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Jakiv Hnizdovsky (1915-1985)

Grabador, uno de los artistas de la Galicia ucraniana más famosos del siglo XX. Sus obras decoraban los apartamentos del presidente John Kennedy en la Casa Blanca. “Cada uno de sus grabados es un microcosmos único”, decían los colegas de Yakiv.

Su reconocimiento lo obtuvo en el año 1950, en una exposición de grabados en el Instituto de Arte de Minneapolis; y sobre todo cuando la galería neoyorquina de la Asociación de artistas de EEUU compró 220 grabados de Yakiv, de la serie Pinos.

En noviembre de 1975, a la exposición de Hnizdovsky acudió el hijo del imperador japonés Hirohito. La galería japonesa Yoseido compró todas sus obras. Junto a obras de artistas americanos, los trabajos del ucraniano viajaron a Latinoamerica, Japón e India. Hoy las obras de Hnizdovsky se guardan en colecciones privadas en museos como el museo de Boston, el de Filadelfia, Washington, en museos de Japón etc.

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El autor - Kiriak Kostandi
El cuadro se llamo "El paisaje".

Kiriak Kostandi nació en 1852 en Dofinovka, Herson región, Ucrania. Considera una persona importante en la cultura ucraniana. Estudió y trabajó en Odesa. Ha contactado con Ivan Ayvazovsky y con Iliya Repin. El catalogo de Kiriak Kostandi tiene mas de cincuenta cuadros. Por ejemplo "En pueblo" y el cuadro de su mujer se consideran mas interesantas en su catalogo de retratista.

Me gusta mucho este cuadro. El cuadro "El paisaje" fue creado en 1897 en Odesa, 18cm*24cm, el oleo sobre madera. Este trabajo no tiene la historia o la biografia especial. Nos podemos ver un bosque pequeño y una casa de sanatorio con el jardin. En este sanatorio fue el autor - Kiriak Kostandi. Tambien vemos el gran variedad de colores - amarillo, verde, rojo, blanco y azul. En mi opinion, este cuadro es muy interesa para vosotros.

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Paraguas lluvioso "(1883), El cuadro muestra a una niña caminando sobre un pavimento mojado. Cubriéndose con un gran paraguas negro, nos mira con tristeza , su rostro  infantil y triste con ojos atentos, serios e incluso críticos. La niña no está mal, y no está mal vestida, y sin embargo, no tiene esa compasión pizca, o la vaga sensación de culpabilidad aparece de repente dentro de nosotros. Culpa por qué? Para el orfanato de alguien?¿Quién es esta criatura y cómo el pincel de una joven artista (la niña misma) podría penetrar en este abismo de angustia universal?

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La novena ola (pintura de Aivazovsky)

Sobre lienzo muestra el mar después de una tormenta de la noche furiosamente fuerte y la gente, las víctimas de la tormenta, con ganas de sobrevivir y llegar a la tierra. Después de un naufragio tales empezar a entender lo terrible de vivir, la cantidad de problemas que puede rodear, pero ninguno se compara con la que se encuentra a la altura de su vida.

La gente está tratando de escapar con la ayuda de vigas de madera que han salido del barco. No está claro dónde está el otro: o bien ya se escapó, o murió y el mar se los llevó en una nueva vida marina, completamente desconocido. En esos momentos, especialmente, comienzas a apreciar la vida y todo en unos minutos se extiende ante tus ojos.

El artista ha querido que su obra nos muestran que hay un sentido en la lucha por la vida, que no hay problema, no nos debe llevar a un alto, y todo en la vida tiene solución si sólo la voluntad del hombre para la salvación y la solución a un problema.

Cualquier persona que está inquieto en el fondo, puede ser aconsejable para mirar a esta imagen para comprender la vanidad de este mundo y todos los problemas se retroceder en el fondo.

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Arkhip Kuindzhi pintó principalmente paisajes, que en la década de 1870 estaban en el pico de popularidad. Esto es debido al hecho de que había una ola de popularidad de los ideales del humanismo. Inspirado en los valores populares, el artista comenzó a trabajar. En primer lugar, en las pinturas que encarna los valores humanos, la riqueza no es sólo física, sino también espiritual.
La figura central del mundo idealista se convierte en - la naturaleza de la cual es constante, el cambio y crear una fuerza increíble y la belleza de los paisajes. Pero no siempre ha sido, hasta ese momento, había un gran arte para representar el paisaje gris y aburrido de la realidad rusa, sino a través de ascetas creativas, esta barrera se rompió.
Kuindzhi comenzó a crear pinturas coloridas, admirando cosas simples y ordinarias. Por ejemplo, campos inundados de luz de luna y muchos otros fenómenos naturales. Mostró alegría romántica y el medio ambiente ternura.
En la "Noche en Ucrania" pintura representa la armonía de los mundos: naturales y artificiales. Debe quedar como una casa "derramado" en el ambiente circundante, no siendo el centro de la composición, pero se mantiene la integridad. Parece que el tiempo se detuvo, dejando un momento en que la puesta de sol ha dejado su huella en el techo y paredes de las casas. Naturaleza, suavemente envuelve y deseo buena noche a su alrededor.
El cuadro está lleno de energía y altavoces en vivo, todo el mundo puede imaginar cómo vívidamente la noche en el pueblo, a pesar de que las personas que habría sido superfluo. El lienzo muestra la unidad de lo terrenal y humano. La imagen no grita sus colores, apenas se relaja suavemente en el último día de la adversidad.
Kuindzhi podría utilizar para crear una nueva técnica de pintura. Los críticos en el momento, que se cree que el brillo de pintura no más de irritación fisiológica en el ojo. Los seguidores de la artista fueron capaces de demostrar que la materia en la habilidad y el talento Kuindzhi, que fue capaz de lograr el color forzada y utilizar como referencia la nueva estética.

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Nikolay Pimonenko "La divina adivinación"
Sorprendentemente hermosa imagen de género. Dos hermosas campesinas se sentaron en un banco junto a la estufa y, con una vela en Nochebuena, comenzaron a especular. ¡Y qué hay sin eso! Entonces, en Nochebuena, esto es quizás lo más importante: ¡traicionarte con un sucheno-ryazhenogo! Después de todo, las chicas realmente querían casarse lo antes posible. Una fortuna adivinadora de diferentes maneras. Esto es lo que en el lienzo es el correcto.
Se vertió un poco de agua en la taza, se encendió una vela y se vertió cera en el agua. Se congeló allí en varias formas, y luego, con la ayuda de una vela, consideraron la sombra de esta mancha congelada y cerosa. Miraron atentamente para desentrañar el perfil de un ser querido. Eso está justo detrás del examen del artista y encontró sus heroínas. Miran atenta y alegremente a la sombra que emana de la vela: de repente ven lo que saben. Pero lo más interesante es que esa santa adivinación se hizo realidad casi un año después.
Como regla general, todas las bodas rusas se resuelven en otoño, casi inmediatamente después de la cosecha.
El trabajo se hizo menos y así fue posible divertirse. Y las bodas fueron celebradas a gran escala. Por cierto, los árboles de Navidad también se celebran a gran escala, pero, la verdad, no tan grandes.
En el invierno, no caminarás mucho, pero fueron como una continuación de la Natividad de Cristo. Es por eso que las bellezas están vestidas festivamente. Como regla general, las chicas se reunieron en una de las cabañas, sin los chicos y comenzaron a adivinar. Pero no fue largo. Inmediatamente después de la adivinación, comenzó el canto, pero también por alguna razón: alguien estaba hilando hilos, alguien estaba cosiendo algo o clasificando bayas.
Por supuesto, el samovar se derritió y comenzó la caballerosidad caballeresca. Las golosinas eran diferentes: pan de jengibre, pan o azúcar en trozos. Pero luego vinieron los muchachos, pero nada de esto pasó entre ellos, simplemente se sentaron y contaron todo tipo de historias, historias e historias.

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Агеева Зарина

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Агеева Зарина

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"Atardecer en Feodosia".Ivan Konstantinovich Aivazovsky. La pintura representa una puesta de sol sobre un pequeño puerto de una pequeña ciudad de Crimea. Varias pequeñas goletas amarrados a la orilla, pero la distancia se podían ver acercarse a los barcos de los pescadores locales. La gente se para en la orilla y agita los brazos, llamando a un pescador solitario en un bote.
El artista transmitió con precisión la atmósfera de la velada de Feodosia, el final de un día difícil. Sintiendo la simplicidad de la vida de la población local, ropa simple y agitando las manos con cordialidad. Tales imágenes hablan sobre la apertura de las personas. La ciudad se retrata como un puerto, que cada tarde vuelve, se siente la atmósfera de la casa y la comodidad.
Aivazovsky como una nave de Crimea siempre regresó a este puerto, aquí, en esta pequeña ciudad costera. El trasfondo de los eventos son las montañas majestuosas, que se elevan en la distancia. Este pequeño pueblo se perdió entre las cadenas montañosas y se ubica cómodamente en la costa del Mar Negro.
El pintor transmitió la diversidad del espectro de colores de los últimos rayos de sol que iluminan la orilla del mar. El resplandor en el agua, las sombras y el resplandor crean el efecto de la fotografía. Puesta de sol marca el final del día y la preparación para algo nuevo, a la aurora que traería el cambio y empezar de nuevo.

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Nacido el 31 de diciembre de 1953, en Taldy-Kurgan, Kazakh SSR, URSS - pintor, curador, autor de objetos y composiciones fotográficas, así como textos científicos y periodísticos.  Miembro de pleno derecho (académico) y vicepresidente de la Academia Nacional de Artes de Ucrania (desde 1996).  Artista del Pueblo de Ucrania (1998).  Candidato de Art Criticism (2005), Profesor de Pintura (2002).  En 2001 fundó y dirigió el Instituto de Problemas de Arte Contemporáneo de la Academia Nacional de Artes de Ucrania.  La esfera de los intereses creativos del artista incluye las realidades específicas de nuestros problemas de memoria temporal, el legado de los rudimentos posotalitarios, los problemas de identificación en el mundo cada vez más complejo, las perspectivas humanas en un nuevo modelo de vida de globalización.
"REFLEXION EN LO DESCONOSIDO", lienzo, óleo, 190х190, 2012

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Autorretrato
1498. Óleo sobre tabla, 52 x 41 cm.

Durero se retrata como un gentiluomo, vestido con tonos claros y con sus mejores galas.
Lleva jubón abierto blanco y negro y gorra con borla de listas en los mismos colores, camisa con una cenefa bordada en oro, y cordón de seda con cabos azules y blancos sujetando una capa parda colocada sobre el hombro derecho. El pintor cubre las manos con las que trabaja con guantes grises de cabritilla, propios de un alto estatus social, con la intención de elevarse de artesano a artista y situar la pintura entre las artes liberales, como en Italia.
Aparece en el interior de una estancia comunicada con el exterior por la ventana abierta en la pared del fondo. Durero incorpora la monumentalidad italiana en las verticales y horizontales con que ordena el marco de la ventana, presentes también en la pose que repite la forma en L de aquél en el busto, apoyado firmemente en el brazo que descansa en el antepecho.La satisfacción de su propia capacidad artística se comprueba en la inscripción del alfeizar de la ventana, escrita en alemán: 1498, lo pinté según mi figura. Tenía yo veintiséis años Albrecht Dürer.

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Partida de caza, 1775, óleo sobre lienzo, 290x226

Se representan en esta escena dos géneros de caza, a pie y a caballo, incluyendo, además, diversas modalidades de la caza menor. Formó parte del primer encargo que recibió Goya para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara en 1774-1775. La composición fue aún de invención de Francisco Bayeu, según los documentos conservados, y el tema general elegido, la caza, estaba en consonancia con el uso que los monarcas hacían del Sitio Real de El Escorial, en donde pasaban el otoño.

El tapiz resultante de este cartón formaba parte del conjunto para el comedor de los príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma), en la zona palaciega del Monasterio de El Escorial. La serie consistía en ocho tapices de asuntos de caza (seis de ellos en el Museo del Prado).

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La Anunciación

1425 - 1426. Témpera sobre tabla, 190,3 x 191,5 cm.

Aunque Guido di Piero trabajó como pintor e iluminador en Florencia con anterioridad a su ordenación como dominico hacia 1420-1422 y la adopción del nombre de Fra Giovanni de Fiesole (sólo fue llamado Fra Angelico tras su muerte), sus primeras obras documentadas se fechan entre 1423 y 1429. Dentro de este periodo se incluye la realización de esta obra, pintada para el convento de Santo Domingo en Fiésole y probablemente sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gaddi, nieto del pintor Taddeo Gaddi. Minusvalorada durante décadas por la crítica, que la tenía por versión tardía de La Anunciación de Cortona con amplia participación de taller, La Anunciación del Prado es considerada actualmente una de las primeras obras maestras de su autor, y fue realizada en un momento decisivo para el arte florentino, cuando trabajaban en la ciudad epígonos del gótico internacional como Lorenzo Monaco o Gerardo Starnina; pintores al tanto de las innovaciones nórdicas, Gentile da Fabriano; y artistasrevolucionarios como Masaccio o Brunelleschi.

Iconográficamente se trata de una obra tradicional cuya tabla central muestra el ciclo de la pérdida (Adán y Eva expulsados del Paraíso) y salvación del hombre (Anunciación de María), mientras los cinco paneles de la predella ilustran otros tantos episodios de la vida de la Virgen. Sin embargo, en la plasmación visual de estos temas Fra Angelico demostró conocer las transformaciones que estaban sucediéndose en el arte toscano. Así, la minuciosidad en la representación de flores y objetos deriva de Gentile da Fabriano, responsable también de la voluntad de unificar el espacio mediante la arquitectura; mientras el intento de profundidad espacial de la camera virginis remite a cuanto habían hecho Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. De igual modo, la estructura que cobija La Anunciación fue de las primeras en seguir la recomendación dada en 1425 por Brunelleschi para los retablos de San Lorenzo, que debían ser cuadrados y sin adornos. Todo ello no puede hacernos olvidar que estamos ante una obra temprana que, como tal, delata los titubeos de su autor, perceptibles en el deficiente manejo de la perspectiva y el escaso conocimiento de la anatomía (Texto extractado de Falomir, M.: Pintura italiana del Renacimiento. Guía, Museo del Prado, 1999, p. 32).

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El caballero de la mano en el pecho, EL GRECO

El cuadro fue pintado en 1580, formando parte de una serie. Este cuadro nos muestra un caballero contemporáneo de El Greco, un hidalgo del siglo XVI, retratado por Domenicos Theotocopoulos de una manera realista y delicada. Podemos recrearnos con la finura de su vestimenta, alzacuellos y puño y la maravilla de orfebrería de la empuñadura de su espada y el colgante de oro.
Рuedes ver aquí, el cuello y los puños se realzaban con puntillas blanquísimas y almidonadas, que contrastaban con el negro del resto del traje.
Su rostro es serio y severo, mostrándose distante y poco comunicativo. No le apreciamos gestos de complicidad o que permitan exteriorizar sus sentimientos. Serio y formal se presenta ante nosotros poniéndose la mano derecha sobre el pecho, con los dedos anular y corazón juntos, lo que produce un efecto estético de delicadeza y sensibilidad. Тiene barba y bigote y profundas entradas en la frente.Sobre su identidad no estamos seguros. El fondo neutro (grisáceo) no nos distrae de la contemplación del personaje y nos acentúa el negro de su vestimenta y el color pálido de su piel. A pesar de pintar sus rasgos físicos, El Greco nos oculta su personalidad , su mirada es profunda y abstraída. Los críticos de arte moderno coinciden en que en el lienzo Juan de Silva y Ribera, el Alcald y el Marqués de Toledo. También hay un debate sobre el significado del gesto expresivo (la mano en el cofre) y también hay un pluralismo de opiniones, desde el juramento hasta algún gesto secreto o incluso una señal condicional.

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Агеева Зарина

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Агеева Зарина

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Caza con reclamo

1775. Óleo sobre lienzo, 112 x 179 cm.

Puesto de caza con reclamo de dos pájaros enjaulados, un mochuelo y un jilguero. Completan la escena un perro agazapado y una red sobre el árbol que enmarca al grupo. Formó parte del primer encargo que recibió Goya para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara en 1774-1775. La composición fue aún de invención de Francisco Bayeu, según los documentos conservados, y el tema general elegido, la caza, estaba en consonancia con el uso que los monarcas hacían del Sitio Real de El Escorial, en donde pasaban el Otoño.
El tapiz resultante de este cartón estaba destinado a decorar una sobrepuerta en el comedor de los príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma) en la zona palaciega del Monasterio de El Escorial. La serie, de la que forma parte, estaba compuesta por ocho tapices de asuntos de caza (seis de ellos en el Museo del Prado).

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El sueño de Jacob

1639. Óleo sobre lienzo, 179 x 233 cm.

El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles.

A través de la representación de un pastor tendido a descansar en el campo describe uno de los episodios bíblicos más conocidos. La visión en primer plano del personaje sólidamente construido y los rasgos realistas de la escena sirven para hacer verídico el sueño milagroso. Ribera da aquí una de sus numerosas pruebas de su delicado sentido del color y su exquisita capacidad para la composición, al contraponer en diagonal los volúmenes del primer plano.

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El Nacimiento posee una composición agradable, e inspira una humana y profunda devoción. Pertenece al grupo de escenas narrativas de Barocci relacionadas con pasajes de la vida de Cristo.  El Nacimiento revela un habilísimo contrapunto lumínico, capaz de construir una dimensión espacial de elegante y doméstico aliento. La escena de la Natividad es un nocturno. La hora insólita se advierte con precisión por el apresuramiento y la sorpresa de los pastores. La pintura se enmarca en un estilo y una cronología donde abundan las pinturas nocturnas, como Los estigmas de san Francisco de Asís (Galleria Nazionale delle Marche, Urbino). Los dibujos, que en número muy elevado se conservan y vinculan a esta compleja composición de El Nacimiento, se atesoran en instituciones como la Ambrosiana de Milán, la Royal Library del Windsor Castle, la Galleria degli Uffizi de Florencia o el Fitzwilliam Museum de Cambridge.

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Алексей Малышев

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Алексей Малышев

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Carlos V en la Batalla de Mühlberg

El retrato conmemora la victoria de Carlos V sobre la Liga de Smalkalda en Mühlberg el 24 de abril de 1547. Carlos va pertrechado al modo de la caballería ligera, con media pica y pistola de rueda. Lleva una armadura realizada hacia 1545 por Desiderius Helmschmid (1513-1579), en cuyo peto, y como era habitual desde 1531, aparece una imagen de la Virgen con el Niño. Panofsky señaló la convergencia en esta imagen de dos nociones no excluyentes entre sí, al mostrar a Carlos como heredero de la tradición romana y encarnación del miles christianus tal como lo caracterizó Erasmo en el Enchiridion (1503).