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http://www.le-pop-art.com/qu-est-ce-que-le-pop-art.html

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Les années 50 furent une période d'optimisme. et après de la guerre, on vit un grand boom dans la consommation de ces produits.

Qu'est-ce que le Pop art ?

Le Pop art est l'un des mouvements artistiques principaux du 20e siècle. Le concept du Pop art est représenté par les artistes dans l'attitude donnée à l'oeuvre plutôt que par l'oeuvre d'art elle-même.

Concept pop art

Le Pop art est caractérisé par des thèmes et des techniques tirés de la culture de masse populaire, tels que la publicité, les bandes dessinées et les objets culturels mondains. Le Pop art est largement interprété comme une réaction aux idées dominantes de l'expressionnisme abstrait.

Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l'art.

Techniques pop art

Soulignant ainsi ironiquement les éléments banaux ou " kitsch " de n'importe quelle culture donnée. Le mouvement a été défini aussi par l'utilisation de moyens mécaniques et de techniques de reproduction par les artistes.

La plupart des oeuvres du Pop art sont considérées incongrues, car les pratiques de conception qui sont employées rendent difficile pour certains leur compréhension. Le Pop art et le minimalisme sont considérés comme les derniers mouvements artistiques modernes et, ainsi, les précurseurs de l'art post-moderne, voire même des exemples, tôt, de l'art post-moderne.

Origines du pop art

Le Pop art tire ses origines principalement de Grande-Bretagne, mais est grandement influencé par la culture américaine de ce temps. Plusieurs artistes influents du Pop art proviennent d'Amérique.

Les origines du Pop art en Amérique et en Grande-Bretagne se sont développées légèrement différemment. En Amérique, le Pop art a marqué un retour à la composition plus " hard-edged " et à l'art représentatif par les artistes employant la réalité mondaine, l'ironie et l'impersonnel pour répandre le symbolisme personnel et le relâchement de l'expressionnisme abstrait.

En revanche, l'origine du mouvement en Grande-Bretagne d'après-guerre était plus académique, avec un focus sur la figuration dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine. Ils utilisaient l'ironie et la parodie pour illustrer ce dispositif symbolisant la puissance et la manipulation qui affectaient le style de vie d'une société, tout en améliorant la prospérité de celle-ci.

Le début du Pop art en Grande-Bretagne était une question d'idées, alimentées par la culture populaire américaine vue de loin, alors que les artistes de l'Amérique étaient inspirés par les expériences de la vie, directement dans cette culture.

Influences des mouvements artistiques précédents

Cependant, le Pop art était également la suite de certains aspects de l'expressionnisme abstrait, tel qu'une croyance dans les possibilités de l'art, particulièrement pour le dessin à grande échelle. Par le fait même, le Pop art était une prolongation et un reniement du dadaïsme. Tandis que le Pop art et le dadaïsme exploraient certains sujets pareils, le Pop art a remplacé les impulsions destructives, satiriques et anarchiques du mouvement Dada par l'affirmation détaché des objets façonnés de la culture de masse.

Une partie des artistes les plus influents incluait Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, et Man Ray, notamment.

Influences du pop art

Hamilton a aidé à organiser l'exposition " Man, Machine and Motion ", de 1955, et " This is Tomorrow " avec son oeuvre historique " Just What is it that makes today's home so different, so appealing? "

Influencé par la société de consommation

Le mouvement artistique s'est établi par vagues, mais l'ensemble de ses adhérents dont Joe Trilson, Richard Smith, Peter Phillips, David Hockney et RB Kitaj ont partagé un intérêt commun pour l'expérience de consommation des temps modernes.

Le pop art et la musique

Pop art en Amérique

Bien que le pop art fut originaire de la Grande-Bretagne, ce mouvement artistique a explosé en Amérique dans les années 50.

Bien qu'originaire de la Grande-Bretagne, le pop art a véritablement explosé aux États-Unis. Ce mouvement, en rupture avec l'abstraction, dénonce la société de consommation. Retour sur un courant iconoclaste.

Reproduire la culture populaire américaine

Deux des peintres les plus importants du Pop art américain étaient Jasper Johns et, en particulier, Robert Rauschenberg. Tandis que les peintures de Rauschenberg ont des rapports évidents avec les premiers travaux de Kurt Schwitters et d'autres artistes dadaïstes, son souci était avec la société actuelle. Son approche pour unifier des matériaux éphémères et des événements typiques de la vie en Amérique a donné à son travail une qualité unique.

La naissance du pop art américain

Commençant vers la fin des années 50, le Pop art en Amérique a donné sa plus grande impulsion pendant les années 60, principalement à New York. Les Américains vivaient à cette époque dans une opulence d' objets de consommation produits en masse. À cette heure, la publicité américaine avait adopté beaucoup d'éléments de l'art moderne et fonctionnait à un niveau très sophistiqué. En conséquence, les artistes américains ont dû chercher plus profondément pour trouver des sujets dramatiques qui distanceraient l'art des objets commerciaux bien réalisés et pensés.

Les artistes de l'époque se sont alors approprié les images de la publicité, du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision sans avoir sous un premier abord avoir subit de transformation pour les présenter en tant qu'œuvre d'art. Les réactions ne se sont pas faites attendre. Les critiques étaient tout d'abord scandalisés de cette sublimation du quotidien que les artistes avaient réalisée, mais le public a très vite été conquis.

À noter également que, tandis que le mouvement artistique britannique Pop art précurrence le mouvement américain, il y a un certain artiste américain qui a utilisé l'icône populaire dans ses techniques. Pendant les années 20, les artistes américains Gerald Murphy, Charles Demuth et Stuart Davis ont créé des peintures, avant le Pop art, qui contenaient des images de la culture " pop " tels que les objets mondains cueillis des produits commerciaux.

Les artistes représentatifs

Parmi les artistes les plus connus du pop art américain on retrouve bien entendu le représentant majeur : Andy Warhol.

Il utilise, à l'aide de sérigraphies, les objets de la production de masse et les représente sous forme de séries. Il produit également plusieurs portraits des célébrités de l'époque comme Elvis Presley, Marilyn Monroe ou Jackie Kennedy et les représente comme des icônes, mais aussi comme des objets de consommation. Il est alors persuadé que tout le monde peut avoir un moment de célébrité.

Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui illustre le pop art. Il exécute des peintures des produits de consommation en utilisant les codes de la publicité, avec une touche d'humour.

On citera également d'autres artistes comme Wesselmann, qui réalise des collages d'objets sur des toiles qui donnent ainsi un aspect trompe l'œil, ou encore Jasper Johns, Jim Dine, David Hockney, ou Robert Rauschenberg.

Pop art en Angleterre

Né en Angleterre dans la Grande-Bretagne, le pop art a révolutionné le monde de l'art. Plusieurs artistes et groupes d'artistes étaient purement britanniques.

Le pop art est un courant artistique à part entière qui a révolutionné le monde l'art. Issu de la contraction de "Popular Art" faite par John McHale en 1954, le pop art, même s'il a littéralement explosé aux États-Unis, est pourtant né en Grande-Bretagne.

Un mouvement purement britannique

Le pop art est à l'origine d'un groupe d'artistes appelé " Independant Group ", en 1952. Le groupe nommé " The Independent Group " (IG), fondé à Londres en 1952, est considéré comme le précurseur au mouvement Pop art. Ils étaient un regroupement de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, auteurs et critiques qui contestaient les approches modernistes actuelles de la culture aussi bien que les points de vue traditionnels des beaux-arts.

Le groupe est composé des artistes peintres anglais Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, du couple d'architectes Alison et Peter Smithson et du critique d'art Lawrence Halloway.

Le groupe se réunit et discute de leur vision de l'art, qui est dominée par l'abstraction, de leur regard sur la technologie et la société de consommation et du monde de la publicité. Les domaines auxquels ils s'intéressent sont le design, le cinéma, la publicité, la bande dessinée et la science fiction. Ils brisent les codes de l'art de l'époque.

Première exposition

Lors de la première réunion de groupe indépendant en 1952, l'artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a présenté une conférence utilisant une série de collages intitulés " Bunk " (couchette !), qu'il avait assemblé durant son passage à Paris entre 1947-1949.

Ce matériel était composé d'objets tels que des publicités, des personnages de bande dessinée, des couvertures de magazines et divers éléments graphiques de produits de série qui, la plupart du temps, représentaient la culture populaire américaine. Une des images dans cette présentation était le collage de Paolozzi " I was a Rich Man's Plaything " (j'étais un jouet d'homme riche), qui inclut la première utilisation du mot " Pop ", celle-ci apparaissant dans un nuage de fumée émergeant d'un revolver.

Après la présentation séminale de Paolozzi en 1952, le groupe s'est concentré principalement sur le langage figuré de la culture populaire américaine, plus particulièrement sur la publicité de masse.

Autres expositions

C'est lors de l'exposition This is Tomorrow, à la Whitechapel Gallery de Londres, où Richard Hamilton présente son collage intitulé Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ?, en référence à une publicité et représentant un homme bodybuildé au milieu d'un salon moderne, que le pop art prend son essor.

Ce collage est considéré comme le manifeste du pop art. Le pop art est un mouvement proche de la société qui démocratise l'art auparavant réservé aux élites et qui allie l'humour et la dérision de la consommation de masse tout en dénonçant cette explosion de consommation à outrance de la société d'après-guerre.

Première apparition du terme pop art

L'invention du terme complet " Pop art " a été faite par John McHale pour la présentation suivante, en 1954. Le terme spécifique Pop art est apparu pour la première fois dans un article écrit par les membres Alison et Peter Smithson dans Arc, en 1956.

Cependant, le terme est souvent crédité au critique d'art/conservateur britannique Lawrence Alloway, dans un essai de 1958 intitulé Les arts et les médias. Bien que le terme qu'il emploie soit " culture de masse ", Alloway était l'un des principaux critiques à défendre la culture de masse et le Pop art comme forme d'art légitime.

Des sujets du quotidien

La particularité de ce courant est de présenter en tant qu'œuvres d'art des objets et des illustrations ordinaires de la vie quotidienne, appréciés par les masses, afin de les regarder sous un autre angle.

Les principales techniques du pop art sont la sérigraphie et le collage.

Les artistes représentatifs

Les principaux acteurs du pop art britannique sont Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi. Ils ont une vue particulièrement affutée de la société de consommation. Leurs productions se veulent éphémères, bon marché, fascinantes et astucieuses tout en étant proches de la culture populaire, permettant ainsi aux amateurs d'en identifier facilement les codes et d'en apprécier l'esthétisme.

Paolozzi est le premier à effectuer des photomontages, mais ce sera Richard Hamilton qui inclura pour la première fois le mot " pop " dans son œuvre. Il continuera son travail en y incluant des images de pin-ups et des images de voitures comme sujet d'étude, introduisant le fétichisme, élément majeur du pop art.

D'autres artistes viendront ensuite alimenter le courant britannique comme David Hockney ou Peter Blake.

Nouveau réalisme : pop art en France

Au-delà d'un simple mouvement en France, les caractéristiques du nouveau réalisme se trouvent toutes dans la définition du pop art.

Si le pop art naît d'abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n'est pas restée en arrière non plus.

Nouveau réalisme et pop art

Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s'inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l'abstraction à contre-pied.

Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n'est cependant pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante.

La genèse

Le nouveau réalisme est un groupe d'artistes rassemblés sous l'idée d' Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d'art.

L'appellation " Nouveau réalisme " naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Pierre Restany publiera le manifeste du nouveau réalisme le 16 octobre de la même année de l'exposition. Ce manifeste est signé par les artistes présents lors de l'exposition de Milan.

L'année suivante est publié un second manifeste intitulé " 40° au-dessus de Dada " et d'autres artistes rejoindront le mouvement comme Christo ou César, par exemple. Néanmoins, Klein se retirera du groupe en refusant l'influence dadaïste revendiquée par Restany.

Le groupe sera véritablement actif de 1960 à 1963, mais ne sera dissoudra qu'en 1970.

Un mouvement qui recycle le réel

Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Les matériaux utilisés sont des composants beaucoup moins raffinés que lors des courants antérieurs. Ils utilisent du béton, de la tôle, du ciment et d'autres matériaux industriels.

Le groupe veut appréhender le réel de manière nouvelle.

Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d'affiches, assemblage d'objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d'approche du nouveau réalisme sont variées.

Quelques artistes du nouveau réalisme

Parmi les nombreux artistes qui font partie du nouveau réalisme, on trouve notamment Arman qui accumule des objets ou encore ses Colères qui sont des manifestations de destructions de matériel souvent réalisées en public dont il assemblera les restes dans un tableau.

Parmi les plus connus, et bien qu'il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu'il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d'IKB.

Jean Tinguely, lui, crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu'elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Un véritable pied-de-nez aux sculptures classiques.

L'impact du pop art

Ailleurs dans le monde, le Pop art aura également une influence considérable sur plusieurs mouvements artistiques.

En France, le Pop art inspire le mouvement, beaucoup plus politisé, du Nouveau Réalisme, qui rassemble des artistes tels que Yves Klein, Arman, Gérard Deschamps, Raymond Hains.

Au Japon, le Superflat, d'inspiration surréaliste, postmoderne et Pop art, a toujours actuellement un grand impact sur la culture, en particulier sur la jeunesse. Les artistes du groupe Kaikai Kiki, inventeurs du Superflat, sont reconnus principalement pour leur production massive.

Chronologie du Pop Art

Eduardo Paolozzi inclut le mot Pop dans une œuvre.

L'artiste écossais, illustrateur et co-fondateur du Groupe Indépendant Eduardo Paolozzi est le premier à développer un nouveau style artistique dans I Was a Rich Man's Plaything (" J'étais le jouet d'un homme riche "), tableau composé d'images découpées d'une pin-up, du logo Coca-Cola, d'une tarte aux cerises et du mot Pop. Ce travail est souvent désigné comme le précurseur du mouvement Pop Art.

Paolozzi présente Bunk ! à Peter Blake et Richard Hamilton

Paolozzi présente une conférence au GI à l'Institut d'Art Contemporaine (IAC) de Londres, avec une série de collages intitulés Bunk ! Cette œuvre est composée d'objets trouvés comme les publicités, des personnages de comics, des couvertures de magazines et autres images diverses produites en nombre qui témoignent de la culture populaire américaine. Le groupe est constitué de Peter Blake, Richard Hamilton, William Turnbull et le critique d'art Lawrence Alloway.

Les critiques et les artistes commencent à utiliser le mot Pop

John McHale, également cofondateur du GI et du IAC, aurait inventé la phrase Pop Art, bien que plusieurs pensent qu'il s'agirait en fait d'une invention du critique d'art Lawrence Alloway. Les artistes du GI et les critiques utilisent le mot Pop au milieu des années 50 pour décrire le mélange de la culture populaire de masse avec les beaux-arts dans l'idée de produire une nouvelle esthétique en réponse à la commercialisation de la culture occidentale.

Peter Blake crée On The Balcony (" au balcon ")

Le tableau, qui à première vue ressemble à un collage, représente des personnages tenant des chefs d'œuvres connus. On The Balcony devient une œuvre emblématique du canon Pop Art, à présent exposée au Tate Britain.

Le collage Pop emblématique de Richard Hamilton est exposé.

Le collage d'Hamilton What is that Makes Today's Home So Different and So Appealing ? (" Qu'est-ce qui fait qu'aujourd'hui la maison semble tellement différente et attirante ? ") est présenté à la galerie d'art Whitechapel à Londres. L'esthétique Pop Art est née.

La galerie Whitechapel à Londres tient l'exposition : This is tomorrow

Une exposition qui s'inspire de la culture populaire (ex : Marilyn Monroe et publicité de film)

Hamilton définit le Pop.

" Populaire (conçue pour le grand public) ; éphémère (solution à court terme) ; consommable (aisément oublié) ; bon marché ; produit en masse ; jeune (à destination de la jeunesse) ; insolent ; sexy ; fantaisiste ; séduisant ; et qui rapporte gros. "

Ouverture de la galerie de Leo Castelli à New York

La galerie de Castelli fait la promotion d'oeuvres Pop Art

Lawrence Alloway consacre le Pop Art

La Galerie de Leo Castelli à New York tient une exposition Pop Art

Une exposition des oeuvres de Robert Rauschenberg et Jasper Johns

Le Pop Art arrive aux États-Unis.

Les artistes américains néo-dada et amants Jasper Johns et Robert Rauschenberg lancent le Pop Art américain, en utilisant l'imagerie de masse, l'iconographie, les objets trouvés et en employant des techniques telles que la gravure, la sérigraphie et le collage.

Des oeuvres qui s'inspirent de bandes dessinées, telles : Dick Tracy et Superman

Roy Lichtenstein crée ses premières œuvres Pop Art.

" Le Pop Art est l'utilisation de l'art commercial en tant que sujet en peinture. Il était difficile de trouver un tableau suffisamment ignoble pour que personne ne veuille le suspendre au mur - tout le monde suspendait n'importe quoi. La seule chose que tout le monde détestait, c'était l'art publicitaire ; et apparemment, il n'était pas suffisamment détesté non plus. ". Roy Lichtenstein.

La galerie Daniel Cordier de Paris tient une exposition de l'artiste Rauschenberg.

La BBC diffuse Pop Goes the Easel.

L'émission d'art vedette de la BBC, Monitor, diffuse Pop Goes the Easel, un documentaire magnifique sur les jeunes artistes Pop britanniques du moment, dont Sir Peter Blake et Pauline Boty.

La galerie Leo Castelli tient une exposition de Roy Lichtenstein

Les oeuvres exposées sont produites à partir de bandes dessinées

Andy Warhol fait sa première exposition solo.

La première exposition dédiée entièrement à Andy Warhol présente les maintenant très connus 32 tableaux des boîtes de soupe Campbell's, une pour chaque saveur. Le style visuel du Pop Art est maintenant établi ; des couleurs vives, souvent primaires, une imagerie emblématique tirée des médias quotidiens et de la publicité, l'utilisation de collages, de sérigraphie, de toiles de grande taille et l'utilisation de l'ironie, de la parodie et de l'insolence. Le dictionnaire Collins décrit le Pop Art comme " un mouvement dans l'art moderne qui imite les méthodes, les styles, et les thèmes de la culture populaire et des médias de masse, comme les bandes dessinées, la publicité et la science-fiction. "

Warhol présente le Diptyque Marilyn.

La première exposition solo d'Andy Warhol à New York présente le Diptyque Marilyn, quelques mois à peine après la mort de l'actrice. L'œuvre sera au centre de l'exposition Andy Warhol au Tate Liverpool.

Un symposium sur le Pop Art se tient au Musée d'Art moderne de New York.

Le symposium introduit le terme Pop Art à la communauté de l'art. Warhol et Duchamp font partie de l'audience.

Le Guggenheim présente l'exceptionnel Pop Art Show.

Organisé par Lawrence Alloway du GI, Six Painters and the Object (" Six peintres et l'objet ") marque l'apogée du Pop Art avec des œuvres par Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et même Andy Warhol.

Whaam ! de Lichtenstein est exposé.

Whaam ! est exposé à la galerie de Leo Castelli dans la ville de New York. L'œuvre incarne le style de Lichtenstein, des motifs de comics, des couleurs vives et primaires, un format large, une forme stylisée et pleine d'humour. La Tate Gallery achète le tableau en 1966 pour 3940 livres sterling et il est à présent exposé de façon permanente au Tate Modern de Londres.

Andy Warhol, inaugure le studio de création Factory à New York.

Warhol crée Silver Car Crash (Double Disaster) (" Accident de voiture argentée (double désastre) ")

Cette œuvre va devenir l'œuvre la plus chère de Warhol, vendue pour.... 105 millions de dollars.

Le magazine Life met en doute le Pop Art.

Le magazine publie un article sur Lichtenstein avec pour titre " Est-il le pire artiste aux États-Unis ? " qui provoque le doute et la remise en question des artistes du Pop Art en les faisant paraître comme des imitateurs et des profiteurs.

Rauschenberg reçoit un grand prix à la Biennale de Venise, ce qui laisse prétendre une certaine prédominance de l'art américain sur l'art européen.

Warhol amplifie son rythme de création dans the Factory.

Avec l'aide de très nombreux assistants à son studio new-yorkais, The Factory, Warhol maximise sa productivité.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette de disque du groupe Velvet Underground.

Lichtenstein abandonne le Pop Art.

Laissant derrière lui son style Pop Art emblématique, Lichtenstein travaille sur ses séries Peintures Modernes et Sculptures Modernes.

Peter Blake conçoit la jaquette de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Les Beatles lancent leur 8ème album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band avec un travail graphique par Peter Blake et son épouse Jann Haworth. Cette œuvre deviendra une pièce représentative du Pop Art britannique.

La féministe radicale Valerie Solanas tire sur Andy Warhol, ce qui changera le reste de sa vie.

The Factory renforcera étroitement sa surveillance et Warhol ne s'en remettra jamais complètement, devant porter un corset chirurgical pour le restant de ses jours. La fin du Pop Art est proche.

Musée d'art Moderne de New York tient une rétrospective de l'œuvre d'Oldenburg.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette du disque Sticky Fingers pour les Rolling Stones.

Terminologie Pop Art

Voici quelques termes et concepts que vous pourriez rencontrer en faisant des recherches sur le Pop Art.

Pop Art

Mouvement artistique réputé pour sa tendance à délaisser les notions habituelles des beaux-arts pour se concentrer sur ou parodier les médias de masse et la culture populaire. Le Pop Art peut se retrouver dans tous les arts visuels, dont la peinture, la sculpture, le dessin, le cinéma ou les installations d'art.

Artiste Pop art

Un artiste dont le travail est inspiré, ou parodie ou vient en commentaire sur la culture populaire, et dont les œuvres tendent à reproduire le style et les techniques du mouvement Pop Art. Parmi quelques exemples, on peut citer Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Richard Hamilton.

Soupe en boîte Campbell's

Plusieurs œuvres par Andy Warhol sont composées d'une nature morte, une simple boîte de soupe Campbell's. La plus célèbre de ces œuvres est Campbell's Soup I, qui représente une boîte de soupe à la tomate plus précisément.

Œuvres d'art Pop Art

Art sous n'importe quelle forme, sculpture, peinture, installation, etc., qui tombe dans le domaine du mouvement Pop Art. D'habitude, ce genre d'œuvres se concentre sur les expériences banales et l'imagerie populaire du quotidien, plutôt que sur le style classique beaux-arts.

Les œuvres mélangent ou parodient souvent la culture populaire ou les objets du quotidien que nous pouvons croiser dans la vie de tous les jours. Par exemple, les Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol représentaient des objets communs que la plupart des gens connaissaient.

Culture populaire

Les idées, habitudes, valeurs et expériences communes d'un groupe de personnes donné, généralement la culture de la plus vaste majorité. Cela contraste avec des sous-cultures qui correspondent à des portions plus petites d'une culture populaire plus large et qui peuvent être très différentes dans les valeurs et les opinions.

Le terme " culture populaire " se réfère tout particulièrement à l'imagerie commune et au symbolisme que tout le monde comprend, comme ceux des films, livres, séries télé, publicités et journaux quotidiens. Cela s'oppose à une conception plus élitiste de la culture, telle que comprise par une minorité intellectuelle.

Collages

Type de technique artistique dans les arts visuels, qui implique de placer ensemble plusieurs pièces dépareillées pour former un ensemble plus grand. Le collage sera souvent composé de pièces de travaux antérieurs - par exemple de photos de magazines ou d'images et formes créées par d'autres artistes - pour créer une nouvelle œuvre composée de tous ces éléments préexistants.

Sérigraphie

Aussi connue sous le nom d'impression à écrans, il s'agit d'une technique artistique qui implique de faire passer de l'encre à travers un tamis très fin (un écran) vers le support final, comme un vêtement. Cela fonctionne comme une sorte de pochoir, dans le sens où une partie du maillage sera bloqué et l'encre peut couler uniquement à travers les zones ouvertes, créant ainsi une image particulière sur le support.

Cette technique fut popularisée par Andy Warhol pour son utilisation artistique. C'est devenu ensuite une technique plus courante, utilisée pour l'impression de tee-shirts et encore en usage de nos jours.

Questions sur le Pop Art

Voici une Foire Aux Questions (FAQ) sur le mouvement Pop Art.

Qu'est-ce que le mouvement Pop Art ?

Le Pop Art est un mouvement culturel né dans le milieu du 20e siècle en Angleterre, d'où il s'est répandu outre-mer en quelques années vers les États-Unis. Le Pop Art se concentre sur la culture populaire plutôt que les beaux-arts plus élitistes et honore les expériences paraissant banales du quotidien, en s'appropriant des commentaires sur les médias de masse, les comics et autres supports communs.

Quelle fut l'œuvre d'art si controversée qu'elle fut enlevée de son emplacement initial ?

Tilted Arc, par Richard Serra, fut d'abord commandé pour être placé en face d'un bâtiment officiel, mais fut finalement enlevé après une controverse due à des raisons pratiques - la sculpture gênait la vue et le passage - aussi bien qu'esthétiques - elle était vue comme une horreur, car pour l'essentiel composée d'une pièce de métal courbée coupant le passage en deux. Elle fut retirée en 1989.

Quand s'est terminé le mouvement Pop Art ?

Bien qu'habituellement associé avec les artistes les plus célèbres des années 50 et 60, le mouvement Pop Art est toujours en vogue et les artistes pop sont encore présents au 21ème siècle.

Qui est le plus célèbre artiste Pop ?

Andy Warhol est probablement l'artiste pop le plus connu et son travail, comme sa fameuse représentation des boîtes de soupe Campbell's, est immédiatement reconnaissable par la plupart des Américains de nos jours.

Qui a créé le Pop Art ?

Comme la plupart des mouvements artistiques, le mouvement Pop Art a commencé avec quelques vagues fondateurs. Le Groupe Indépendant, un collectif d'artistes en Angleterre au début des années 1950 est souvent crédité comme l'influence fondatrice du Pop Art moderne.

Qui sont les artistes connus du Pop Art ?

Quelques-uns des artistes pop les plus connus sont Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton et James Rosenquist, bien qu'il y en ait bien plus puisque le mouvement est large et dure depuis plusieurs dizaines d'années.

Qui est Andy Warhol ?

Andy Warhol est l'un des artistes pop les plus connus et influents. Né aux États unis d'immigrants d'Europe de l'Est, il créa plusieurs œuvres de Pop Art célèbres qui sont encore reconnues de nos jours. Il fut prolifique et donna naissance à de nombreuses peintures, sculptures, films et installations. Il est mort en 1987.

Qui est Roy Lichtenstein ?

Roy Lichtenstein est un artiste pop américain dont le style fut grandement influencé par les comics populaires à son époque. Il est considéré comme l'un des artistes pop originels majeurs des années 50. Il est mort en 1997.

Qui est Richard Hamilton ?

Richard Hamilton est un artiste pop anglais, connu pour être un fondateur majeur du mouvement. Quelques-unes de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples du Pop Art. Il est mort en 2011.

Quelle est la plus célèbre peinture d'Andy Warhol ?

Le plus célèbre tableau d'Andy Warhol est probablement son interprétation d'une banale boîte de soupe à la tomate, appelée Campbell's Soup I.

Qu'est-ce que le Groupe Indépendant ?

Le Groupe Indépendant était une organisation de plusieurs peintres, sculpteurs et autres artistes en Angleterre, qui furent les fondateurs des premiers développements du mouvement Pop Art.

Citations Pop art

Voici quelques unes des citations tirées des plus grands artistes du mouvement artistique du Pop art dont Roy Lichtenstein, Andy Warhol et son ami Jean Michel Basquiat.

Citations de Andy Warhol

Citations de Jean Michel Basquiat

Citations de Roy Lichtenstein

Oeuvres pop art

Galerie d'art dédiée spécialement au pop art et à l'originalité des oeuvres d'art produites par ses artistes. Entrez dans l'univers pop art grâce à ce tour guidé en photos.

Artistes célèbres du pop art

Roy Lichtenstein

Le peintre américain Roy Lichtenstein a produit plusieurs oeuvres Pop art, ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée.

Roy Fox Lichtenstein (27 octobre 1923 au 29 septembre 1997) était un artiste américain du Pop art ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée. Il a décrit lui-même le Pop art comme " n'étant pas une peinture américaine, mais une peinture industrielle ".

Richard Hamilton

L'artiste Richard Hamilton, originaire de Londres, a produit plusieurs oeuvres d'art appartenant au mouvement artistique Pop art. Certaines sont même considérées comme les premières oeuvres du Pop art.

Richard Hamilton (né en février 1922) est un artiste anglais du mouvement artistique Pop art.

Andy Warhol

Andy Warhol est une figure centrale du Pop art. L'artiste a produit des oeuvres qui ont marqué l'histoire de l'art (Marilyn Monroe, Campbell's Soup, etc.) et sa biographie ne laisse personne indifférent.

Andrew Warhola (6 août 1928 au 22 février 1987), connu sous le nom d'Andy Warhol, était un artiste américain et une figure centrale dans le mouvement artistique du Pop art. Après une carrière réussie en tant qu'illustrateur commercial, Warhol est devenu célèbre dans le monde entier pour son travail en tant que peintre, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique et auteur.

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Pop art | Tout sur le mouvement artistique international

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Après le Grand Palais à Paris en 2015, la Cinémathèque de Bologne en 2016, le musée des Confluences à Lyon en 2017, le Palais Lumière d'Evian accueille l'exposition Lumière, le cinéma inventé.

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accueil homepage institut lumière actualités les plus lus evènement
festival lumière

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Après le Grand Palais à Paris en 2015, la Cinémathèque de Bologne en 2016, le musée des Confluences à Lyon en 2017, le Palais Lumière d'Evian accueille l'exposition Lumière, le cinéma inventé.

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La Cinémathèque française est fermée tous les mardis.

Histoires orales

Racontés par ceux qui les ont vécus, cinéastes, comédiennes, producteurs, costumières, chef op'... : des tournages chaotiques, houleux, ou encore joyeux, et tous mémorables.

La cinémathèque française

51 Rue de Bercy, 75012 Paris

M° Bercy Lignes 14 6

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La Cinémathèque française est fermée tous les mardis. Racontés par ceux qui les ont vécus, cinéastes, comédiennes, producteurs, costumières, chef op'... : des tournages chaotiques, houleux, ou encore joyeux, et tous mémorables. 51 Rue de Bercy, 75012 Paris M° Bercy Lignes 14 6

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Le site des mauvais films sympathiques

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Nanarland le site des mauvais films sympathiques

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Nanarland, le premier site web entierement dedié au nanars, ces films tellement nuls qu'ils en deviennent hilarants.Decouvrez les chroniques de films, les biographies des acteurs nanars, les extraits, les interviews et encore pleins d'autres suprises

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Institution consacrée au 7ème art sous toutes ses formes. Vous trouverez des conférences thématiques sur divers sujets autour du cinéma.

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Grâce à un espace de 6000 m² pleinement dédié aux amoureux du cinéma, une programmation variée, des débats, des rencontres avec des réalisateurs, des ateliers, etc, le Forum des images est un lieu incontournable de la cinéphilie en plein cœur de Paris.

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Glossaire de la bande dessinée.

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la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image

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Les termes ci-dessous répertoriés sont pour la plupart issus de La bande dessinée : son histoire et ses maîtres, le catalogue du musée de la bande dessinée (coédition Skira-Flammarion/Cité internationale de la bande dessinée et de l'image, 2009).
Le lecteur se reportera également à notre Dictionnaire esthétique et thématique de la bande dessinée en ligne (et gratuit) pour plus d'informations.
Pour connaître la terminologie anglaise, allemande, espagnole et italienne de la bande dessinée, on se reportera à notre Lexique international.

g l o s s a i r e

ballon : voir " bulle ".

bande complémentaire : voir " top ".

bande muette : désigne les histoires en images sans paroles, généralement courtes, qui sont apparues au XIXème siècle. Fondées sur la pantomime, elles supposent une grande maîtrise de la narration graphique.

bande quotidienne : voir " comic strip ".

bédéphile : lecteur passionné de bande dessinée.

bulle : dit aussi ballon ou phylactère. Il désigne l'espace, généralement cerné d'un trait, qui entoure le texte exprimé ou pensé par les personnages de bande dessinée.

cartoon : terme anglais dérivé du français qui désigne tout à la fois le dessin d'humour, le dessin animé (animated cartoon) et la bande dessinée (on parle alors de cartoon strip). Les auteurs sont des cartoonists.

case ou vignette : image généralement cernée d'un trait et faisant partie d'une planche de bande dessinée. La case constitue l'unité de base dans la séquence narrative qu'est la page. Séparée des vignettes qui l'entourent, la case est interdépendante des cases voisines, et ne prend sens que dans la lecture de la page complète.

comic book : aux États-Unis, le comic book est un fascicule de format 17 x 26 cm, comprenant en principe 32 pages. Paraissant à périodicité régulière, il propose des histoires complètes ou à suivre, et se spécialise souvent dans un genre (science-fiction, superhéros, aventure, humour...).

comic strip : aux États-Unis, bandes dessinées paraissant dans la presse quotidienne. En semaine, elles se composent d'une seule bande, en noir et blanc (daily strip), tandis qu'elles bénéficient le dimanche d'un espace plus important, en couleur (sunday page). On distingue en outre les strips racontant des histoires à suivre (continuity strip) et ceux proposant chaque jour un gag indépendant (stop comic ou gag-a-day strip).

comics : terme employé dans les pays anglo-saxons pour désigner les bandes dessinées en général. Apparu vers 1900, il renvoie à la dimension principalement comique des premières bandes dessinées. On employait auparavant le terme " funnies ", d'une signification voisine.

comix : à partir de la fin des années 60, comix désigne les comic books du courant underground américain. L'adoption de l'orthographe légèrement différente affirme l'appartenance de ce courant de création à la contre-culture, qui se démarque de la production commerciale.

crayonné : état de la planche avant encrage. Le dessinateur exécute d'abord ses dessins au crayon, les précisant et les corrigeant jusqu'à ce qu'il en soit satisfait. Il les repasse ensuite à l'encre de Chine.

daily strip : voir " comic strip ".

découpage : distribution du scénario dans une suite de cases qui forment une séquence narrative. Le découpage détermine le contenu de chaque image.

didascalie : voir " récitatif ".

emanata : signes symboliques (traits de vitesse, gouttelettes de sueur, spirale d'étourdissement ou de folie, etc.) "émanant" d'un personnage pour manifester une émotion ou un mouvement.

encrage : étape qui consiste à passer le crayonné à l'encre ou au stylo ou feutre. Précède la mise en couleur.

fanzine : contraction de " fan " et de " magazine ", un fanzine est un périodique indépendant, créé et réalisé le plus souvent bénévolement par des amateurs, en dehors des circuits commerciaux classiques.

funnies : voir " comics ".

gekiga : style de manga* réaliste apparu à la fin des années 1960.

illustré : abréviation de journal illustré (sous entendu : pour la jeunesse). Terme longtemps appliqué en France, faute d'un meilleur, aux magazines de bande dessinée.

lettrage : forme des lettres composant le texte placé dans les bulles ou les récitatifs. Action de tracer ces lettres, à la plume ou au rotring.

ligne claire : désigne, au sens le plus restrictif, le style d'Hergé, et, dans son acception la plus large, une mouvance d'auteurs animés par un même souci d'épure et de lisibilité.

manga : terme désignant la bande dessinée au Japon. Le sens initial du mot, qui aurait été créé par le dessinateur Hokusaï au début du XIXe siècle, est " =dessin au trait libre ", ou " esquisse au gré de la fantaisie ".

mangaka : auteur de manga*.

manhua : bande dessinée chinoise.

manhwa : bande dessinée coréenne.

mecha : contraction de " mechanical ", manga* de robots de combat.

mise en page : organisation des cases dans la planche. Définit la forme, la superficie et l'emplacement de chacun des cadres.

onomatopée : assemblage de lettres imitant un bruit, un son.

Oubapo : Ouvroir de Bande dessinée Potentielle. Rassemble une communauté d'auteurs et de théoriciens qui ont à cœur d'explorer les potentialités de la bande dessinée dans un esprit ludique.

page du dimanche : voir " sunday page ".

phylactère : voir " bulle ".

petits formats : apparus en France à la fin des années 40, ce sont des publications périodiques bon marché au format de poche. Les petits formats ont connu leur heure de gloire dans les années 50 et 60. Il a existé des petits formats pour adultes, publiant du matériel érotique.

prozine : fanzine* réalisé par des professionnels, hors du cadre de la distribution commerciale classique.

récitatif : espace encadré accueillant un commentaire sur l'action ou une intervention du narrateur. Ce texte même.

récits complets : de la fin des années 40 à la fin des années 50, des maisons d'éditions spécialisées ont publié des récits complets, fascicules bon marché d'une vingtaine de pages au format à l'italienne comprenant des histoires complètes.

roman graphique : traduction littérale de l'appellation graphic novel, cette catégorie de bande dessinée évoque une œuvre en un seul volume et de pagination variable (en opposition aux séries dans leur traditionnelle présentation)

seinen manga : manga* pour jeune adulte.

shôjo manga : manga* pour jeune fille.

shônen manga : manga* pour jeune garçon.

strip : voir " comic strip ".

sunday page ou page du dimanche : planche d'une série publiée dans l'édition du week end des quotidiens américains. Elle se distingue du daily strip, avec lequel elle peut être ou non en continuité, par son format plus grand et le recours fréquent à la couleur.

syndicate : aux États-Unis, désigne les agences de presse qui revendent le matériel éditorial, et notamment la bande dessinée, aux journaux du territoire américain.

top : dans les journaux américains le top ou bande complémentaire désigne la bande placée au-dessus - mais aussi en dessous - de la série principale. Réalisée par le même dessinateur, elle peut ou non entretenir des rapports avec la bande principale.

vignette : voir " case ".

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Les termes ci-dessous répertoriés sont pour la plupart issus de La bande dessinée : son histoire et ses maîtres, le catalogue du musée de la bande dessinée (coédition Skira-Flammarion/Cité internationale de la bande dessinée et de l'image, 2009). Le lecteur se reportera également à notre Dictionnaire esthétique et thématique de la bande dessinée en ligne (et gratuit) pour plus d'informations.

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Glossaire du vocabulaire cinématographique.

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Vous trouverez dans ce lexique du cinéma quelques définitions de termes cinématographiques clés liés à la réalisation de films, au métier de réalisateur et au cinéma en général. Ce sont des éléments que vous devez connaître si vous avez pour ambition de devenir réalisateur. Pour certains termes, un lien situé sous la définition vous permettra de vous rendre sur une page détaillée sur ce sujet.

Amorce
L'amorce est un terme principalement utilisé lors de l'utilisation de champ/contrechamp. Si un objet ou personnage de dos est près de la caméra (si l'on voit l'épaule par exemple), on dit alors qu'il est en amorce. Dans cette situation, l'objet ou personnage, situé au premier plan, masque généralement une partie de l'action, ou du personnage qui lui fait face.

Angle de prise de vue
L'angle de prise de vue détermine le champ visuel, ce qui sera à l'intérieur du cadre. Il dépend de la position de la caméra mais aussi de la distance focale utilisée. L'angle de vue est considéré comme normal lorsque la caméra est située à hauteur du sujet filmé. Au dessus, on parlera de plongée. Au dessous, on parlera de contre plongée.

Bout à bout
Le bout à bout correspond à un premier montage sans retouches ou raccords des différentes séquences du film, dans l'ordre prévu dans le scénario.

Bruitage
Le bruitage est une opération effectuée en post-production qui consiste en la création de sons qui seront ajoutés aux images qui composent le film.

Champ
Le champ correspond à tout ce qui entre dans le cadre lors de l'enregistrement, tout ce qui sera visible à l'écran. On parle de hors champ pour tout ce qui se déroule hors du cadre, ce qui n'est pas montré. Le champ est déterminé par le réalisateur en fonction de l'angle de prise de vue de la caméra.

Clap
Le clap est une ardoise dont la partie supérieure amovible est claquée sur la partie inférieure pour indiquer le début de l'enregistrement aux différents intervenants sur un tournage. Il permet également la synchronisation du son et de l'image. Sur l'ardoise, on indique généralement le nom ou numéro du plan ainsi que le numéro de la prise.

Continuité dialoguée
La continuité dialoguée est une version du scénario comprenant l'ensemble des scènes et des dialogues du film. C'est ce qu'on appelle plus communément le scénario.

Contraste
Le contraste est le rapport entre les parties les plus claires et les plus sombres de l'image.

Contre-champ
Le contre-champ consiste en une prise de vue effectuée dans la direction opposée à celle du plan précédent. Il révèle le point de vue de champ précédent.

Contre-plongée
La contre plongée consiste en une prise effectuée avec un angle au-dessous de l'objet ou du personnage présent dans le plan. La caméra " regarde " de bas en haut. L'effet visuel obtenu peut être une déformation ou un sentiment de puissance, de supériorité du personnage ou objet en question.

Coupe
Une coupe est un changement de plan. Elle marque une rupture dans la continuité du film.

Court-métrage
Film dont la durée est inférieure à 57 minutes.

Décor naturel
On parle de décors naturels, en opposition aux décors artificiels construits en studio, pour les extérieurs mais aussi pour tous les bâtiments réels.

Découpage technique
Le découpage technique est la dernière étape du scénario, conçue après la continuité dialoguée. Elle est du ressort du réalisateur, qu'il soit l'auteur du script ou non. Il s'agit d'une description, pour chaque séquence, des différents plans à tourner. Le numéro des plans, la position et les mouvements de caméra, les dialogues, les musiques et les bruits y sont indiqués.

Dépassement
Sur un tournage de film, il est plus commun de prendre du retard que de l'avance. Lorsque cela arrive, l'ensemble ou une partie de l'équipe peut être obligée de faire des heures supplémentaires. On parle alors de dépassement, que ce soit en terme de planning et aussi, fort logiquement, de budget.

Dépouillement
Le dépouillement, préparé avant le tournage, consiste à noter toutes les informations et les détails de chaque scène du film : personnages et acteurs concernés, figurants, décors, accessoires, costumes, matériel...)

Effets spéciaux
Manipulations techniques et trucages divers permettant de modifier l'image pour créer un effet fantastique, spectaculaire, ou même réaliste. La plupart des effets spéciaux sont réalisés en studio.

Équipe technique
L'équipe technique correspond à l'ensemble des intervenants contribuant à la fabrication du film. Ce terme regroupe l'équipe de tournage (réalisateur, scripte, chef opérateur, accessoiriste...) mais aussi les membres de la production (directeur de production, régisseur...) et les techniciens concernés par la post-production (monteur, mixeur...)

Étalonnage
Opération de post-production dont l'objectif est d'harmoniser la luminosité et les couleurs sur l'ensemble du film.

Figurant
Un figurant est une personne apparaissant dans une scène de film sans aucun dialogue à dire. Il peut s''agir de passagers d'un bus ou encore de cyclistes qui traversant le cadre lors d'une scène se déroulant en pleine rue.

Flash-back
Un flash-back est un plan ou une séquence interrompant le déroulement de la narration pour retracer des évènements chronologiques antérieurs à l'action en cours, comme les souvenirs d'un personnage.

Flash-forward
Un flash-forward est un plan ou une séquence interrompant le déroulement de la narration pour retracer des évènements chronologiques postérieurs à l'action en cours, c'est un bond dans le futur.

Focale
La focale est la distance entre la lentille et le centre optique de l'objectif. C'est de cette distance que dépendra la largeur de l'angle de prise de vue, et donc la taille des objets à l'écran.

Fondu
Le fondu est un enchainement d'une image à une autre. Généralement utilisé pour marquer la fin (fermeture) et le début (ouverture) d'une nouvelle séquence. Le fondu peut être " enchainé " (les deux images sont en surimpression pendant un court laps de temps) ou encore " au noir " (l'image s'obscurcit progressivement jusqu'à devenir totalement noire. La nouvelle image apparaît alors).

Gaffer
Le gaffer est un rouleau de tissu adhésif de grande taille et robuste dont quasiment tous les techniciens se servent au cinéma : régie, metteur en scène, comédiens, accessoiristes, déco... Ce ruban est particulièrement résistant mais aussi facile à couper à la main. Les techniciens s'en servent pour fixer des objets, réparer divers objets, marquer des repères au sol de manière temporaire (et sans laisser de trace).

A l'origine, Gaffer, en anglais, correspond au poste de chef éclairagiste. Le terme a été repris dans un autre contexte en France car le ruban adhésif était très utilisé par ces techniciens, pour fixer les éclairages, avant de l'être par les autres membres de l'équipe technique.

Générique
Le générique, placé au début et/ou à la fin du film, indique, sous forme de liste, l'ensemble des producteurs, techniciens et acteurs qui ont collaboré à la conception du film. On y retrouve aussi généralement les titres musicaux présents dans le film ainsi qu'une liste de remerciements à tous les partenaires du film.

Girafe
La girafe est une perche au bout de laquelle est fixé le micro pour enregistrer le son durant la prise de vue. A la différence de la perche traditionnelle, celle-ci repose sur un support à roues.

Grue
La grue (aussi appelée Louma) est un appareil permettant l'enregistrement de prises de vue depuis une certaine hauteur, tout en maintenant la mobilité de la caméra qui peut effectuer des mouvements complexes.

Hors champ
Le hors champ correspond à tous les éléments de décor et tous les personnages qui sont situé hors du champ de la caméra, qui ne sont pas visibles à l'écran.

Jump Cut
Le Jump Cut (ou plan sur plan en français), est un terme technique de montage qui désigne la mise bout à bout de deux plans dont les cadrages sont similaires. Aujourd'hui, il est devenu une figure de style utilisée de temps à autres par certains metteurs en scène, mais pendant des années, cela a été considérée comme une faute de raccord, en désaccord avec les règles de l' échelle des plans.

Master
Le master, ou " master shot " dans les pays anglophones, consiste à film une séquence dans son intégralité, et en plan large, afin de voir apparaître l'ensemble des personnages. Le master est très souvent le premier plan tourné d'une scène et sera généralement suivi par l'enregistrement des champs et contrechamps et autres plans plus serrés qui seront ensuite utilisés au montage, ou l'on pourra aisément faire varier les angles de prise de vue sans fautes de raccord.

Mixage
Le mixage est la phase ultime de sonorisation du film. Elle intervient après la phase de montage. Il s'agit d'un mélange et dosage des bandes " paroles ", " musique ", et " bruits " effectué en auditorium afin de réaliser la bande son définitive du film.

Montage
Le montage est l'étape principale de la post-production. Elle consiste à choisir parmi les différents plans obtenus lors des prises de vue, à les assembler et les raccorder dans l'ordre déterminé préalablement par le découpage.

Nuit américaine
Système de prises de vues permettant, en utilisant des filtres, à tourner une scène de nuit en plein jour.

Perche
Long support en forme de bâton au bout duquel est fixé le micro. La perche, tenue par un perchman, est placée au dessus des acteurs, pour obtenir le meilleur son possible, sans entrer dans le cadre ni faire d'ombres.

Plan moyen
Le plan moyen pose l'action et les personnages de façon plus significative que les plans larges. On y découvre un ou plusieurs personnages de la tête aux pieds ainsi que divers éléments du décor. Avec ce type de plan, le spectateur va vraiment se focaliser sur les personnages et leurs actions. Le décor ne donne plus que des informations secondaires. Le plan moyen permet réellement de distinguer un personnage de ce qui l'entoure, de se focaliser sur son aspect physique, son allure.
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Plateau
Le plateau est le lieu ou se réunissent l'équipe technique et les acteurs pour le tournage des prises de vue. En studio, c'est l'endroit ou seront fabriqués les décors dans lesquels des séquences seront enregistrées.

Plongée
La plongée consiste en une prise effectuée avec un angle au-dessus de l'objet ou du personnage présent dans le plan. La caméra " regarde " de haut en bas. L'effet visuel obtenu peut être une déformation ou un sentiment de faiblesse, fragilité du personnage ou objet en question.

Postsynchronisation
La postsynchronisation, en opposition au son direct, consiste à enregistrer les dialogues et autres bruitages du film après le tournage.

Prise
Une prise est l'enregistrement d'un plan lors du tournage. Pour chaque plan prévu par le découpage, plusieurs prises peuvent être effectuées, jusqu'à ce que le réalisateur soit satisfait du résultat.

Profondeur de champ
La profondeur de champ permet d'obtenir une image d'une netteté équivalente au premier plan et à l'arrière plan.

Raccord
Le raccord est le terme désigné pour l'enchaînement de deux plans. Pour que le raccord ne choque pas, il faut veiller à la cohérence des lumières, des costumes ou encore des objets.

Repérages
Les repérages consistent dans un premier temps à rechercher les différents lieux de tournage, et dans un deuxième temps, à étudier les lieux pour déterminer ou poser la caméra et comment réaliser les plans souhaités.

Répétition
Les répétitions sont effectuées par les acteurs, sous la direction du réalisateur, en amont du tournage. Les acteurs répètent ensemble leurs scènes et dialogues tandis que le réalisateur leur donne des conseils en vue d'obtenir le meilleur résultat possible lors de la prise de vue.

Rushes
Les rushes sont le résultat, à l'état brut, de l'ensemble des prises de vue qui ont été enregistrées. Le derushage, effectué en parallèle au tournage ou juste après, permettra de sélectionner les plans retenus pour le montage.

Scénario
Le scénario est une version écrite du projet de film. On y retrouve l'ensemble des scènes et des dialogues du film.

Scène
Une scène est une succession de plans liés par une unité dramatique ou se déroulant dans un même lieu.

Séquence
Une séquence est un passage, une scène d'un film se situant dans un seul et même lieu et reposant sur une action ou un dialogue principal.

Son direct
Contrairement à la postsynchronisation, le son direct est enregistré lors du tournage, pendant les prises de vues.

Steadicam
Le steadicam est un système de prise de vues en caméra portée qui permet de faire des travellings sans rails. La caméra est fixée à un stabilisateur qui prend la forme d'un bras articulé fixé à un harnais porté par le cameraman. Le résultat est une image en mouvement et stable, comme si la caméra flottait dans les airs.

Story-board
Le story-board est un outil de travail, réalisé avant le tournage, qui regroupe, sous forme de croquis, l'ensemble des plans et mouvements de caméra ainsi que les indications sonores.

Studios
Les studios sont des lieux dédiés au tournage de films dans lesquels sont montés des décors artificiels. On y trouve également de nombreux services " support " au tournage comme des loges, des salles de montage ou encore des cantines.

Traitement
Le traitement est l'étape du scénario précédant la continuité dialoguée. Développé à partir du synopsis, il s'agit d'un texte de plusieurs dizaines de pages qui décrit dans ses grandes lignes l'intrigue du film et ses scènes principales.

Mots-clés: profondeur de champ définition cinéma, la terminologie de prise de vue cinéma, Quels sont les elements d'angle de prise de vue

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Vous trouverez dans ce lexique du cinéma quelques définitions de termes cinématographiques clés liés à la réalisation de films, au métier de réalisateur et au cinéma en général. Ce sont des éléments que vous devez connaître si vous avez pour ambition de devenir réalisateur.

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Site d'archive américain.
https://archive.org

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Dès qu'une œuvre tombe dans le domaine public, elle peut être " uploadée " sur le site archive.org. La liste ne peut donc que s'agrandir. Pour les cinéphiles, c'est une véritable caverne d' Ali Baba.

On peut déjà y trouver près de 5000 long-métrages, regardables en streaming, mais également disponibles en téléchargement (très souvent de haute qualité). Films noirs, films d'horreur, cinéma Bis, screwball comedy, le choix est vaste.

Voici ma petite liste maison de 13 films :

Freaks : La Monstrueuse Parade (Titre original : Freaks) est un film culte américain réalisé par Tod Browning, sorti en 1932.

The 39 Steps : A 1935 film directed by Alfred Hitchcock. It is loosely based on the novel The Thirty-nine Steps by John Buchan.

The Last Man on Earth: Starring Vincent Price, this was the first film adaptation of the novel I Am Legend by Richard Matheson.

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5000 films tombés dans le domaine public à télécharger gratuitement - KULTT

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Dès qu'une œuvre tombe dans le domaine public, elle peut être " uploadée " sur le site archive.org. La liste ne peut donc que s'agrandir. Pour les cinéphiles, c'est une véritable caverne d' Ali Baba. On peut déjà y trouver près de 5000 long-métrages, regardables en streaming, mais également disponibles en téléchargement (très souvent de haute qualité).

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Youtubeur qui tient une chronique sur le cinéma.
https://www.youtube.com/channel/UCwbV8cTR4yBgFdfa_BXV2OA

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dead watts fossoyeur cinéma musique music cinema chronique jam guitar francois theurel film genre

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Bienvenue sur cette chaîne où l'on va explorer les mystères du cinéma, voyager et ne pas oublier de prendre un bon café au passage. Le visuel du bandeau est signé Lolikata (https://www.facebook.com/Lolikata-182798635070751/?fref=ts)

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Petit magazine qui décode le cinéma.

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327 : Venise au cinéma, un nouvel introuvable, hommage à Milos Forman ...

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Petite émission d'analyse d'oeuvres.

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Découvrez des documentaires et émissions autour de l'art et de la culture ! Abonnez-vous !

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Charte du cours d'Arts Plastiques.

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Site qui regroupe des oeuvres et des vidéos d'artistes.

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Chaine youtube consacrée à l'art.

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Il parait que l'art ne sert à rien ? SOS Art propose aujourd'hui de vous expliquer d'où vient cette idée reçue. BIBLIOGRAPHIE - Emmanuel Kant, Critique de la Faculté de Juger, Paris, GF-Flammarion (publication original en allemand 1790), 2000, p.289. -Pierre Bourdieu, La distinction, critique sociale du jugement, Paris, les éditions de minuit, 2012 (première publication en 1979), p.58-59.

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Glossaire des arts plastiques