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Ein sehr bunter (etwas dekorativer) Ansatz...

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Ein sehr bunter (etwas dekorativer) Ansatz...

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Laslo Antal (@laslo.antal)

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"Urheberrechtlich ist die Collage umstritten. Man kann in ihr eine unfreie Bearbeitung, bei der die Genehmigung der Werke fremder Urheber eingeholt werden muss, oder eine freie Bearbeitung sehen. Eine freie Bearbeitung liegt vor, wenn der Eindruck des Originals gegenüber demjenigen der neuen Werke „verblasst“." (Fromm/Nordemann, Urheberrecht, 9. Aufl., § 24 Rdnr. 2) ... schön: Verblassen Sie Ihre Werke! :-)

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Stephanie Abben ist Künstlerin und lehrt an der Freien Kunstakademie Mannheim, sowie an der Kunstakademie Karlsruhe. In ihrem Werk taucht immer wieder das Thema Lostplaces auf, sowohl in Collagen, als auch in ihrem malerischen Werk.

Zur Zeit stellt sie in Heidelberg aus:
andere welten
stephanie abben - michel meyer
galerie p13 heidelberg
9. oktober - 30. dezember 2020

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Christian Marclay: Telephones (1995)

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in Ergänzung dazu: Ror Wolf (http://www.wirklichkeitsfabrik.de/index.php/Collagen.html) war berühmt-berüchtigt für seine Fußball-Hörspiel-Collagen mit ähnlicher Herangehensweise...klingt etwas verstaubt und ist es wahrscheinlich auch :-) https://www.hr2.de/podcasts/hoerspiel/der-ball-ist-rund--hoerstueck-von-ror-wolf,podcast-episode-72296.html

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Ein ergänzendes Beispiel für die Herangehensweise des Künstlers an das Thema Collage sind die "Walls Papers" (1972), in denen er Fotografien von Tapeten in Abbruchhäusern als Collagematerial nutzt: https://greg.org/archive/gm-c_walls_paper_04.jpg

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Das Cover der "Museum Photographs" von Thomas Struth im Mnchner Verlag Schirmer/Mosel, Ausgabe 2005. Das Titelfoto ist eine Aufnahme aus der Alten Pinakothek Mnchen aus dem Jahr 2000 und zeigt im Grunde zwei Selbstportrts.Der Blick des Betrachters fllt auf das Selbstportrt Albrecht Drers von 1500, aber ebenso der Blick des angeschnittenen Herrn rechts, und da handelt es sich um Thomas Struth selbst, der beziehungsreich zwischen Drer und dem Betrachter steht. Struth ist ein Meister latenter Kommunikationsprozesse, die einem erst auf den zweiten und dritten Blick bewusst werden und hier fnf Jahrhunderte berbrcken.

URL dieser Website: http://www.kunstundkosmos.de/Fotografie/Struth-MuseumPhotographs.html

Fotos auf dieser Seite: Copyright 2005 Thomas Struth/courtesy Schirmer/Mosel

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bersicht Fotografie

Thomas Struth "Pictures from Paradise"/ Retrospektive 2010-2012

21-05-2005
Last update 26-01-2010

In fremden Rumen neue Fragen an alte Bilder stellen

Die Museum Photographs von Thomas Struth bei Schirmer/Mosel

Von Christel Heybrock

Mchtig wlbt die steinerne Kuppel den Innenraum. Gestufte Decken-Kassettierungen ziehen den Blick noch intensiver nach oben, als es die reine Hhe verlangen wrde. Das gewaltige Rund aus Stein liegt auf dicken Mauern, die von Nischen durchbrochen und rhythmisch in elegante Sulenpaare aufgelst sind. Im marmornen Fuboden wechseln sich farbige Kreise und Quadrate ab. Eine Touristengruppe steht, etwas ngstlich wie eine Herde, in dem riesigen Bauwerk beieinander, winzige Menschlein, die kaum wagen, den Hals zu recken. Dennoch: die Proportionen des Pantheons in Rom wren auf Thomas Struths Fotografie kaum nachzuempfinden ohne das Huflein schchterner Zwerge, von denen sich einige wenige mutig etwas entfernt haben. Die Menschen, physisch herausgefordert von diesem Innenraum, definieren ihn zugleich durch ihre Kleinheit, lockern ihn auf mit ihrer flchtigen Zufallsgegenwart und setzen den subtilen Farbornamenten auf den Mauern die farbigen Akzente ihrer Kleidung entgegen.

Und wir, als Betrachter der ganzen Szene, sehen uns ein Foto an mit Leuten, die sich den Raum ansehen. Worin besteht ihre, worin unsere Erkenntnis bei diesem Anblick?

Thomas Struth, 1954 in Geldern am Niederrhein geboren und Absolvent der Kunstakademie in Dsseldorf, wurde nicht zuletzt 2002 mit einer Wanderschau in den USA international zum Begriff. Seine Fotomotive findet er rund um den Globus vom alten Europa ber Ostasien bis nach USA: Portrts, Straen, Pflanzen, Museumsbesucher. Der Schirmer/Mosel Verlag begleitet seit Jahren seine Arbeit (mit einer reprsentativen Werkbersicht seinerzeit auch die Amerika-Ausstellung 2002). Der Themenkomplex Museum Photographs, in einer schmalen Ausgabe von 1993 erstmals bei Schirmer/Mosel dokumentiert, ist bis 2005 auf mehr als fnfzig Bilder angewachsen. Grund genug, eine groe Ausgabe herauszubringen mit 50 Farbtafeln auf schwerem Kunstdruckpapier fr Struth-Genieer und solche, die es werden wollen. Inzwischen hat der Verlag auch Publikationen zu einzelnen Museumsprojekten dieser Struth-Werkgruppe herausgebracht, so den Band "Making Time" aus dem Prado in Madrid und zum Pergamon Museum in Berlin.

Struth beobachtete Menschen bei der ffentlichen Betrachtung von Kunstwerken in Japan und Frankreich, Neapel und Chicago, in Mailand, Berlin, London und anderswo. Es sind sachlich distanzierte und gleichzeitig verschwenderisch reiche Bilder, sowohl was die Rume und die gemalten Kunstwerke betrifft, als auch was die betrachtenden Menschen angeht. Die Beobachtung von Museumspublikum begann Struth 1989 im Louvre; die jngsten Aufnahmen des Prachtbandes von 2005 stammen aus dem Pergamon Museum Berlin 2003. Das lteste Foto in dem Band jedoch ist das Portrt eines schottischen Sammlers 1987 in seiner Wohnung, und die Pergamon-Aufnahmen sind, wie der kluge Text von Claudia Seidel festhlt, mit ihren Besuchergruppierungen inszeniert im Gegensatz zu allen anderen Szenen. Aus dem ltesten und dem jngsten Foto lassen sich Spannweite und Motivation des Fotografen erahnen. Struth hat seine Themenbereiche nicht starr festgelegt, sie entwickeln sich aus seinen Erfahrungen, der Zyklus ist weder abgeschlossen noch wird ihm wohl fr die Zukunft jede Zielnderung versagt.

Menschen im Museum - hier eine Aufnahme Thomas Struths von 1990 aus dem Art Institute Chicago. Das Gemlde im Zentrum stammt von Gustave Caillebotte (1848-1894): "Rue de Paris, temps de pluie" aus dem Jahr 1877. Es ist, als schauten die Betrachter aus dem Fenster oder einer Tr auf die entgegen kommenden Passanten unter den Regenschirmen. Ein Museumsbesuch ist immer auch ein Blick aus der Behausung der eigenen Gegenwart in die Weite der Vergangenheit.

Warum berhaupt hlt ein Fotograf fr seine Betrachter fest, wie Menschen Bilder betrachten? Darauf geben zunchst die ausfhrlichen Texte von Hans Belting und Claudia Seidel eine Antwort, bis man endlich selber das Hinsehen lernt (der dritte Textbeitrag des renommierten Walter Grasskamp ist in seiner Oberflchlichkeit schlicht entbehrlich). Wenn Claudia Seidel die Aufnahmen von Thomas Struth mit den stillen, versunkenen Interieurszenen von Chardin aus dem 18. Jahrhundert vergleicht, dann tut sie mehr als recht daran, denn als knstlerisches Motiv ist der Kunstbetrachter wohl im Rokoko entdeckt worden, man denke nur an das Gersaint-Firmenschild von Watteau, und das Thema zieht sich auch durchs ganze 19. Jahrhundert. Aber heute?

Hans Belting weist auf einen Umstand hin, den man aus den groartigen Fotoreproduktionen des Bandes nicht ersehen kann: Im Buch sind die Formate von Struths Arbeiten nicht nur alle angeglichen, sondern berhaupt immer noch zu klein. Die Originale lassen sich nur angemessen in einer Ausstellung rezipieren, wo die Cibachrome-Fotos in technisch hinreienden, perfekten Riesenformaten von mehr als zwei Metern Kantenlnge glnzen und durch ein besonderes Klebeverfahren mit der Glasschicht zu verschmelzen scheinen. Die mitsamt den Menschen fotografierten Rume der Kunst wirken auf diese Weise so plastisch und suggestiv, als msse man nun selber in das Foto eintreten.

Dass auch aus dem Bildband aber Thomas Struths knstlerische Aussage noch wahrnehmbar bleibt, spricht fr die Intensitt seiner Arbeiten. Es ist ein vertracktes Spiel mit den Ebenen historischer und gegenwrtiger Wirklichkeit und mit unseren Wahrnehmungsfhigkeiten. Die gemalten Bilder, die Rume, sie beschwren eine Vergangenheit herauf, die uns unerreichbar fern ist und doch bewegend zu uns spricht. Nicht nur aus Bildungsgrnden suchen Menschen Museen auf: Sie finden in den fremden alten Figuren, die sich ihnen wie auf einer Bhne prsentieren, stets auch etwas von sich selbst. Die gemalten Menschen uern sich in einer Eindringlichkeit zu ihren Betrachtern, wie sie ein lebendes und notgedrungen banales Gegenber nur in seltenen, bedeutenden Augenblicken erreichen kann. Kunst lsst sich erfahren als verdichtetes Leben.

Nun aber sehen wir bei Thomas Struth zu, wie andere Leute den Bildern zusehen. Die Bilderbetrachter selber prsentieren sich uns wie auf einer Bhne, auch wenn sie uns meist den Rcken zukehren. Und in einer Struth-Ausstellung wrden wir frmlich hineingesaugt in die fr uns bereits vergangene Szene, in den unwiederbringlichen Augenblick der Aufnahme, ber den die Zeit nun immer weiter hinwegeilt. Wir selber bilden also die dritte Stufe jener Wirklichkeit, die vor Jahrhunderten in einem Kunstwerk festgehalten wurde und uns ber ihre Betrachter auch bereits in einem Raum bermittelt wird, in dem wir nicht anwesend sind. Wir fhlen uns zuhause am Tisch mit dem Bildband wie eine jener russischen Puppen, die immer kleiner werdend ineinander stecken.

Den Eindruck einer belebten Piazza vermittelt diese Struth-Aufnahme von 1992 aus der Galleria dell'Accademia in Venedig, aber es handelt sich um den Innenraum einer Bildergalerie. Die zwanglosen Bewegungen der Besucher im Raum scheinen sich bergangslos in die prachtvolle Arkaden-ffnung des Hintergrunds mit dem Kommen und Gehen vieler Menschen fortzusetzen - der "Hintergrund" ist mitsamt seiner Architektur ein Gemlde von Paolo Veronese (1528-1588) aus dem Jahr 1573 ("Gastmahl im Haus des Levi"). Struth hat immer wieder beobachtet, wie sich die Bilder im Museum auf Verhalten und Posen der Besucher auswirken. ber die Jahrhunderte hinweg entstehen intensive Dialoge.

Aber es sind nicht nur die Ebenen der Wirklichkeit, die sich uns da Schritt fr Schritt ffnen. Das Thema Bild im Bild ist in der Kunstgeschichte ein altes Motiv, und es war nicht allein das, was Struth faszinierte. Er wartete. Er hat nicht einfach in einer Ecke des Louvre mit der Kamera gestanden und auf den Auslser gedrckt, sondern jedes Mal geduldig gewartet, bis die Besucherscharen sich ihm in einer Weise darboten, die den gemalten Bildern entsprach. Es ist das reinste Abenteuer, diese Kongruenz von Fotografie zu Fotografie immer neu zu entdecken, sie auf immer andere Weise zu erfahren. Am eindeutigsten gelingt das vielleicht vor Gricaults Riesengemlde Das Flo der Medusa im Louvre, ein Bild, auf dem sich die elenden Sterbenden zu einer dramatischen Dreieckskomposition zuspitzen. Die Museumsbesucher auf dem Foto von Thomas Struth haben sich auf dem Boden in hnlicher Zuspitzung gruppiert solche Verhaltensweisen nehmen Bildbetrachter manchmal ganz unbewusst an. Unglaublich auch, wie die Kleidungsfarben der Betrachter eines venezianischen Altarbildes in der Londoner National Gallery den Farben auf dem Gemlde entsprechen! Und wie bewegend die fast intime Zwiesprache eines alten Herrn in Wien mit dem Portrt eines viel jngeren Mannes, den Rembrandt auf die Leinwand bannte!

Besuchergruppen im Berliner Pergamon-Museum - Thomas Struth hat die Aufnahme im Gegensatz zu den anderen "Museum Photographs" inszeniert und den Personen ihre Gruppierungen und Posen vorgeschrieben. Damit erreichte er eine lebendige und scheinbar zufllige Szenerie, die es mit dem antiken Pergamonfries auf dem Tempelbau aufnehmen kann.

Hat Struth gepfuscht, als er den Besuchern im Berliner Pergamon Museum ihre Posen und Positionen diktierte? Im Gegenteil! Er hat mit den lebenden Menschen etwas vom Geist der Antike beschworen und jene traumwandlerische Sicherheit der Proportionen und Rhythmen im Raum nachempfunden. Die Spitzenleistungen der Pergamonknstler werden durch Struths wunderbare, unaufdringliche Gruppierungen auf einmal berraschend gegenwrtig, es ist, als htte der Fotograf mit den Menschen Bilder gemalt, die es ihrerseits aufnehmen knnen mit den alten Meistern. Die klassische Ausgewogenheit der Pergamon-Arbeiten zeigt Struth endgltig auf einem knstlerischen Hhepunkt, den man sich und ihm als lange Dauer und stetige Erneuerung wnschen mchte.

Infos:

- Thomas Struth: Museum Photographs, mit Texten von Hans Belting, Walter Grasskamp und Claudia Seidel, Verlag Schirmer/Mosel, Mnchen 2005, 144 Seiten, 50 Farbtafeln, 13 Abbildungen, ISBN 3-8296-0107-7, Preis 68 Euro, www.schirmer-mosel.com Zur Zeit (Stand 2010) ist der Titel vergriffen.

- Eine hervorragend edierte Werkbersicht Thomas Struths war auch der Begleitband zu der groen USA-Ausstellung bei Schirmer/Mosel: Thomas Struth 1977 2002 , Mnchen 2002, 190 Seiten, 101 Bildtafeln, ISBN 3-8296-0045-3, Preis 78 Euro.

- Eine Fortsetzung der Werksbersicht kam 2010 durch die Wanderretrospektive "Thomas Struth - Fotografien 1978-2010" zustande (Begleitbuch bei Schirmer/Mosel, Mnchen 2010, 248 Seiten mit 330 Abbildungen, ISBN 978-3-8296-0463-5, Preis 58 Euro).

- Zur Zeit (Stand 2010) sind neun Struth-Titel des Schirmer/Mosel Verlags im Handel, sowohl Werkbersichten als auch Texte. Die Werkgruppe der "Museum Photographs" liegt speziell vor mit dem "Pergamon Museum" (32 Seiten, 64 Farbabbildungem, ISBN 9783829601429, broschiert 24,80 Euro) und dem Prado-Projekt "Making Time" 116 Seiten, 51 Farbtafeln, ISBN 9783829603003, gebunden 49,80 Euro). "Making Time" gibt es auch als Sammler-Vorzugsausgabe fr 950 Euro.

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Das Cover der "Museum Photographs" von Thomas Struth im Mnchner Verlag Schirmer/Mosel, Ausgabe 2005. Das Titelfoto ist eine Aufnahme aus der Alten Pinakothek Mnchen aus dem Jahr 2000 und zeigt im Grunde zwei Selbstportrts.Der Blick des Betrachters fllt auf das Selbstportrt Albrecht Drers von 1500, aber ebenso der Blick des angeschnittenen Herrn rechts, und da handelt es sich um Thomas Struth selbst, der beziehungsreich zwischen Drer und dem Betrachter steht.

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Louvre 4, 1989

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Mark Lammert - Arbeitsbücher (1989-2004)

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Geta Brătescu (geb. 1926) gilt als Grande Dame der konzeptuellen Kunst Rumäniens. Zu ihrem 90. Geburtstag richtet die Hamburger Kunsthalle eine umfassende Werkschau aus, die wichtige Schlüsselwerke und Werkserien aus über sechs Jahrzehnten versammelt. Es ist die erste retrospektiv angelegte Museumsausstellung der Künstlerin außerhalb ihres Heimatlandes Rumänien. Erinnerung und Geschichte, historische Ablagerungs- und organische Wachstumsprozesse, Konformität und Abweichung, Selbstbefragung und -behauptung sind Themen, die Brătescu im Laufe ihres langen künstlerischen Werdegangs immer wieder neu bearbeitet und hinterfragt hat.

Ort

Galerie der Gegenwart, 3. Obergeschoss

Nominiert für den Art KuratorenPreis

Brigitte Kölle, Kuratorin der Ausstellung "Geta Brătescu. Retrospektive"

Mehr erfahren

Das Werk der in Bukarest lebenden Künstlerin ist außerordentlich vielfältig und lässt sich nicht allein einer Stilrichtung zuordnen. Brătescu arbeitet sowohl abstrakt als auch gegenständlich, kleinteilig wie raumgreifend, und bedient sich unterschiedlicher Medien wie Zeichnung, Fotografie, Film, Stoffarbeit, Skulptur. Sie selbst versteht sich vor allem als eine Zeichnerin im Dienst der Linie und beschreibt ihre farbenfrohen Papiercollagen als ein "Zeichnen mit der Schere", ihre Stoffarbeit als ein "Zeichnen mit der Nähmaschine". Zugleich richtet sich das Interesse der Künstlerin in neuen abstrakten Werkserien, den so genannten "Cut Outs" (Scherenschnitten), auf die Relation von Linie zur Fläche und dekliniert diese in scheinbar unendlichen Reihungen und Modulationen. Fasziniert von Literatur und Philosophie widmet sie sich kenntnisreich den großen Figuren der Weltliteratur wie Medea, Dido oder Faust. Über viele Jahrzehnte war Geta Brătescu zudem für die graphische Gestaltung des Magazins Secolul 20 (heute Secolul 21) verantwortlich, dem wichtigsten kulturellen und intellektuellen Publikationsorgan Rumäniens, dem sie bis heute die Treue hält.

Mit Geta Brătescu. Retrospektive setzt die Hamburger Kunsthalle eine Reihe von Ausstellungen zu weiblichen Künstlerinnen fort, deren wenig beachtete Werkphasen oder deren Gesamtwerk dadurch eine größere Aufmerksamkeit erfahren. Dazu zählten bislang Louise Bourgeois (Frühjahr 2012), Eva Hesse und Gego (beide Winter 2013/14).

Kuratorin

Dr. Brigitte Kölle

Publikation

Die Publikation Geta Brătescu, herausgegeben von Hubertus Gaßner und Brigitte Kölle, ist zweisprachig (dt. und engl.) und im Snoeck Verlag erschienen. Für 24,80 € im Museumsshop und im Buchhandel für 29,80 € erhältlich. Es ist der erste deutschsprachige Katalog zu Geta Brătescu.

Große Geburtstagsfeier anlässlich des 90. Geburtstages der Künstlerin Geta Brãtescu mit dem rumänischen Botschafter S.E. Emil Horaþiu Hurezeanu
Foto: Tillmann Walther

Ermöglicht durch

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Geta Brătescu (geb. 1926) gilt als Grande Dame der konzeptuellen Kunst Rumäniens. Zu ihrem 90. Geburtstag richtet die Hamburger Kunsthalle eine umfassende Werkschau aus, die wichtige Schlüsselwerke und Werkserien aus über sechs Jahrzehnten versammelt. Es ist die erste retrospektiv angelegte Museumsausstellung der Künstlerin außerhalb ihres Heimatlandes Rumänien.

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Geta Bratescu | adeline morlon - art direction

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Umfangreiche Online-Avantgarde-Sammlung: Sound und Film/ Video

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Selbstportrait, Paula Wulf, 2020, Virtual Reality (tilt brush)

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Selbstportrait, Paula Wulf, 2020, Virtual Reality (tilt brush)

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Achtung: Künstlerin ist anwesend :-)

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FireShot Capture 103 - Selbstpotrait_ Paula - Poly - poly.google.com