Diego Rivera, dont elle écrit : " J'ai eu deux accidents graves dans ma vie. L'un, c'est quand un tramway m'a écrasée. L'autre, c'est Diego. " Elle l'a retrouvé lors d'une soirée chez Tina Modotti, photographe italienne, communiste comme elle. Dès le lendemain, elle sollicite son avis sur ses peintures. Il l'encourage, lui fait la cour, intègre dans une de ses fresques son portrait de militante à la chemise rouge, distribuant des armes aux ouvriers et, pour finir, ils se marient le 21 août 1929.
De 22 ans son sainé, Diego Rivera est un géant aux yeux saillants (Frida le traite affectueusement de crapaud), une sorte de colosse de foire qui porte haut et fort le verbe et joue autant de son chapeau texan que d'un revolver qui le quitte rarement, et dont il use pour tirer sur les réverbères de Mexico, et parfois sur les phonographes. Cet ogre qui prétend, avec un humour noir tout à fait personnel, adorer manger de " la cervelle de jeune fille en vinaigrette ", ce dévoreur de femmes, semble devoir ne faire qu'une bouchée de la délicate Frida, dont les sourcils, dit-il, charmé, " se rejoignaient au-dessus du nez, pareils aux ailes d'un merle. "

Vie heureuse, illuminée par le mariage dans les premiers temps : Frida et Diego partagent tout, l'idéal communiste, la confiance dans le surgissement d'un monde nouveau auquel l'art va apporter son élan, nourri d'une culture populaire longtemps réprimée. Frida commence à se vêtir du costume des femmes de Tehuantepec, vastes jupes colorées, boucles d'oreille en argent, lourds bijoux précolombiens et bagues multiples, rubans et fleurs accrochés aux peignes de sa longue chevelure. " Je m'habille pour le Paradis ", dit-elle. Bien curieux Paradis où les jupons sont brodés de dictons grivois... Ce qui est sûr, c'est que là où elle passe avec Diego, on se souvient d'elle.

Le rêve américain

En 1930, la situation de Diego au Mexique n'est plus si florissante et l'atmosphère politique y devient pesante. Une invitation étonnante arrive : la California School of Fine Arts de San Francisco et le Luncheon Club du Stock Exchange lui commandent chacun une fresque. C'est la première incursion de ce communiste convaincu chez les capitalistes suprêmes. L'accueil des Californiens est enthousiaste et très amical et inaugure pour Rivera quatre années de travail crescendo aux États-Unis. À la suite de ses deux fresques, le California Palace of the Legion of Honor organise une rétrospective de ses œuvres. Puis, en décembre 1931, c'est le MoMA de New York qui l'invite à exposer cent cinquante de ses toiles et panneaux. En février 1931, la famille Ford soutient sa candidature pour une série de peintures murales au Detroit Institute of Arts. Ce sera " L'Industrie de Detroit ", un des chefs-d'oeuvre de l'art monumental du XXe siècle. Enfin, les Rockefeller lui demandent, après que Matisse et Picasso ont décliné l'offre, une peinture murale pour le hall de réception de la Radio Corporation of America (RCA) à New York, le futur Rockefeller Center.

Partout, Rivera peint l'humanité en marche, les espoirs des hommes, le surgissement de l'industrie et la terre féconde avec la frénésie d'un Michel-Ange. Il ne voit pas d'antagonisme entre ses convictions et les rouages d'un Monde Nouveau. Son Amérique est celle de Dos Passos et des prolétaires, le terreau d'une future Révolution. Et il veut " rendre plastique le rythme somptueux qui va de l'extraction de la matière (...) à l'élaboration de l'objet fini ". Frida contemple avec ferveur cette force tellurique qui l'emporte dans ses rêves. Ses commanditaires, eux, finissent par s'effarer du message politique, jusqu'au " clap " de fin provoqué par l'apparition du portrait de Lénine au milieu de la fresque de la RCA : les Rockefeller remercient Rivera et effacent l'oeuvre.

L'art comme un ruban autour d'une bombe

Frida n'est pas fâchée, elle s'ennuie dans le " Gringolandia ", a déjà connu deux interruptions de grossesse et sait qu'elle devra renoncer à la maternité. Diego sera son seul fils, dit-elle, et son amant, et son frère, et son ami, son fiancé et sa mère. Ils divorcent pourtant en 1938, lorsqu'elle se lasse de ses infidélités. Ils se marient à nouveau, à San Francisco en décembre 1940. Un pacte d'amitié s'installe où chacun sait qu'il est la moitié de l'autre. Entre-temps, leur univers a grandi.

Les époux Rivera accueillent, en 1937, les époux Trotski en exil dans la Maison bleue de Coyoacán, parmi les bougainvilliers et les oiseaux de paradis. Le fondateur de la IVe Internationale délaisse un peu la théorie marxiste pour entamer une liaison secrète avec Frida. En cadeau de rupture, elle lui offre un splendide portrait d'elle, qu'il abandonnera en déménageant. Plus enthousiaste, André Breton, en visite lui aussi, aura cette phrase sibylline mais détonante: " L'art de Frida Kahlo est comme un ruban autour d'une bombe. " En extase, il voudrait bien la récupérer sous la bannière surréaliste. Elle refuse catégoriquement: " On pensait que j'étais surréaliste, mais ce n'était pas le cas. Je n'ai jamais peint mes rêves. J'ai peint ma réalité ". Breton, sous le charme de son insolence et de son langage très vert, lui prodigue conseils et leçons ; elle, pas dupe, estime que c'est un " fils de pute ".

La cérémonie des adieux

Cela ne l'empêche pas de partir pour Paris, dans la foulée de sa première exposition monographique qui s'est tenue à New York, un vrai succès. Le pape du surréalisme lui a promis une galerie pour elle seule, mais le séjour s'avère un désastre. Breton n'a rien prévu. Tous les intellectuels parisiens " lui donnent envie de vomir ". Surprise, Marcel Duchamp lui vient en aide : " C'est le seul de tous ces pourris qui est un vrai mec. " L'exposition de ses tableaux aura bien lieu, mais au milieu de tout un fatras rapporté par Breton de son aventure mexicaine, " rien que des merdes ". La France n'est vraiment qu'un vieux pays, dont il n'y a rien à tirer.

Les dernières années, au Mexique, seront partagées entre peinture, enseignement (ses élèves se nommeront malicieusement les " Fridos "), militantisme et maladie. En 1953, son amie Lola Alvarez Bravo organise sa première exposition personnelle à Mexico. Lors du vernissage, on porte Frida sur son lit à colonnes, au milieu de la galerie. Assise " comme une sainte dans une châsse ", idole parée de bijoux devant laquelle défile la foule de ses amis et admirateurs, elle assiste au triomphe de son oeuvre. L'écho de cette soirée dépasse les frontières du Mexique. Alpha et oméga, le début d'une reconnaissance qui ne va cesser de croître, et la fin d'une route épuisante. " Elle ne dit pratiquement rien, mais j'ai pensé plus tard qu'elle avait certainement réalisé qu'elle faisait là ses adieux à la vie ", dira Diego. Elle meurt un an plus tard, et tout ce que Mexico compte d'artistes, d'écrivains, d'hommes politiques vient veiller son catafalque brodé d'une faucille et d'un marteau. Elle avait écrit dans son Journal : " J'espère que la fin sera joyeuse - et j'espère ne jamais revenir. "

# data[].attributes.attachment_link.title
Qui était Frida Kahlo, artiste rebelle et légende mexicaine ? | Connaissance des Arts

# data[].attributes.attachment_link.description
Son drôle de prénom, elle le doit à son père, Allemand émigré en terre aztèque en 1890. Dans sa langue natale, " Friede " signifie la paix. Funeste

# data[].attributes.attachment_link.title
FaithXLVII. Oeuvres disponibles et biographie de l’artiste

# data[].attributes.attachment_link.description
Découvrez les œuvres de l’artiste d’art urbain d’origine sud-africaine Faith XLVII : peintures, dessins, sérigraphies, lithographies

# data[].attributes.headline
Pourquoi les femmes n'avaient pas le droit de peindre : 

# data[].attributes.subject
Pourquoi les femmes n'avaient pas le droit de peindre : 

# data[].attributes.body
L'histoire de l'art a été marquée par des périodes où les femmes ont été souvent exclues de la pratique artistique professionnelle, et cela peut s'expliquer par divers facteurs sociaux, culturels et institutionnels. Voici quelques raisons qui ont contribué à la limitation de l'accès des femmes au métier de peintre à certaines périodes de l'histoire :

1. Normes sociales et culturelles : Les sociétés historiques ont souvent imposé des normes de genre strictes qui définissaient les rôles et les responsabilités des hommes et des femmes. Les femmes étaient souvent reléguées aux rôles domestiques, et la carrière artistique était considérée comme inappropriée ou indécente pour elles.

2. Accès à l'éducation artistique : Les femmes ont longtemps été exclues des écoles d'art et des académies formelles. Même si certaines femmes artistes ont réussi à recevoir une éducation artistique, elles étaient souvent limitées dans le choix des sujets qu'elles pouvaient étudier ou représenter.

3. Barrières institutionnelles : Les institutions artistiques, telles que les académies, les guildes et les associations professionnelles, étaient souvent réservées aux hommes. L'adhésion à ces institutions était cruciale pour obtenir reconnaissance, commandes et visibilité dans le monde artistique.

4. Préjugés et stéréotypes : Les préjugés liés au genre ont souvent conduit à la sous-évaluation du travail des femmes artistes. Certains critiques et marchands d'art ont minimisé leurs contributions et attribué leur succès à des influences masculines.

5. Idéaux esthétiques : Certains mouvements artistiques ou écoles de pensée ont perpétué des idéaux esthétiques qui limitaient la participation des femmes. Par exemple, le classicisme du XVIIe siècle mettait l'accent sur les thèmes mythologiques ou historiques, souvent perçus comme inappropriés pour les femmes.

Il est important de noter que malgré ces obstacles, de nombreuses femmes artistes ont réussi à créer et à contribuer à l'histoire de l'art. Au fil du temps, les mouvements féministes et les changements sociaux ont contribué à remettre en question ces barrières de genre, ouvrant ainsi la voie à une plus grande égalité dans le domaine artistique.

# data[].attributes.headline
Si les personnages disney étaient motards...

# data[].attributes.subject
Si les personnages disney étaient motards...

# data[].attributes.attachment_link.description
1,513 likes, 54 comments - bessna_art on April 1, 2019: "almost done ^__^ #disneyprincess #princessjasmine #disneyfanart #aladdinfanart #dirtbikegirls #di..."

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by bes sna 😈 @dragonbike.shop (@bessna_art)

# data[].attributes.attachment_link.title
SNOW WHITE vs ELSA: Princess Rap Battle (Whitney Avalon ft. Katja Glieson) *explicit*

# data[].attributes.attachment_link.title
OPPRESSED MAJORITY (Majorité Opprimée English), by Eleonore Pourriat

# data[].attributes.headline
Liste d'artistes sur l'égalité des genres

# data[].attributes.subject
Liste d'artistes sur l'égalité des genres

# data[].attributes.body
Voici une liste d'artistes plasticiens, peintres et photographes qui ont travaillé sur des thèmes liés à l'égalité des genres, au féminisme et aux droits LGBTQ+ à travers leur art ou leur engagement :

Égalité des genres et Féminisme (vu en classe) :

-Frida Kahlo

-Nikki de Saint Phalle.

-Barbara Kruger

-Louise Bourgeois

-Yayoi Kusama

-Tatyana Fazlalizadeh

-Panmela Castro

-Faith 47

-Miss Tic

1. Frida Kahlo - L'artiste mexicaine célèbre pour ses autoportraits expressifs, Frida Kahlo a souvent exploré des thèmes liés à la féminité, à la douleur et à l'identité.

2. Judy Chicago - Une artiste américaine associée au mouvement de l'art féministe, connue notamment pour son installation emblématique "The Dinner Party".

3. Catherine Opie - Photographe contemporaine, Opie a exploré des questions de genre et d'identité, mettant en lumière la diversité de la communauté LGBTQ+.

4. Yayoi Kusama - L'artiste japonaise renommée pour ses installations artistiques a abordé des thèmes de l'identité et de la répétition dans son travail.

5. Barbara Kruger - Connue pour son utilisation audacieuse de la typographie et de l'image, Kruger a abordé des questions de pouvoir, de genre et de consommation.

Droits LGBTQ+ :

1. Robert Mapplethorpe - Le photographe américain a capturé des portraits provocateurs et esthétiques, souvent centrés sur la communauté gay.

2. Catherine Opie - En plus de ses œuvres liées au genre, Opie a également photographié des sujets LGBTQ+, contribuant à la visibilité de la communauté.

3. David Hockney - L'artiste britannique, ouvertement gay, a abordé des thèmes de l'amour et de la sexualité dans ses peintures, souvent inspirées par sa propre vie.

4. Nan Goldin - La photographe américaine a documenté la vie LGBTQ+ à travers des séries photographiques intimes, notamment "The Ballad of Sexual Dependency".

5. Keith Haring - Le célèbre artiste de street art a utilisé son art pour sensibiliser aux questions liées au sida et à la communauté LGBTQ+.

Ces artistes ont apporté des contributions significatives en explorant et en mettant en lumière des questions liées à l'égalité des genres, au féminisme et aux droits LGBTQ+ à travers leur travail artistique.

# data[].attributes.attachment_link.title
Il illustre les princesses Disney avec plus de réalisme et d’humour

# data[].attributes.attachment_link.description
L’illustrateur Andhika Muksin imagine les princesses Disney avec beaucoup plus de réalisme et d’humour. De quoi décomplexer !

# data[].attributes.attachment_link.title
Comment les princesses Disney ont évolué